Jules Massenet |

Jules Massenet

Massenet. Elehiya (F. Chaliapin / 1931)

Hindi kailanman ipinakita ni M. Massenet pati na rin sa "Werther" ang mga kaakit-akit na katangian ng talento na ginawa siyang isang musical historian ng babaeng kaluluwa. C. Debussy

Oh paano naduwal Massenet!!! At ang pinaka nakakainis sa lahat ay yung sa ganito alibadbad May nararamdaman akong may kinalaman sa akin. P. Tchaikovsky

Nagulat ako ni Debussy sa pagtatanggol nitong confection (Massenet's Manon). I. Stravinsky

Ang bawat Pranses na musikero ay may kaunting Massenet sa kanyang puso, tulad ng bawat Italyano ay may kaunting Verdi at Puccini. F. Poulenc

Iba't ibang opinyon ng mga kontemporaryo! Ang mga ito ay naglalaman ng hindi lamang isang pakikibaka ng mga panlasa at adhikain, kundi pati na rin ang kalabuan ng gawa ni J. Massenet. Ang pangunahing bentahe ng kanyang musika ay nasa mga melodies, na, ayon sa kompositor na si A. Bruno, "makikilala mo sa libu-libo". Kadalasan sila ay malapit na konektado sa salita, kaya ang kanilang pambihirang kakayahang umangkop at pagpapahayag. Ang linya sa pagitan ng melody at recitative ay halos hindi mahahalata, at samakatuwid ang mga eksena sa opera ng Massenet ay hindi nahahati sa mga saradong numero at mga episode ng "serbisyo" na nag-uugnay sa kanila, tulad ng nangyari sa kanyang mga nauna - Ch. Gounod, A. Thomas, F. Halevi. Ang mga kinakailangan ng cross-cutting action, musical realism ay ang aktwal na mga kinakailangan ng panahon. Ang Massenet ay naglalaman ng mga ito sa isang napaka-Pranses na paraan, sa maraming paraan ay muling binuhay ang mga tradisyon noong JB Lully. Gayunpaman, ang pagbigkas ni Massenet ay batay hindi sa solemne, bahagyang bonggang pagbigkas ng mga trahedya na aktor, ngunit sa walang sining na pang-araw-araw na pananalita ng isang simpleng tao. Ito ang pangunahing lakas at pagka-orihinal ng mga liriko ni Massenet, ito rin ang dahilan ng kanyang mga pagkabigo nang bumaling siya sa trahedya ng klasikal na uri (“The Sid” ayon kay P. Corneille). Ang isang ipinanganak na lyricist, isang mang-aawit ng matalik na paggalaw ng kaluluwa, na nakapagbibigay ng espesyal na tula sa mga babaeng imahe, madalas niyang kinukuha ang mga trahedya at bonggang plot ng "malaking" opera. Ang teatro ng Opera Comique ay hindi sapat para sa kanya, dapat din siyang maghari sa Grand Opera, kung saan halos ginagawa niya ang mga pagsisikap ng Meyerbeerian. Kaya, sa isang konsiyerto mula sa musika ng iba't ibang mga kompositor, si Massenet, na lihim mula sa kanyang mga kasamahan, ay nagdagdag ng isang malaking brass band sa kanyang marka at, na nakakabingi sa madla, ay naging bayani ng araw. Inaasahan ng Massenet ang ilan sa mga nakamit nina C. Debussy at M. Ravel (estilo ng recitative sa opera, mga highlight ng chord, stylization ng maagang musikang Pranses), ngunit, nagtatrabaho nang kahanay sa kanila, nananatili pa rin sa loob ng aesthetics ng ika-XNUMX siglo.

Nagsimula ang karera sa musika ni Massenet sa kanyang pagpasok sa konserbatoryo sa edad na sampung. Sa lalong madaling panahon lumipat ang pamilya sa Chambéry, ngunit hindi magagawa ni Jules kung wala ang Paris at tumakas sa bahay ng dalawang beses. Ang pangalawang pagtatangka lamang ang nagtagumpay, ngunit alam ng labing-apat na taong gulang na batang lalaki ang lahat ng hindi maayos na buhay ng artistikong bohemia na inilarawan sa Scenes ... ni A. Murger (na personal niyang kilala, pati na rin ang mga prototype ng Schoenard at Musetta). Ang pagkakaroon ng pagtagumpayan ng mga taon ng kahirapan, bilang isang resulta ng pagsusumikap, nakamit ni Massenet ang Great Rome Prize, na nagbigay sa kanya ng karapatan sa isang apat na taong paglalakbay sa Italya. Mula sa ibang bansa, bumalik siya noong 1866 na may dalawang franc sa kanyang bulsa at kasama ang isang estudyante ng piano, na pagkatapos ay naging kanyang asawa. Ang karagdagang talambuhay ng Massenet ay isang tuluy-tuloy na kadena ng patuloy na pagtaas ng mga tagumpay. Noong 1867, itinanghal ang kanyang unang opera, The Great Aunt, pagkaraan ng isang taon ay nakakuha siya ng permanenteng publisher, at ang kanyang mga orkestra na suite ay matagumpay. At pagkatapos ay lumikha si Massenet ng higit pang mga mature at makabuluhang mga gawa: ang mga opera na Don Cesar de Bazan (1872), The King of Lahore (1877), ang oratorio-opera na si Mary Magdalene (1873), musika para sa Erinyes ni C. Leconte de Lily (1873) kasama ang sikat na "Elegy", ang himig nito ay lumitaw noong 1866 bilang isa sa Ten Piano Pieces - ang unang nai-publish na gawa ni Massenet. Noong 1878, naging propesor si Massenet sa Paris Conservatory at nahalal na miyembro ng Institute of France. Siya ay nasa sentro ng atensyon ng publiko, tinatamasa ang pagmamahal ng publiko, kilala sa kanyang walang hanggang kagandahang-loob at pagpapatawa. Ang tugatog ng gawain ni Massenet ay ang mga opera na Manon (1883) at Werther (1886), at hanggang ngayon ay tumutunog ang mga ito sa mga entablado ng maraming mga teatro sa buong mundo. Hanggang sa katapusan ng kanyang buhay, hindi pinabagal ng kompositor ang kanyang malikhaing aktibidad: nang hindi nagbibigay ng pahinga sa kanyang sarili o sa kanyang mga tagapakinig, sumulat siya ng opera pagkatapos ng opera. Lumalaki ang kasanayan, ngunit nagbabago ang mga panahon, at ang kanyang istilo ay nananatiling hindi nagbabago. Ang malikhaing regalo ay kapansin-pansing bumababa, lalo na sa huling dekada, bagama't ang Massenet ay tinatamasa pa rin ang paggalang, karangalan at lahat ng makamundong pagpapala. Sa mga taong ito, isinulat ang mga opera na Thais (1894) na may sikat na Meditation, The Juggler of Our Lady (1902) at Don Quixote (1910, pagkatapos ni J. Lorrain), na nilikha para kay F. Chaliapin.

Si Massenet ay mababaw, na itinuturing na kanyang palaging kaaway at karibal na si K. Saint-Saens, "ngunit hindi mahalaga." “… Ang sining ay nangangailangan ng mga artista sa lahat ng uri … Siya ay may alindog, ang kakayahang mang-akit at kinakabahan, kahit na mababaw ang ugali … Sa teorya, hindi ko gusto ang ganitong uri ng musika … Ngunit paano ka makakalaban kapag naririnig mo si Manon sa paanan ng de Grieux sa sakristiya ng Saint-Sulpice? Paano hindi mahuli sa kaibuturan ng kaluluwa ng mga hikbi ng pag-ibig na ito? Paano mag-isip at mag-analyze kung ikaw ay naantig?

E. kamiseta

Ang anak ng isang may-ari ng minahan ng bakal, si Massenet ay tumanggap ng kanyang unang mga aralin sa musika mula sa kanyang ina; sa Paris Conservatoire nag-aral siya kasama sina Savard, Lauren, Bazin, Reber at Thomas. Noong 1863 siya ay iginawad sa Rome Prize. Ang pagkakaroon ng nakatuon sa kanyang sarili sa iba't ibang mga genre, masigasig din siyang nagtatrabaho sa larangan ng teatro. Noong 1878, pagkatapos ng tagumpay ng The King of Lahore, siya ay hinirang na propesor ng komposisyon sa konserbatoryo, isang posisyon na hawak niya hanggang 1896, nang, nang makamit ang katanyagan sa mundo, iniwan niya ang lahat ng mga post, kabilang ang direktor ng Institut de France.

"Lubos na napagtanto ni Massenet ang kanyang sarili, at ang isa na, gustong tusukin siya, lihim na nagsalita tungkol sa kanya bilang isang mag-aaral ng naka-istilong manunulat ng kanta na si Paul Delmay, ay nagsimula ng isang biro sa masamang lasa. Massenet, sa kabaligtaran, ay ginaya nang husto, totoo... ang kanyang mga harmoniya ay tulad ng mga yakap, at ang kanyang mga himig ay tulad ng mga kurbadong leeg... Tila naging biktima si Massenet ng kanyang magagandang tagapakinig, na ang mga tagahanga ay masigasig na umindayog sa kanyang mahabang panahon. mga pagtatanghal… Aaminin ko, hindi ko maintindihan kung bakit mas mabuting magkagusto sa mga matatandang babae, mga mahilig sa Wagner at mga babaeng kosmopolitan, kaysa sa mga mabangong dalaga na hindi gaanong tumugtog ng piano. Ang mga assertion na ito ni Debussy, ironically aside, ay isang magandang indikasyon ng trabaho ni Massenet at ang kahalagahan nito para sa kulturang Pranses.

Noong nilikha ang Manon, tinukoy na ng ibang mga kompositor ang katangian ng French opera sa buong siglo. Isaalang-alang ang Gounod's Faust (1859), Berlioz's unfinished Les Troyens (1863), Meyerbeer's The African Woman (1865), Thomas' Mignon (1866), Bizet's Carmen (1875), Saint-Saens' Samson and Delilah (1877), "The Tales ng Hoffmann" ni Offenbach (1881), "Lakme" ni Delibes (1883). Bilang karagdagan sa paggawa ng opera, ang pinakamahalagang mga gawa ni César Franck, na isinulat sa pagitan ng 1880 at 1886, na gumanap ng isang mahalagang papel sa paglikha ng isang sensual-mystical na kapaligiran sa musika ng katapusan ng siglo, ay karapat-dapat na banggitin. Kasabay nito, maingat na pinag-aralan ni Lalo ang alamat, at si Debussy, na iginawad sa Rome Prize noong 1884, ay malapit na sa huling pagbuo ng kanyang istilo.

Tulad ng para sa iba pang mga anyo ng sining, ang impresyonismo sa pagpipinta ay lumampas na sa pagiging kapaki-pakinabang nito, at ang mga artista ay bumaling sa parehong naturalistic at neoclassical, bago at dramatikong paglalarawan ng mga anyo, tulad ng Cezanne. Degas at Renoir ay lumipat nang mas tiyak sa isang naturalistic na paglalarawan ng katawan ng tao, habang si Seurat noong 1883 ay nagpakita ng kanyang pagpipinta na "Bathing", kung saan ang kawalang-kilos ng mga figure ay minarkahan ng isang turn sa isang bagong plastic na istraktura, marahil ay simbolista, ngunit pa rin kongkreto at malinaw. . Ang simbolismo ay nagsisimula pa lamang na sumilip sa mga unang gawa ng Gauguin. Ang naturalistikong direksyon (na may mga tampok ng simbolismo sa isang panlipunang background), sa kabaligtaran, ay napakalinaw sa oras na ito sa panitikan, lalo na sa mga nobela ni Zola (noong 1880 lumitaw si Nana, isang nobela mula sa buhay ng isang courtesan). Sa paligid ng manunulat, isang grupo ang nabuo na lumiliko sa imahe ng isang mas hindi magandang tingnan o hindi bababa sa hindi pangkaraniwang katotohanan para sa panitikan: sa pagitan ng 1880 at 1881, si Maupassant ay pumili ng isang brothel bilang setting para sa kanyang mga kuwento mula sa koleksyon na "The House of Tellier".

Ang lahat ng mga ideya, intensyon at tendensiyang ito ay madaling matagpuan sa Manon, salamat sa kung saan ginawa ng kompositor ang kanyang kontribusyon sa sining ng opera. Ang magulong pagsisimula na ito ay sinundan ng mahabang serbisyo sa opera, kung saan hindi palaging angkop na materyal ang natagpuan upang ihayag ang mga merito ng kompositor at ang pagkakaisa ng malikhaing konsepto ay hindi palaging napanatili. Bilang kinahinatnan, ang iba't ibang uri ng mga kontradiksyon ay sinusunod sa antas ng istilo. Kasabay nito, ang paglipat mula sa verismo patungo sa pagkabulok, mula sa isang fairy tale patungo sa isang makasaysayang o kakaibang kuwento na may iba't ibang paggamit ng mga bahagi ng boses at isang orkestra, hindi kailanman binigo ni Massenet ang kanyang mga manonood, kung salamat lamang sa mahusay na pagkakagawa ng sound material. Sa alinman sa kanyang mga opera, kahit na hindi sila matagumpay sa kabuuan, mayroong isang di-malilimutang pahina na nabubuhay ng isang malayang buhay sa labas ng pangkalahatang konteksto. Tiniyak ng lahat ng mga pangyayaring ito ang mahusay na tagumpay ng Massenet sa discographic market. Sa huli, ang kanyang pinakamahusay na mga halimbawa ay ang mga kung saan ang kompositor ay tapat sa kanyang sarili: liriko at madamdamin, malambot at senswal, na naghahatid ng kanyang pagkamangha sa mga bahagi ng mga pangunahing tauhan na pinaka-tune sa kanya, mga mahilig, na ang mga katangian ay hindi kakaiba sa pagiging sopistikado. ng mga solusyong simponiko, na nakamit nang madali at wala sa mga limitasyon ng mag-aaral.

G. Marchesi (isinalin ni E. Greceanii)

Ang may-akda ng dalawampu't limang opera, tatlong ballet, mga sikat na orkestra na suite (Neapolitan, Alsatian, Scenes Picturesque) at marami pang ibang mga gawa sa lahat ng genre ng musikal na sining, si Massenet ay isa sa mga kompositor na ang buhay ay hindi alam ang mga seryosong pagsubok. Ang mahusay na talento, isang mataas na antas ng propesyonal na kasanayan at banayad na artistikong likas na talino ay nakatulong sa kanya na makamit ang pagkilala sa publiko noong unang bahagi ng 70s.

Maaga niyang natuklasan kung ano ang nababagay sa kanyang personalidad; na pinili ang kanyang tema, hindi siya natakot na ulitin ang kanyang sarili; Madali siyang sumulat, nang walang pag-aalinlangan, at para sa tagumpay ay handa siyang gumawa ng malikhaing kompromiso sa nananaig na panlasa ng burges na publiko.

Si Jules Massenet ay isinilang noong Mayo 12, 1842, bilang isang bata ay pumasok siya sa Paris Conservatoire, kung saan siya nagtapos noong 1863. Matapos manatili bilang laureate nito sa loob ng tatlong taon sa Italya, bumalik siya noong 1866 sa Paris. Nagsisimula ang patuloy na paghahanap ng mga paraan ng kaluwalhatian. Sinusulat ni Massenet ang parehong mga opera at suite para sa orkestra. Ngunit ang kanyang pagkatao ay mas malinaw na ipinakita sa mga vocal plays ("Pastoral Poem", "Poem of Winter", "April Poem", "October Poem", "Love Poem", "Memories Poem"). Ang mga dulang ito ay isinulat sa ilalim ng impluwensya ni Schumann; binabalangkas nila ang katangiang bodega ng ariose vocal style ni Massenet.

Noong 1873, sa wakas ay nanalo siya ng pagkilala - una sa musika para sa trahedya ng Aeschylus "Erinnia" (malayang isinalin ni Leconte de Lisle), at pagkatapos - "sagradong drama" na "Mary Magdalene", na ginanap sa konsiyerto. Sa pamamagitan ng taos-pusong mga salita, binati ni Bizet si Massenet sa kanyang tagumpay: “Ang aming bagong paaralan ay hindi pa nakagawa ng ganito. Nilagnat mo ako, kontrabida! Oh, ikaw, isang mabigat na musikero ... Damn it, you are bothering me with something! ..». "Dapat nating bigyang pansin ang taong ito," sumulat si Bizet sa isa sa kanyang mga kaibigan. "Tingnan mo, isasaksak niya tayo sa sinturon."

Nakita ni Bizet ang hinaharap: sa lalong madaling panahon siya mismo ang nagtapos ng maikling buhay, at si Massenet sa mga darating na dekada ay nakakuha ng nangungunang posisyon sa mga kontemporaryong musikero ng Pransya. Ang 70s at 80s ay ang pinakamatalino at mabungang taon sa kanyang trabaho.

Ang "Mary Magdalene", na nagbubukas sa panahong ito, ay mas malapit sa karakter sa isang opera kaysa sa isang oratorio, at ang pangunahing tauhang babae, isang nagsisisi na makasalanan na naniniwala kay Kristo, na lumitaw sa musika ng kompositor bilang isang modernong Parisian, ay ipininta sa parehong mga kulay. bilang courtesan na si Manon. Sa gawaing ito, natukoy ang paboritong bilog ng mga imahe at paraan ng pagpapahayag ni Massenet.

Simula sa anak ni Dumas at kalaunan ay ang Goncourts, isang gallery ng mga babaeng uri, matikas at kinakabahan, mapang-akit at marupok, sensitibo at mapusok, na itinatag ang sarili sa panitikang Pranses. Kadalasan ang mga ito ay mapang-akit na nagsisisi na mga makasalanan, "mga kababaihan ng kalahating mundo", na nangangarap ng kaginhawahan ng isang apuyan ng pamilya, ng kaaya-ayang kaligayahan, ngunit nasira sa paglaban sa mapagkunwari na burges na katotohanan, pinilit na isuko ang mga pangarap, mula sa isang mahal sa buhay, mula sa buhay… (Ito ang nilalaman ng mga nobela at dula ni Dumas son: The Lady of the Camellias (nobela – 1848, theatrical staging – 1852), Diana de Liz (1853), The Lady of the Half World (1855); tingnan din ang mga nobela ng magkapatid na Goncourt "Rene Mauprin" (1864), Daudet "Sappho" (1884) at iba pa.) Gayunpaman, anuman ang mga plot, panahon at bansa (totoo o kathang-isip), inilalarawan ni Massenet ang isang babae ng kanyang burges na bilog, na sensitibong nailalarawan ang kanyang panloob na mundo.

Tinawag ng mga kontemporaryo si Massenet na "ang makata ng babaeng kaluluwa."

Kasunod ni Gounod, na nagkaroon ng malakas na impluwensya sa kanya, ang Massenet, na may mas malaking katwiran, ay maaaring mai-ranggo sa "paaralan ng nervous sensibility." Ngunit hindi tulad ng parehong Gounod, na ginamit sa kanyang pinakamahusay na mga gawa ng mas mayaman at iba't ibang mga kulay na lumikha ng isang layunin na background para sa buhay (lalo na sa Faust), Massenet ay mas pino, elegiac, mas subjective. Siya ay mas malapit sa imahe ng feminine softness, grace, sensual grace. Alinsunod dito, ang Massenet ay nakabuo ng isang indibidwal na istilo ng ariose, declamatory sa kaibuturan nito, banayad na inihahatid ang nilalaman ng teksto, ngunit napaka malambing, at hindi inaasahang umuusbong na emosyonal na "pagsabog" ng mga damdamin ay nakikilala sa pamamagitan ng mga parirala ng malawak na melodic na paghinga:

Ang bahagi ng orkestra ay nakikilala din sa pamamagitan ng kahusayan ng pagtatapos. Kadalasan ay nasa loob nito na bubuo ang melodic na prinsipyo, na nag-aambag sa pag-iisa ng pasulput-sulpot, maselan at marupok na bahagi ng boses:

Ang isang katulad na paraan ay malapit nang maging tipikal ng mga opera ng mga Italian verists (Leoncavallo, Puccini); tanging ang kanilang mga pasabog ng damdamin ay mas mapusok at masigasig. Sa France, ang interpretasyong ito ng vocal part ay pinagtibay ng maraming kompositor ng huling bahagi ng ika-XNUMX at unang bahagi ng ika-XNUMX na siglo.

Ngunit bumalik sa 70s.

Ang hindi inaasahang pagkilala ay nagbigay inspirasyon sa Massenet. Ang kanyang mga gawa ay madalas na ginaganap sa mga konsyerto (Picturesque Scenes, the Phaedra Overture, the Third Orchestral Suite, the Sacred Drama Eve at iba pa), at ang Grand Opera ay naglalagay sa opera na si King Lagorsky (1877, mula sa Indian life; relihiyosong alitan ang nagsisilbing background. ). Muli ay isang mahusay na tagumpay: Massenet ay nakoronahan ng mga karangalan ng isang akademiko - sa edad na tatlumpu't anim na siya ay naging isang miyembro ng Institute of France at sa lalong madaling panahon ay inanyayahan bilang isang propesor sa konserbatoryo.

Gayunpaman, sa "Hari ng Lagorsk", pati na rin sa paglaon ay isinulat na "Esclarmonde" (1889), marami pa rin mula sa nakagawiang "grand opera" - ang tradisyunal na genre ng French musical theater na matagal nang naubos ang artistikong mga posibilidad nito. Ganap na natagpuan ni Massenet ang kanyang sarili sa kanyang pinakamahusay na mga gawa - "Manon" (1881-1884) at "Werther" (1886, premiered sa Vienna noong 1892).

Kaya, sa edad na apatnapu't lima, nakamit ni Massenet ang ninanais na katanyagan. Ngunit, sa patuloy na pagtatrabaho sa parehong intensity, sa susunod na dalawampu't limang taon ng kanyang buhay, hindi lamang niya pinalawak ang kanyang ideolohikal at artistikong abot-tanaw, ngunit inilapat ang mga epekto sa teatro at paraan ng pagpapahayag na dati niyang binuo sa iba't ibang mga operatic plot. At sa kabila ng katotohanan na ang mga premiere ng mga gawang ito ay nilagyan ng patuloy na karangyaan, karamihan sa kanila ay nararapat na nakalimutan. Ang sumusunod na apat na opera ay gayunpaman ay walang alinlangan na interes: "Thais" (1894, ginamit ang balangkas ng nobela ni A. France), na, sa mga tuntunin ng kahusayan ng melodic pattern, ay lumalapit sa "Manon"; "Navarreca" (1894) at "Sappho" (1897), na sumasalamin sa mga veristic na impluwensya (ang huling opera ay isinulat batay sa nobela ni A. Daudet, ang balangkas na malapit sa "Lady of the Camellias" ni Dumas na anak, at sa gayon ay ang "Verdi's " La Traviata"; sa "Sappho" maraming pahina ng kapana-panabik, makatotohanang musika); "Don Quixote" (1910), kung saan ginulat ni Chaliapin ang madla sa pamagat na papel.

Namatay si Massenet noong Agosto 13, 1912.

Sa loob ng labing walong taon (1878-1896) nagturo siya ng isang klase ng komposisyon sa Paris Conservatoire, na tinuturuan ang maraming estudyante. Kabilang sa kanila ang mga kompositor na sina Alfred Bruno, Gustave Charpentier, Florent Schmitt, Charles Kouklin, ang klasiko ng musikang Romanian, George Enescu, at iba pa na nang maglaon ay nagkamit ng katanyagan sa France. Ngunit kahit na ang mga hindi nag-aral sa Massenet (halimbawa, Debussy) ay naiimpluwensyahan ng kanyang nerbiyos na sensitibo, kakayahang umangkop sa pagpapahayag, ariose-declamatory na istilo ng boses.

* * *

Ang integridad ng liriko-dramatikong pagpapahayag, katapatan, katapatan sa paghahatid ng nanginginig na damdamin – ito ang mga merito ng mga opera ni Massenet, na pinakamalinaw na ipinahayag sa Werther at Manon. Gayunpaman, ang kompositor ay madalas na walang panlalaking lakas sa paghahatid ng mga hilig sa buhay, mga dramatikong sitwasyon, nilalaman ng salungatan, at pagkatapos ay ang ilang pagiging sopistikado, kung minsan sa salon sweetness, sinira sa kanyang musika.

Ito ang mga palatandaan ng krisis ng panandaliang genre ng "lyric opera" ng Pranses, na nabuo noong 60s, at noong dekada 70 ay masinsinang hinihigop ang mga bago, progresibong uso na nagmumula sa modernong panitikan, pagpipinta, teatro. Gayunpaman, noon pa man ang mga tampok ng limitasyon ay ipinahayag sa kanya, na nabanggit sa itaas (sa sanaysay na nakatuon kay Gounod).

Nalampasan ng henyo ni Bizet ang makitid na limitasyon ng "lyric opera". Ang pagsasadula at pagpapalawak ng nilalaman ng kanyang mga unang musikal at teatro na komposisyon, na mas totoo at malalim na sumasalamin sa mga kontradiksyon ng katotohanan, naabot niya ang taas ng realismo sa Carmen.

Ngunit ang kultura ng French operatic ay hindi nanatili sa antas na ito, dahil ang pinakakilalang mga master nito sa mga huling dekada ng ika-60 siglo ay walang walang kompromiso na pagsunod ni Bizet sa mga prinsipyo sa paggigiit ng kanilang mga artistikong mithiin. Mula noong pagtatapos ng 1877s, dahil sa pagpapalakas ng mga reaksyunaryong tampok sa pananaw sa mundo, si Gounod, pagkatapos ng paglikha nina Faust, Mireil at Romeo at Juliet, ay umalis mula sa mga progresibong pambansang tradisyon. Si Saint-Saens naman, ay hindi nagpakita ng nararapat na pagkakapare-pareho sa kanyang mga malikhaing paghahanap, ay eclectic, at tanging sa Samson at Delilah (1883) lamang niya nakamit ang makabuluhang, bagaman hindi kumpletong tagumpay. Sa isang tiyak na lawak, ang ilang mga tagumpay sa larangan ng opera ay isang panig din: Delibes (Lakme, 1880), Lalo (Hari ng Lungsod ng Is, 1886), Chabrier (Gwendoline, XNUMX). Ang lahat ng mga gawang ito ay naglalaman ng iba't ibang mga plot, ngunit sa kanilang musikal na interpretasyon, ang mga impluwensya ng parehong "grand" at "lyrical" na mga opera ay tumawid sa isang antas o iba pa.

Sinubukan din ni Massenet ang kanyang kamay sa parehong mga genre, at sinubukan niyang i-update ang hindi na ginagamit na istilo ng "grand opera" na may direktang lyrics, ang kakayahang maunawaan ng mga paraan ng pagpapahayag. Higit sa lahat, naakit siya sa inayos ni Gounod sa Faust, na nagsilbi sa Massenet bilang isang hindi naa-access na artistikong modelo.

Gayunpaman, ang buhay panlipunan ng France pagkatapos ng Paris Commune ay naglagay ng mga bagong gawain para sa mga kompositor - ito ay kinakailangan upang mas matalas na ibunyag ang mga tunay na salungatan ng katotohanan. Nakuha sila ni Bizet sa Carmen, ngunit iniwasan ito ni Massenet. Isinara niya ang sarili sa genre ng lyrical opera, at lalo pang pinakipot ang paksa nito. Bilang isang pangunahing artist, ang may-akda ng Manon at Werther, siyempre, bahagyang sumasalamin sa kanyang mga gawa ang mga karanasan at kaisipan ng kanyang mga kontemporaryo. Lalo na naapektuhan nito ang pagbuo ng mga paraan ng pagpapahayag para sa nervously sensitive musical speech, na higit na naaayon sa diwa ng modernidad; ang kanyang mga tagumpay ay makabuluhan kapwa sa pagbuo ng "sa pamamagitan ng" liriko na mga eksena ng opera, at sa banayad na sikolohikal na interpretasyon ng orkestra.

Noong dekada 90, ang paboritong genre na ito ng Massenet ay naubos na ang sarili. Nagsisimulang madama ang impluwensya ng Italian operatic verismo (kabilang ang mismong gawa ni Massenet). Sa ngayon, ang mga modernong tema ay mas aktibong iginiit sa French musical theater. Indikasyon hinggil dito ang mga opera ni Alfred Bruno (Ang Pangarap batay sa nobela ni Zola, 1891; The Siege of the Mill batay sa Maupassant, 1893, at iba pa), na hindi walang mga tampok ng naturalismo, at lalo na ang opera ni Charpentier na si Louise (1900), kung saan sa maraming aspeto ay matagumpay, bagama't medyo malabo, hindi sapat na dramatikong paglalarawan ng mga larawan ng modernong buhay sa Paris.

Ang pagtatanghal ng Pelléas et Mélisande ni Claude Debussy noong 1902 ay nagbubukas ng isang bagong panahon sa musikal at teatro na kultura ng France - ang impresyonismo ay naging dominanteng istilo ng istilo.

M. Druskin

Mga Komposisyon:

Mga Opera (kabuuan 25) Maliban sa mga opera na "Manon" at "Werther", tanging ang mga petsa ng mga premiere ay ibinigay sa mga bracket. “Lola”, libretto ni Adeny at Granvallet (1867) “Ful King's Cup”, libretto ni Galle at Blo (1867) “Don Cesar de Bazan”, libretto ni d'Ennery, Dumanois at Chantepie (1872) “Hari ng Lahore” , libretto ni Galle (1877) Herodias, libretto ni Millet, Gremont at Zamadini (1881) Manon, libretto nina Méliac at Gilles (1881-1884) “Werther”, libretto ni Blo, Mille at Gartmann (1886, premiere — 1892) “ The Sid”, libretto ni d'Ennery, Blo and Galle (1885) «Ésclarmonde», libretto ni Blo and Gremont (1889) The Magician, libretto ni Richpin (1891) “Thais”, libretto ni Galle (1894) “Portrait of Manon”, libretto ni Boyer (1894) “Navarreca”, libretto ni Clarty at Ken (1894) Sappho, libretto nina Kena at Berneda (1897) Cinderella, libretto ni Ken (1899) Griselda, libretto ni Sylvester at Moran (1901) “ The Juggler of Our Lady”, libretto ni Len (1902) Cherub, libretto ni Croisset at Ken (1905) Ariana, libretto ni Mendes (1906) Teresa, libretto ni Clarty (1907) “Vakh” (1910) Don Quixote, libretto b y Ken (1910) Rome, libretto ni Ken (1912) “Amadis” (posthumously) “Cleopatra”, libretto ni Payen (posthumously)

Iba pang musical-theatrical at cantata-oratorio works Musika para sa trahedya ni Aeschylus "Erinnia" (1873) "Mary Magdalene", sagradong drama Halle (1873) Eve, isang sagradong drama Halle (1875) Narcissus, antigong idyll ni Collin (1878) "The Immaculate Virgin", ang sagradong alamat of Grandmougins (1880) "Carillon", mimic and dance legend (1892) "Promised Land", oratorio (1900) Dragonfly, ballet (1904) "Spain", ballet (1908)

Symphonic works Pompeii, suite para sa orkestra (1866) Unang suite para sa orkestra (1867) “Hungarian Scenes” (Second suite para sa orkestra) (1871) “Picturesque Scenes” (1871) Third suite para sa orkestra (1873) Overture “Phaedra” (1874) “ Mga dramatikong eksena ayon kay Shakespeare” (1875) “Neapolitan Scenes” (1882) “Alsatian scenes” (1882) “Enchanting Scenes” (1883) at iba pa

Bilang karagdagan, mayroong maraming iba't ibang mga komposisyon para sa piano, humigit-kumulang 200 mga romansa ("Intimate Songs", "Pastoral Poem", "Poem of Winter", "Poem of Love", "Poem of Memories" at iba pa), gumagana para sa chamber instrumental mga ensemble.

Mga akdang pampanitikan "Aking Mga Alaala" (1912)