Sergei Vasilyevich Rachmaninoff |

Sergei Rachmaninoff

At nagkaroon ako ng sariling lupain; Siya ay kahanga-hanga! A. Pleshcheev (mula kay G. Heine)

Si Rachmaninov ay nilikha mula sa bakal at ginto; Bakal sa kanyang mga kamay, ginto sa kanyang puso. I. Hoffman

"Ako ay isang kompositor na Ruso, at ang aking tinubuang-bayan ay nag-iwan ng marka sa aking karakter at sa aking mga pananaw." Ang mga salitang ito ay nabibilang kay S. Rachmaninov, ang mahusay na kompositor, makikinang na piyanista at konduktor. Ang lahat ng pinakamahalagang kaganapan ng buhay panlipunan at artistikong Ruso ay makikita sa kanyang malikhaing buhay, na nag-iiwan ng isang hindi maalis na marka. Ang pagbuo at pag-unlad ng gawain ni Rachmaninov ay bumagsak noong 1890-1900s, isang oras kung kailan ang pinaka-kumplikadong proseso ay naganap sa kulturang Ruso, ang espirituwal na pulso ay tumibok nang may lagnat at kinakabahan. Ang matinding liriko na pakiramdam ng panahon na likas sa Rachmaninov ay palaging nauugnay sa imahe ng kanyang minamahal na Inang Bayan, na may kawalang-hanggan ng malawak na kalawakan nito, ang kapangyarihan at marahas na lakas ng mga elementong pwersa nito, ang banayad na hina ng namumulaklak na kalikasan ng tagsibol.

Ang talento ni Rachmaninov ay nagpakita nang maaga at maliwanag, bagaman hanggang sa edad na labindalawa ay hindi siya nagpakita ng labis na kasigasigan para sa sistematikong mga aralin sa musika. Nagsimula siyang matutong tumugtog ng piano sa edad na 4, noong 1882 siya ay pinasok sa St. Petersburg Conservatory, kung saan, naiwan sa kanyang sariling mga aparato, siya ay medyo nagkagulo, at noong 1885 siya ay inilipat sa Moscow Conservatory. Dito nag-aral ng piano si Rachmaninoff kasama si N. Zverev, pagkatapos ay si A. Siloti; sa teoretikal na mga paksa at komposisyon - kasama sina S. Taneyev at A. Arensky. Naninirahan sa isang boarding house kasama si Zverev (1885-89), dumaan siya sa isang malupit, ngunit napaka-makatwirang paaralan ng disiplina sa paggawa, na nagpabago sa kanya mula sa isang desperadong tamad at makulit na tao sa isang pambihirang nakolekta at malakas ang kalooban na tao. "Ang pinakamahusay na nasa akin, utang ko sa kanya," - kaya sinabi ni Rachmaninov sa kalaunan tungkol kay Zverev. Sa conservatory, si Rachmaninoff ay malakas na naiimpluwensyahan ng personalidad ni P. Tchaikovsky, na, sa turn, ay sumunod sa pag-unlad ng kanyang paboritong Seryozha at, pagkatapos ng pagtatapos mula sa conservatory, tumulong sa pagtatanghal ng opera Aleko sa Bolshoi Theater, alam mula sa kanyang sariling malungkot na karanasan kung gaano kahirap para sa isang baguhang musikero na maglatag ng sarili mong paraan.

Si Rachmaninov ay nagtapos mula sa Conservatory sa piano (1891) at komposisyon (1892) na may Grand Gold Medal. Sa oras na ito, siya ay may-akda na ng ilang mga komposisyon, kabilang ang sikat na Prelude sa C sharp minor, ang romansa na "Sa Katahimikan ng Lihim na Gabi", ang Unang Piano Concerto, ang opera na "Aleko", na isinulat bilang isang gawain sa pagtatapos. sa loob lang ng 17 araw! Ang mga Fantasy Pieces na sumunod, op. 3 (1892), Elegiac Trio “In Memory of a Great Artist” (1893), Suite para sa dalawang piano (1893), Moments of Music op. 16 (1896), romansa, symphonic na gawa - "The Cliff" (1893), Capriccio on Gypsy Themes (1894) - kinumpirma ang opinyon ni Rachmaninov bilang isang malakas, malalim, orihinal na talento. Ang mga imahe at mood na katangian ni Rachmaninoff ay lumilitaw sa mga gawang ito sa isang malawak na hanay - mula sa kalunos-lunos na kalungkutan ng "Musical Moment" sa B minor hanggang sa hymnical apotheosis ng romansang "Spring Waters", mula sa malupit na kusang-loob na presyon ng "Musical Moment" sa E minor hanggang sa pinakamagandang watercolor ng romansang "Island ".

Mahirap ang buhay sa mga taong ito. Mapagpasya at makapangyarihan sa pagganap at pagkamalikhain, si Rachmaninoff ay likas na isang mahinang tao, kadalasang nakakaranas ng pagdududa sa sarili. Nakialam sa mga materyal na kahirapan, makamundong kaguluhan, gumagala sa mga kakaibang sulok. At bagama't suportado siya ng mga taong malapit sa kanya, pangunahin ang pamilya Satin, nakaramdam siya ng kalungkutan. Ang malakas na pagkabigla na dulot ng pagkabigo ng kanyang Unang Symphony, na ginanap sa St. Petersburg noong Marso 1897, ay humantong sa isang malikhaing krisis. Sa loob ng ilang taon ay hindi gumawa si Rachmaninoff ng anuman, ngunit ang kanyang pagganap na aktibidad bilang isang pianist ay tumindi, at ginawa niya ang kanyang debut bilang isang konduktor sa Moscow Private Opera (1897). Sa mga taong ito, nakilala niya si L. Tolstoy, A. Chekhov, mga artista ng Art Theater, ay nagsimula ng isang pakikipagkaibigan kay Fyodor Chaliapin, na itinuturing ni Rachmaninov na isa sa "pinakamakapangyarihan, malalim at banayad na mga karanasan sa sining." Noong 1899, si Rachmaninoff ay gumanap sa ibang bansa sa unang pagkakataon (sa London), at noong 1900 binisita niya ang Italya, kung saan lumitaw ang mga sketch ng hinaharap na opera Francesca da Rimini. Isang masayang kaganapan ang pagtatanghal ng opera Aleko sa St. Petersburg sa okasyon ng ika-100 anibersaryo ni A. Pushkin kasama si Chaliapin bilang Aleko. Kaya, unti-unting inihahanda ang isang panloob na punto ng pagbabago, at noong unang bahagi ng 1900s. nagkaroon ng pagbabalik sa pagkamalikhain. Nagsimula ang bagong siglo sa Second Piano Concerto, na parang isang malakas na alarma. Narinig ng mga kontemporaryo sa kanya ang tinig ng Oras na may tensyon, pagsabog, at pakiramdam ng mga nalalapit na pagbabago. Ngayon ang genre ng konsiyerto ay nagiging nangungunang isa, nasa loob nito na ang mga pangunahing ideya ay kinakatawan ng pinakadakilang pagkakumpleto at pagiging inklusibo. Nagsisimula ang isang bagong yugto sa buhay ni Rachmaninov.

Ang pangkalahatang pagkilala sa Russia at sa ibang bansa ay tumatanggap ng kanyang pianistic at aktibidad ng conductor. 2 taon (1904-06) Si Rachmaninov ay nagtrabaho bilang isang konduktor sa Bolshoi Theater, na iniiwan sa kasaysayan nito ang memorya ng mga kahanga-hangang produksyon ng mga opera ng Russia. Noong 1907 ay nakibahagi siya sa Russian Historical Concerts na inorganisa ni S. Diaghilev sa Paris, noong 1909 ay gumanap siya sa unang pagkakataon sa Amerika, kung saan tinugtog niya ang kanyang Third Piano Concerto na isinagawa ni G. Mahler. Ang masinsinang aktibidad ng konsiyerto sa mga lungsod ng Russia at sa ibang bansa ay pinagsama sa hindi gaanong matinding pagkamalikhain, at sa musika ng dekada na ito (sa cantata "Spring" - 1902, sa preludes op. 23, sa mga finale ng Second Symphony at ang Ikatlong Konsiyerto) mayroong maraming masigasig na sigasig at sigasig. At sa mga komposisyon tulad ng mga romansang "Lilac", "Maganda dito", sa mga preludes sa D major at G major, "ang musika ng mga puwersa ng pag-awit ng kalikasan" ay tumunog na may kamangha-manghang pagtagos.

Ngunit sa parehong mga taon, ang iba pang mga mood ay nararamdaman din. Ang mga malungkot na kaisipan tungkol sa inang bayan at ang hinaharap na kapalaran nito, ang mga pilosopikal na pagmumuni-muni sa buhay at kamatayan ay nagbunga ng mga trahedya na larawan ng Unang Piano Sonata, na inspirasyon ng Goethe's Faust, ang symphonic na tula na "The Island of the Dead" batay sa pagpipinta ng Swiss artist. A. Böcklin (1909), maraming pahina ng Third Concerto, romances op. 26. Ang mga panloob na pagbabago ay naging lalong kapansin-pansin pagkatapos ng 1910. Kung sa Ikatlong Konsiyerto ang trahedya ay kalaunan ay nagtagumpay at ang konsiyerto ay nagtatapos sa isang masayang apotheosis, kung gayon sa mga gawa na sumunod dito ay patuloy itong lumalalim, na nagbibigay-buhay sa mga agresibo, pagalit na mga imahe, madilim, depressed moods. Ang musikal na wika ay nagiging mas kumplikado, ang malawak na melodic na hininga kaya ang katangian ni Rachmaninov ay nawala. Ganito ang vocal-symphonic poem na “The Bells” (sa st. E. Poe, isinalin ni K. Balmont – 1913); romances op. 34 (1912) at op. 38 (1916); Etudes-paintings op. 39 (1917). Gayunpaman, sa oras na ito nilikha ni Rachmaninoff ang mga gawa na puno ng mataas na etikal na kahulugan, na naging personipikasyon ng pangmatagalang espirituwal na kagandahan, ang paghantong ng melody ni Rachmaninov - "Vocalise" at "All-Night Vigil" para sa choir a cappella (1915). "Mula pagkabata, nabighani ako sa mga kahanga-hangang melodies ng Oktoikh. Palagi kong nararamdaman na ang isang espesyal, espesyal na istilo ay kailangan para sa kanilang pagpoproseso ng choral, at, tila sa akin, nakita ko ito sa Vespers. Hindi ko maiwasang magtapat. na ang unang pagtatanghal nito ng Moscow Synodal Choir ay nagbigay sa akin ng isang oras ng pinakamasayang kasiyahan,” paggunita ni Rachmaninov.

Noong Disyembre 24, 1917, umalis si Rachmaninov at ang kanyang pamilya sa Russia, tulad ng nangyari, magpakailanman. Para sa higit sa isang-kapat ng isang siglo siya ay nanirahan sa isang banyagang lupain, sa USA, at ang panahong ito ay halos puno ng nakakapagod na aktibidad ng konsiyerto, na napapailalim sa malupit na mga batas ng negosyo ng musika. Ginamit ni Rachmaninov ang isang makabuluhang bahagi ng kanyang mga bayarin upang magbigay ng materyal na suporta sa kanyang mga kababayan sa ibang bansa at sa Russia. Kaya, ang buong koleksyon para sa pagganap noong Abril 1922 ay inilipat sa pakinabang ng mga nagugutom sa Russia, at noong taglagas ng 1941 Rakhmaninov ay nagpadala ng higit sa apat na libong dolyar sa pondo ng tulong ng Red Army.

Sa ibang bansa, si Rachmaninoff ay nanirahan sa paghihiwalay, na nililimitahan ang kanyang mga kaibigan sa mga imigrante mula sa Russia. Ang isang pagbubukod ay ginawa lamang para sa pamilya ni F. Steinway, ang pinuno ng piano firm, kung saan nagkaroon ng matalik na relasyon si Rachmaninov.

Ang mga unang taon ng kanyang pananatili sa ibang bansa, hindi iniwan ni Rachmaninov ang pag-iisip ng pagkawala ng inspirasyon sa malikhaing. “Pagkaalis ko sa Russia, nawalan ako ng ganang mag-compose. Nang mawala ang aking tinubuang-bayan, nawala ako sa aking sarili." 8 taon lamang pagkatapos umalis sa ibang bansa, bumalik si Rachmaninov sa pagkamalikhain, lumikha ng Ikaapat na Piano Concerto (1926), Tatlong Kanta ng Ruso para sa Koro at Orchestra (1926), Mga Pagkakaiba-iba sa isang Tema ng Corelli para sa piano (1931), Rhapsody sa isang Tema ng Paganini (1934), Third Symphony (1936), "Symphonic Dances" (1940). Ang mga gawang ito ang pinakahuli, pinakamataas na pagtaas ng Rachmaninoff. Ang isang malungkot na pakiramdam ng hindi na mababawi na pagkawala, isang nag-aalab na pananabik para sa Russia ay nagbunga ng isang sining ng napakalaking trahedya na kapangyarihan, na umaabot sa rurok nito sa Symphonic Dances. At sa napakatalino na Third Symphony, isinasama ni Rachmaninoff ang sentral na tema ng kanyang trabaho sa huling pagkakataon - ang imahe ng Inang-bayan. Ang mahigpit na puro matinding pag-iisip ng artist ay nagbubunga sa kanya mula sa kalaliman ng mga siglo, siya ay bumangon bilang isang walang katapusang mahal na alaala. Sa isang kumplikadong interweaving ng magkakaibang mga tema, mga yugto, isang malawak na pananaw ang lumilitaw, isang dramatikong epiko ng kapalaran ng Fatherland ay muling nilikha, na nagtatapos sa isang matagumpay na pagpapatibay sa buhay. Kaya't sa lahat ng mga gawa ni Rachmaninoff ay dinadala niya ang hindi masusugatan ng kanyang mga prinsipyong etikal, mataas na ispiritwalidad, katapatan at hindi maiiwasang pagmamahal sa Inang Bayan, ang personipikasyon kung saan ang kanyang sining.

O. Averyanova

• Museo-estate ng Rachmaninov sa Ivanovka →
• Piano works ni Rachmaninoff →
• Symphonic na gawa ng Rachmaninoff →
• Rachmaninov's chamber-instrumental art →
• Ang Opera ay gawa ni Rachmaninoff →
• Choral works ni Rachmaninoff →
• Mga Romansa ni Rachmaninoff →
• Rachmaninov-konduktor →

Mga katangian ng pagkamalikhain

Si Sergei Vasilyevich Rachmaninoff, kasama si Scriabin, ay isa sa mga pangunahing tauhan sa musikang Ruso noong 1900s. Ang gawain ng dalawang kompositor na ito ay nakakaakit lalo na ng malapit na pansin ng mga kontemporaryo, mainit na pinagtatalunan nila ito, nagsimula ang matalim na nakalimbag na mga talakayan sa paligid ng kanilang mga indibidwal na gawa. Sa kabila ng lahat ng pagkakaiba-iba ng indibidwal na hitsura at makasagisag na istraktura ng musika nina Rachmaninov at Scriabin, ang kanilang mga pangalan ay madalas na magkatabi sa mga pagtatalo na ito at inihambing sa bawat isa. Mayroong mga panlabas na dahilan para sa gayong paghahambing: pareho ay mga mag-aaral ng Moscow Conservatory, na nagtapos mula dito halos sabay-sabay at nag-aral kasama ang parehong mga guro, kapwa agad na tumayo sa kanilang mga kapantay sa pamamagitan ng lakas at ningning ng kanilang talento, na tumatanggap ng pagkilala hindi. bilang mga mahuhusay na kompositor lamang, ngunit bilang mga natitirang pianista.

Ngunit mayroon ding maraming mga bagay na naghihiwalay sa kanila at kung minsan ay naglalagay sa kanila sa iba't ibang bahagi ng buhay musikal. Ang matapang na innovator na si Scriabin, na nagbukas ng mga bagong mundo ng musika, ay tutol kay Rachmaninov bilang isang mas tradisyonal na pag-iisip na artist na ibinatay ang kanyang trabaho sa matibay na pundasyon ng pambansang klasikal na pamana. “G. Si Rachmaninoff, na isinulat ng isa sa mga kritiko, ay ang haligi sa paligid kung saan ang lahat ng mga kampeon ng totoong direksyon ay pinagsama-sama, lahat ng mga nagmamahal sa mga pundasyong inilatag ni Mussorgsky, Borodin, Rimsky-Korsakov at Tchaikovsky.

Gayunpaman, para sa lahat ng pagkakaiba sa mga posisyon nina Rachmaninov at Scriabin sa kanilang kontemporaryong musikal na katotohanan, sila ay pinagsama hindi lamang ng mga pangkalahatang kondisyon para sa pagpapalaki at paglaki ng isang malikhaing personalidad sa kanilang kabataan, kundi pati na rin ng ilang mas malalim na katangian ng pagkakatulad. . "Isang mapanghimagsik, hindi mapakali na talento" - ito ay kung paano nakilala si Rakhmaninov sa press. Ito ay ang hindi mapakali na impulsiveness, ang kaguluhan ng emosyonal na tono, na katangian ng gawa ng parehong mga kompositor, na ginawa itong lalo na mahal at malapit sa malawak na mga bilog ng lipunan ng Russia sa simula ng ika-XNUMX na siglo, kasama ang kanilang nababalisa na mga inaasahan, adhikain at pag-asa. .

"Scriabin at Rachmaninoff ay ang dalawang 'tagapamahala ng musikal na kaisipan' ng modernong Russian musikal na mundo <...> Ngayon sila ay nagbabahagi ng hegemony sa kanilang mga sarili sa musikal na mundo," pag-amin LL Sabaneev, isa sa mga pinaka-masigasig na apologist para sa una at isang kapantay na matigas ang ulo na kalaban at detractor ng pangalawa. Ang isa pang kritiko, mas katamtaman sa kanyang mga paghuhusga, ay nagsulat sa isang artikulo na nakatuon sa isang paghahambing na paglalarawan ng tatlong pinaka-kilalang kinatawan ng Moscow musical school, Taneyev, Rachmaninov at Scriabin: ang tono ng moderno, feverishly matinding buhay. Parehong ang pinakamahusay na pag-asa ng modernong Russia.

Sa loob ng mahabang panahon, nangingibabaw ang pananaw kay Rachmaninoff bilang isa sa pinakamalapit na tagapagmana at kahalili ni Tchaikovsky. Ang impluwensya ng may-akda ng The Queen of Spades ay walang alinlangan na may mahalagang papel sa pagbuo at pag-unlad ng kanyang trabaho, na medyo natural para sa isang nagtapos ng Moscow Conservatory, isang mag-aaral ng AS Arensky at SI Taneyev. Kasabay nito, nakita rin niya ang ilan sa mga tampok ng "Petersburg" na paaralan ng mga kompositor: ang nasasabik na liriko ng Tchaikovsky ay pinagsama sa Rachmaninov kasama ang malupit na epikong kadakilaan ng Borodin, ang malalim na pagtagos ni Mussorgsky sa sistema ng sinaunang pag-iisip ng musikal ng Russia at ang mala-tula na pang-unawa sa katutubong kalikasan ni Rimsky-Korsakov. Gayunpaman, ang lahat ng natutunan mula sa mga guro at mga nauna ay malalim na inisip ng kompositor, pagsunod sa kanyang malakas na malikhaing kalooban, at pagkuha ng isang bago, ganap na independiyenteng indibidwal na karakter. Ang malalim na orihinal na istilo ng Rachmaninov ay may mahusay na panloob na integridad at organiko.

Kung hahanapin natin ang mga pagkakatulad sa kanya sa artistikong kultura ng Russia sa pagliko ng siglo, kung gayon ito, una sa lahat, ang linya ng Chekhov-Bunin sa panitikan, ang mga liriko na tanawin ng Levitan, Nesterov, Ostroukhov sa pagpipinta. Ang mga parallel na ito ay paulit-ulit na binanggit ng iba't ibang mga may-akda at naging halos stereotyped. Ito ay kilala sa kung anong masigasig na pagmamahal at paggalang na tinatrato ni Rakhmaninov ang gawain at personalidad ni Chekhov. Nasa mga huling taon na ng kanyang buhay, sa pagbabasa ng mga liham ng manunulat, pinagsisihan niya na hindi niya ito nakilala nang mas malapit sa kanyang panahon. Ang kompositor ay nauugnay sa Bunin sa loob ng maraming taon sa pamamagitan ng kapwa pakikiramay at karaniwang artistikong pananaw. Sila ay pinagsama-sama at nauugnay sa pamamagitan ng isang marubdob na pag-ibig para sa kanilang katutubong Ruso, para sa mga palatandaan ng isang simpleng buhay na umaalis na sa agarang paligid ng isang tao sa mundo sa kanyang paligid, ang mala-tula na saloobin ng mundo, na may kulay ng malalim. tumatagos na liriko, ang pagkauhaw sa espirituwal na pagpapalaya at pagpapalaya mula sa mga tanikala na pumipigil sa kalayaan ng tao.

Ang pinagmulan ng inspirasyon para kay Rachmaninov ay isang iba't ibang mga impulses na nagmumula sa totoong buhay, ang kagandahan ng kalikasan, mga larawan ng panitikan at pagpipinta. “… Nalaman ko,” sabi niya, “na ang mga ideya sa musika ay ipinanganak sa akin nang mas madali sa ilalim ng impluwensya ng ilang mga extra-musical na impresyon.” Ngunit sa parehong oras, si Rachmaninov ay hindi nagsusumikap para sa isang direktang pagmuni-muni ng ilang mga phenomena ng katotohanan sa pamamagitan ng musika, para sa "pagpinta sa mga tunog", ngunit para sa pagpapahayag ng kanyang emosyonal na reaksyon, damdamin at karanasan na nagmula sa ilalim ng impluwensya ng iba't ibang panlabas na natanggap na mga impression. Sa ganitong diwa, maaari nating pag-usapan ang tungkol sa kanya bilang isa sa mga pinaka-kapansin-pansin at tipikal na mga kinatawan ng poetic realism ng 900s, ang pangunahing kalakaran kung saan matagumpay na nabuo ni VG Korolenko: "Hindi lamang namin sinasalamin ang mga phenomena bilang sila at ginagawa. hindi lumikha ng isang ilusyon sa labas ng kapritso non-umiiral na mundo. Lumilikha tayo o nagpapakita ng bagong kaugnayan ng espiritu ng tao sa nakapaligid na mundo na ipinanganak sa atin.

Ang isa sa mga pinaka-katangian na tampok ng musika ni Rachmaninov, na nakakaakit ng pansin una sa lahat kapag nakikilala ito, ay ang pinaka-nagpapahayag na melody. Sa kanyang mga kontemporaryo, namumukod-tangi siya para sa kanyang kakayahang lumikha ng malawak at mahabang paglalahad ng mga himig ng mahusay na paghinga, na pinagsasama ang kagandahan at kaplastikan ng pagguhit na may maliwanag at matinding pagpapahayag. Ang melodiousness, melodiousness ay ang pangunahing kalidad ng estilo ni Rachmaninov, na higit na tinutukoy ang likas na katangian ng harmonic na pag-iisip ng kompositor at ang texture ng kanyang mga gawa, puspos, bilang panuntunan, na may mga independiyenteng tinig, alinman sa paglipat sa unahan, o nawawala sa isang siksik na siksik. tunog tela.

Si Rachmaninoff ay lumikha ng kanyang sariling napaka-espesyal na uri ng melody, batay sa isang kumbinasyon ng mga pamamaraan ng katangian ni Tchaikovsky - intensive dynamic melodic development na may paraan ng mga variant transformation, na isinasagawa nang mas maayos at mahinahon. Pagkatapos ng isang mabilis na pag-alis o isang mahabang matinding pag-akyat sa tuktok, ang himig, kumbaga, ay nagyeyelo sa nakamit na antas, na palaging bumabalik sa isang mahabang-sung na tunog, o dahan-dahan, na may tumataas na mga ungos, ay bumalik sa orihinal nitong taas. Posible rin ang baligtad na relasyon, kapag ang isang mas o mas kaunting mahabang pananatili sa isang limitadong high-altitude zone ay biglang nasira ng takbo ng melody para sa isang malawak na agwat, na nagpapakilala ng isang lilim ng matalas na liriko na pagpapahayag.

Sa gayong interpenetration ng dynamics at statics, nakikita ni LA Mazel ang isa sa mga pinaka-katangiang katangian ng melody ni Rachmaninov. Ang isa pang mananaliksik ay nag-attach ng isang mas pangkalahatang kahulugan sa ratio ng mga prinsipyong ito sa gawain ni Rachmaninov, na tumuturo sa paghahalili ng mga sandali ng "pagpepreno" at "pambihirang tagumpay" na pinagbabatayan ng marami sa kanyang mga gawa. (Si VP Bobrovsky ay nagpahayag ng katulad na ideya, na binanggit na "ang himala ng sariling katangian ni Rachmaninoff ay nakasalalay sa natatanging organikong pagkakaisa ng dalawang magkasalungat na direksyon at ang kanilang synthesis na likas lamang sa kanya" - isang aktibong mithiin at isang ugali na "matagal na manatili sa kung ano ang naging nakamit.”). Isang pagkahilig para sa contemplative lyricism, matagal na paglulubog sa ilang isang estado ng pag-iisip, na parang gusto ng kompositor na ihinto ang panandaliang oras, pinagsama niya ang isang napakalaking, nagmamadaling panlabas na enerhiya, isang uhaw para sa aktibong pagpapatibay sa sarili. Kaya naman ang lakas at talas ng mga contrast sa kanyang musika. Sinikap niyang dalhin ang bawat pakiramdam, bawat estado ng pag-iisip sa matinding antas ng pagpapahayag.

Sa malayang paglalahad ng mga liriko na melodies ni Rachmaninov, sa kanilang mahaba, walang patid na paghinga, ang isa ay madalas na nakakarinig ng isang bagay na katulad ng "hindi matatakasan" na lawak ng Russian lingering folk song. Sa parehong oras, gayunpaman, ang koneksyon sa pagitan ng pagkamalikhain ni Rachmaninov at folk songwriting ay isang napaka-hindi direktang kalikasan. Sa mga bihirang, nakahiwalay na mga kaso, ginamit ng kompositor ang paggamit ng mga tunay na awiting bayan; hindi siya nagsusumikap para sa isang direktang pagkakatulad ng kanyang sariling mga melodies sa mga katutubong. "Sa Rachmaninov," ang may-akda ng isang espesyal na gawain sa kanyang melodics nang tama, "bihirang direktang lumilitaw ang isang koneksyon sa ilang mga genre ng katutubong sining. Sa partikular, ang genre ay madalas na tila nalulusaw sa pangkalahatang "pakiramdam" ng mga tao at hindi, tulad ng mga nauna sa kanya, ang pagsemento sa simula ng buong proseso ng paghubog at pagiging isang musikal na imahe. Sa paulit-ulit na atensyon ay naakit sa mga katangiang katangian ng melody ni Rachmaninov, na naglalapit dito sa katutubong awit ng Russia, tulad ng kinis ng paggalaw na may nangingibabaw na mga hakbang na hakbang, diatonicism, isang kasaganaan ng Phrygian turns, atbp. Deeply and organically assimilated sa pamamagitan ng kompositor, ang mga tampok na ito ay naging isang hindi maiaalis na pag-aari ng istilo ng kanyang indibidwal na may-akda, na nakakakuha ng isang espesyal na nagpapahayag na pangkulay na kakaiba lamang sa kanya.

Ang kabilang panig ng istilong ito, bilang hindi mapaglabanan na kahanga-hanga tulad ng melodic na kayamanan ng musika ni Rachmaninov, ay isang di-pangkaraniwang masigla, imperiously conquering at sa parehong oras nababaluktot, minsan kakaiba ritmo. Parehong marami ang isinulat ng mga kontemporaryo ng kompositor at mga mananaliksik sa ibang pagkakataon tungkol dito partikular sa ritmo ng Rachmaninoff, na hindi sinasadyang umaakit sa atensyon ng nakikinig. Kadalasan ito ay ang ritmo na tumutukoy sa pangunahing tono ng musika. Nabanggit ni AV Ossovsky noong 1904 tungkol sa huling paggalaw ng Second Suite for Two Pianos na si Rachmaninov sa loob nito ay "hindi natatakot na palalimin ang ritmikong interes ng Tarantella form sa isang hindi mapakali at madilim na kaluluwa, hindi alien sa mga pag-atake ng ilang uri ng demonismo sa beses.”

Ang ritmo ay lumilitaw sa Rachmaninov bilang isang carrier ng isang epektibong volitional na prinsipyo na nagpapasigla sa musikal na tela at nagpapakilala ng isang liriko na "baha ng damdamin" sa mainstream ng isang maayos na architectonically kumpletong kabuuan. Si BV Asafiev, na inihambing ang papel ng ritmikong prinsipyo sa mga gawa nina Rachmaninov at Tchaikovsky, ay sumulat: "Gayunpaman, sa huli, ang pangunahing katangian ng kanyang" hindi mapakali "symphony ay nagpakita ng sarili nitong may partikular na puwersa sa dramatikong banggaan ng mga tema mismo. Sa musika ni Rachmaninov, ang napaka-madamdamin sa malikhaing integridad nito, ang unyon ng lyric-contemplative warehouse ng pakiramdam kasama ang matibay na bodega ng organisasyon ng "I" ng kompositor-performer ay lumalabas na ang "indibidwal na globo" ng personal na pagmumuni-muni, na kinokontrol ng ritmo sa kahulugan ng volitional factor … “. Ang rhythmic pattern sa Rachmaninov ay palaging napakalinaw na nakabalangkas, hindi alintana kung ang ritmo ay simple, kahit na, tulad ng mabigat, nasusukat na mga beats ng isang malaking kampana, o kumplikado, masalimuot na mabulaklak. Paborito ng kompositor, lalo na sa mga gawa noong 1910s, ang ritmikong ostinato ay nagbibigay ng ritmo hindi lamang formative, ngunit sa ilang mga kaso ay may pampakay na kahalagahan.

Sa larangan ng pagkakaisa, si Rachmaninoff ay hindi lumampas sa klasikal na major-minor na sistema sa anyo na nakuha nito sa gawain ng mga European romantikong kompositor, Tchaikovsky at mga kinatawan ng Mighty Handful. Ang kanyang musika ay palaging tinukoy sa tono at matatag, ngunit sa paggamit ng mga paraan ng klasikal-romantikong tonal na pagkakatugma, siya ay nailalarawan sa pamamagitan ng ilang mga tampok na katangian kung saan hindi mahirap itatag ang pagiging may-akda ng isa o ibang komposisyon. Kabilang sa mga espesyal na indibidwal na katangian ng maharmonya na wika ni Rachmaninov ay, halimbawa, ang kilalang kabagalan ng functional na paggalaw, ang pagkahilig na manatili sa isang susi nang mahabang panahon, at kung minsan ang pagpapahina ng grabidad. Nabibigyang-pansin ang kasaganaan ng mga kumplikadong multi-tert formations, mga hilera ng non- at undecimal chords, kadalasang may mas makulay, phonic kaysa sa functional significance. Ang koneksyon ng ganitong uri ng mga kumplikadong harmonies ay isinasagawa halos sa tulong ng melodic na koneksyon. Ang pangingibabaw ng elemento ng melodic-song sa musika ni Rachmaninov ay tumutukoy sa mataas na antas ng polyphonic saturation ng sound fabric nito: ang mga indibidwal na harmonic complex ay patuloy na bumangon bilang isang resulta ng malayang paggalaw ng higit pa o hindi gaanong independiyenteng "pag-awit" na mga boses.

Mayroong isang paboritong harmonic turn ni Rachmaninoff, na madalas niyang ginagamit, lalo na sa mga komposisyon ng unang bahagi ng panahon, na natanggap pa niya ang pangalang "Rachmaninov's harmony". Ang turnover na ito ay batay sa isang pinababang panimulang ikapitong chord ng isang harmonic minor, kadalasang ginagamit sa anyo ng isang terzkvartakkord na may kapalit ng II degree III at resolution sa isang tonic triad sa melodic third position.

Ang paglipat sa isang pinababang quart na lumitaw sa kasong ito sa melodic na boses ay nagbubunga ng isang maasim na damdaming nagdadalamhati.

Bilang isa sa mga kahanga-hangang tampok ng musika ni Rachmaninov, napansin ng isang bilang ng mga mananaliksik at tagamasid ang nangingibabaw na menor de edad na pangkulay nito. Lahat ng apat sa kanyang piano concerto, tatlong symphony, parehong piano sonata, karamihan sa mga etudes-picture at marami pang ibang komposisyon ay isinulat sa minor. Kahit na ang major ay madalas na nakakakuha ng menor de edad na kulay dahil sa pagbaba ng mga pagbabago, mga paglihis ng tonal at ang malawakang paggamit ng mga minor side steps. Ngunit kakaunti ang mga kompositor na nakamit ang gayong iba't ibang mga nuances at antas ng nagpapahayag na konsentrasyon sa paggamit ng menor de edad na susi. Ang pahayag ni LE Gakkel na sa etudes-paintings op. 39 “ibinigay ang pinakamalawak na hanay ng maliliit na kulay ng pagkatao, maliliit na lilim ng pakiramdam ng buhay” ay maaaring palawigin sa isang makabuluhang bahagi ng lahat ng gawain ni Rachmaninoff. Tinawag siya ng mga kritiko na tulad ni Sabaneev, na nagtataglay ng mapang-akit na poot kay Rachmaninov, na "isang matalinong whiner," na ang musika ay sumasalamin sa "kalunos-lunos na kawalan ng kakayahan ng isang taong walang lakas." Samantala, ang siksik na "madilim" na menor de edad ni Rachmaninov ay madalas na tunog ng matapang, nagpoprotesta at puno ng napakalaking tensyon. At kung ang mga malungkot na tala ay nakuha ng tainga, kung gayon ito ang "marangal na kalungkutan" ng patriot artist, na "muffled groan tungkol sa katutubong lupain", na narinig ni M. Gorky sa ilan sa mga gawa ni Bunin. Tulad ng manunulat na ito na malapit sa kanya sa espiritu, si Rachmaninov, sa mga salita ni Gorky, "naisip ang Russia sa kabuuan", ikinalulungkot ang kanyang mga pagkalugi at nakakaranas ng pagkabalisa para sa kapalaran ng hinaharap.

Ang malikhaing imahe ni Rachmaninov sa mga pangunahing tampok nito ay nanatiling mahalaga at matatag sa buong kalahating siglong paglalakbay ng kompositor, nang hindi nakararanas ng matalim na mga bali at pagbabago. Aesthetic at stylistic na mga prinsipyo, natutunan sa kanyang kabataan, siya ay tapat sa mga huling taon ng kanyang buhay. Gayunpaman, maaari nating obserbahan ang isang tiyak na ebolusyon sa kanyang trabaho, na nagpapakita ng sarili hindi lamang sa paglaki ng kasanayan, pagpapayaman ng sound palette, ngunit bahagyang nakakaapekto sa makasagisag at nagpapahayag na istraktura ng musika. Sa landas na ito, tatlong malaki, bagama't hindi pantay pareho sa tagal at sa mga tuntunin ng kanilang antas ng pagiging produktibo, ang mga panahon ay malinaw na nakabalangkas. Ang mga ito ay nalilimitahan mula sa isa't isa ng higit pa o hindi gaanong mahahabang pansamantalang mga caesuras, mga banda ng pagdududa, pagmumuni-muni at pag-aalinlangan, nang wala ni isang natapos na gawain ang lumabas mula sa panulat ng kompositor. Ang unang panahon, na bumagsak sa 90s ng ika-XNUMX na siglo, ay matatawag na panahon ng malikhaing pag-unlad at pagkahinog ng talento, na nagpunta upang igiit ang landas nito sa pamamagitan ng pagtagumpayan ng mga likas na impluwensya sa murang edad. Ang mga gawa sa panahong ito ay madalas na hindi pa sapat na independyente, hindi perpekto sa anyo at pagkakayari. (Ang ilan sa kanila (First Piano Concerto, Elegiac Trio, piano pieces: Melody, Serenade, Humoresque) ay binago ng kompositor at ang kanilang texture ay pinayaman at binuo.), bagaman sa ilang mga pahina (ang pinakamagagandang sandali ng opera ng kabataan na "Aleko", ang Elegiac Trio sa memorya ni PI Tchaikovsky, ang sikat na prelude sa C-sharp minor, ang ilan sa mga musikal na sandali at romansa), ang indibidwalidad ng kompositor. ay naihayag na nang may sapat na katiyakan.

Ang isang hindi inaasahang pag-pause ay dumating noong 1897, pagkatapos ng hindi matagumpay na pagganap ng Rachmaninov's First Symphony, isang gawa kung saan ang kompositor ay namuhunan ng maraming trabaho at espirituwal na enerhiya, na hindi naiintindihan ng karamihan sa mga musikero at halos nagkakaisang hinatulan sa mga pahina ng press, kahit na kinutya. ng ilan sa mga kritiko. Ang pagkabigo ng symphony ay nagdulot ng malalim na trauma sa pag-iisip sa Rachmaninoff; ayon sa kanyang sariling pag-amin, sa kalaunan, siya ay "parang isang lalaking na-stroke at sa mahabang panahon ay nawala ang kanyang ulo at mga kamay." Ang susunod na tatlong taon ay mga taon ng halos kumpletong malikhaing katahimikan, ngunit sa parehong oras ay puro pagmumuni-muni, isang kritikal na muling pagtatasa ng lahat ng naunang ginawa. Ang resulta ng matinding panloob na gawain ng kompositor sa kanyang sarili ay isang hindi pangkaraniwang matinding at maliwanag na pag-akyat ng malikhaing sa simula ng bagong siglo.

Sa unang tatlo o apat na taon ng ika-23 siglo, si Rakhmaninov ay lumikha ng isang bilang ng mga gawa ng iba't ibang mga genre, na kapansin-pansin para sa kanilang malalim na tula, pagiging bago at pagiging madali ng inspirasyon, kung saan ang kayamanan ng malikhaing imahinasyon at ang pagka-orihinal ng "sulat-kamay" ng may-akda. ay pinagsama sa mataas na tapos na craftsmanship. Kabilang sa mga ito ay ang Second Piano Concerto, ang Second Suite para sa dalawang piano, ang sonata para sa cello at piano, ang cantata "Spring", Ten Preludes op. XNUMX, ang opera na "Francesca da Rimini", ilan sa mga pinakamahusay na halimbawa ng vocal lyrics ni Rachmaninov ("Lilac", "Sipi mula sa A. Musset"), Ang serye ng mga gawa na ito ay nagtatag ng posisyon ni Rachmaninoff bilang isa sa pinakamalaki at pinaka-kagiliw-giliw na kompositor ng Russia. ng ating panahon, na nagdadala sa kanya ng malawak na pagkilala sa mga bilog ng artistikong intelihente at sa gitna ng masa ng mga tagapakinig.

Ang isang medyo maikling yugto ng panahon mula 1901 hanggang 1917 ay ang pinaka-mabunga sa kanyang trabaho: sa loob ng dekada at kalahating ito, karamihan sa mga mature, independyente sa istilo ng mga gawa ni Rachmaninov ay isinulat, na naging isang mahalagang bahagi ng pambansang musikal na klasiko. Halos bawat taon ay nagdala ng mga bagong opus, ang hitsura nito ay naging isang kilalang kaganapan sa buhay musikal. Sa walang tigil na malikhaing aktibidad ni Rachmaninoff, ang kanyang trabaho ay hindi nanatiling hindi nagbabago sa panahong ito: sa pagliko ng unang dalawang dekada, ang mga sintomas ng isang pagbabago sa paggawa ng serbesa ay kapansin-pansin dito. Nang hindi nawawala ang mga pangkalahatang "generic" na katangian nito, nagiging mas matindi ang tono nito, tumitindi ang nakakagambalang mood, habang ang direktang pagbuhos ng liriko na pakiramdam ay tila bumagal, ang mga light transparent na kulay ay mas madalas na lumilitaw sa sound palette ng kompositor, ang pangkalahatang kulay ng musika. nagpapadilim at nagpapakapal. Ang mga pagbabagong ito ay kapansin-pansin sa ikalawang serye ng piano preludes, op. 32, dalawang cycle ng etudes-paintings, at lalo na ang mga monumental na malalaking komposisyon tulad ng "The Bells" at "All-Night Vigil", na naglalagay ng malalim, pangunahing mga katanungan tungkol sa pagkakaroon ng tao at ang layunin ng buhay ng isang tao.

Ang ebolusyon na naranasan ni Rachmaninov ay hindi nakaligtas sa atensyon ng kanyang mga kontemporaryo. Ang isa sa mga kritiko ay sumulat tungkol sa The Bells: "Si Rakhmaninov ay tila nagsimulang maghanap ng mga bagong mood, isang bagong paraan ng pagpapahayag ng kanyang mga saloobin ... Naramdaman mo dito ang muling pagsilang na bagong istilo ng Rachmaninov, na walang pagkakatulad sa istilo ni Tchaikovsky. ”

Pagkatapos ng 1917, nagsisimula ang isang bagong pahinga sa gawain ni Rachmaninov, sa oras na ito ay mas mahaba kaysa sa nauna. Pagkatapos lamang ng isang buong dekada ay bumalik ang kompositor sa pag-compose ng musika, na nag-ayos ng tatlong Russian folk songs para sa choir at orchestra at nakumpleto ang Fourth Piano Concerto, na nagsimula sa bisperas ng Unang Digmaang Pandaigdig. Sa panahon ng 30s sumulat siya (maliban sa ilang mga transkripsyon ng konsiyerto para sa piano) apat lamang, gayunpaman, makabuluhan sa mga tuntunin ng ideya ng mga pangunahing gawa.

* * *

Sa isang kapaligiran ng kumplikado, madalas na magkasalungat na paghahanap, isang matalim, matinding pakikibaka ng mga direksyon, isang pagkasira ng karaniwang mga anyo ng artistikong kamalayan na nailalarawan sa pag-unlad ng sining ng musika sa unang kalahati ng ika-XNUMX na siglo, si Rachmaninoff ay nanatiling tapat sa mahusay na klasiko. mga tradisyon ng musikang Ruso mula Glinka hanggang Borodin, Mussorgsky, Tchaikovsky, Rimsky-Korsakov at ang kanilang pinakamalapit, direktang mga mag-aaral at tagasunod ng Taneyev, Glazunov. Ngunit hindi niya nililimitahan ang kanyang sarili sa papel ng tagapag-alaga ng mga tradisyong ito, ngunit aktibo, malikhaing napagtanto ang mga ito, iginiit ang kanilang buhay, hindi mauubos na kapangyarihan, ang kakayahan para sa karagdagang pag-unlad at pagpapayaman. Ang isang sensitibo, nakakaakit na artista, si Rachmaninov, sa kabila ng kanyang pagsunod sa mga utos ng mga klasiko, ay hindi nanatiling bingi sa mga tawag ng modernidad. Sa kanyang saloobin sa mga bagong istilong uso ng ika-XNUMX siglo, nagkaroon ng sandali hindi lamang ng paghaharap, kundi pati na rin ng isang tiyak na pakikipag-ugnayan.

Sa loob ng kalahating siglo, ang gawain ni Rachmaninov ay sumailalim sa isang makabuluhang ebolusyon, at ang mga gawa ng hindi lamang noong 1930s, kundi pati na rin ang 1910s ay naiiba nang malaki kapwa sa kanilang makasagisag na istraktura at sa wika, mga paraan ng pagpapahayag ng musika mula sa simula, hindi pa. ganap na independiyenteng mga opus ng pagtatapos ng nauna. mga siglo. Sa ilan sa kanila, ang kompositor ay nakikipag-ugnay sa impresyonismo, simbolismo, neoclassicism, bagaman sa isang malalim na kakaibang paraan, isa-isa niyang nakikita ang mga elemento ng mga uso na ito. Sa lahat ng mga pagbabago at pagliko, ang malikhaing imahe ni Rachmaninov ay nanatiling panloob na napakahalaga, pinapanatili ang mga pangunahing, pagtukoy ng mga tampok na ang kanyang musika ay may utang sa katanyagan nito sa pinakamalawak na hanay ng mga tagapakinig: madamdamin, mapang-akit na liriko, katotohanan at katapatan ng pagpapahayag, makatang pananaw sa mundo .

Yu. Halika na

Konduktor ng Rachmaninoff

Si Rachmaninov ay bumagsak sa kasaysayan hindi lamang bilang isang kompositor at pianista, kundi pati na rin bilang isang natitirang konduktor sa ating panahon, kahit na ang bahaging ito ng kanyang aktibidad ay hindi masyadong mahaba at matindi.

Ginawa ni Rachmaninov ang kanyang debut bilang isang conductor noong taglagas ng 1897 sa Mamontov Private Opera sa Moscow. Bago iyon, hindi niya kailangang manguna sa isang orkestra at mag-aral ng pagsasagawa, ngunit ang napakatalino na talento ng musikero ay tumulong kay Rachmaninoff na mabilis na matutunan ang mga lihim ng karunungan. Sapat na sa alaala na halos hindi niya nakumpleto ang unang pag-eensayo: hindi niya alam na kailangang ipahiwatig ng mga mang-aawit ang mga pagpapakilala; at pagkaraan ng ilang araw, nagawa na ni Rachmaninov ang kanyang trabaho nang perpekto, ang pagsasagawa ng opera ni Saint-Saens na sina Samson at Delilah.

"Ang taon ng aking pananatili sa Mamontov opera ay napakahalaga sa akin," isinulat niya. "Doon ay nakakuha ako ng isang tunay na pamamaraan ng konduktor, na nang maglaon ay nagsilbi sa akin nang labis." Sa panahon ng trabaho bilang pangalawang konduktor ng teatro, si Rachmaninov ay nagsagawa ng dalawampu't limang pagtatanghal ng siyam na opera: "Samson at Delilah", "Mermaid", "Carmen", "Orpheus" ni Gluck, "Rogneda" ni Serov, " Mignon” ni Tom, “Askold's Grave”, “The Enemy strength”, “May night”. Agad na napansin ng press ang kalinawan ng istilo ng kanyang konduktor, pagiging natural, kawalan ng postura, isang bakal na pakiramdam ng ritmo na ipinadala sa mga performer, pinong lasa at isang kahanga-hangang pakiramdam ng mga kulay ng orkestra. Sa pagkakaroon ng karanasan, ang mga tampok na ito ni Rachmaninoff bilang isang musikero ay nagsimulang magpakita ng kanilang sarili nang lubos, na kinumpleto ng kumpiyansa at awtoridad sa pakikipagtulungan sa mga soloista, koro at orkestra.

Sa susunod na ilang taon, si Rachmaninoff, na abala sa komposisyon at pianistic na aktibidad, ay isinasagawa lamang paminsan-minsan. Ang kasagsagan ng kanyang talento sa pagsasagawa ay bumagsak sa panahon ng 1904-1915. Sa loob ng dalawang panahon siya ay nagtatrabaho sa Bolshoi Theatre, kung saan ang kanyang interpretasyon ng mga Russian opera ay nagtatamasa ng partikular na tagumpay. Ang mga makasaysayang kaganapan sa buhay ng teatro ay tinawag ng mga kritiko ng pagganap ng anibersaryo ni Ivan Susanin, na isinagawa niya bilang parangal sa sentenaryo ng kapanganakan ni Glinka, at Tchaikovsky's Week, kung saan isinagawa ni Rachmaninov ang The Queen of Spades, Eugene Onegin, Oprichnik at mga ballet.

Nang maglaon, pinamunuan ni Rachmaninov ang pagganap ng The Queen of Spades sa St. Petersburg; sumang-ayon ang mga tagasuri na siya ang unang nakaintindi at naghatid sa madla ng buong trahedya na kahulugan ng opera. Kabilang sa mga malikhaing tagumpay ni Rachmaninov sa Bolshoi Theater ay ang kanyang produksyon din ng Pan Voevoda ni Rimsky-Korsakov at ang kanyang sariling mga opera na The Miserly Knight at Francesca da Rimini.

Sa entablado ng symphony, pinatunayan ni Rachmaninov mula sa pinakaunang mga konsyerto ang kanyang sarili bilang isang kumpletong master ng isang malaking sukat. Ang epithet na "matalino" ay tiyak na sinamahan ng mga pagsusuri sa kanyang mga pagtatanghal bilang isang konduktor. Kadalasan, si Rachmaninoff ay lumitaw sa stand ng conductor sa mga konsyerto ng Moscow Philharmonic Society, pati na rin sa Siloti at Koussevitzky orchestras. Noong 1907-1913, marami siyang isinagawa sa ibang bansa - sa mga lungsod ng France, Holland, USA, England, Germany.

Ang repertoire ni Rachmaninov bilang isang konduktor ay hindi pangkaraniwang multifaceted sa mga taong iyon. Nagawa niyang tumagos sa pinaka-magkakaibang istilo at katangian ng trabaho. Naturally, ang musikang Ruso ay pinakamalapit sa kanya. Nabuhay siya sa entablado ng Borodin's Bogatyr Symphony, na halos nakalimutan sa oras na iyon, ay nag-ambag sa katanyagan ng mga miniature ni Lyadov, na kanyang ginampanan nang may pambihirang kinang. Ang kanyang interpretasyon ng musika ni Tchaikovsky (lalo na ang ika-4 at ika-5 symphony) ay minarkahan ng hindi pangkaraniwang kahalagahan at lalim; sa mga gawa ni Rimsky-Korsakov, nagawa niyang ihayag ang pinakamaliwanag na gamut ng mga kulay para sa madla, at sa mga symphony ng Borodin at Glazunov, binihag niya ang madla na may malawak na epiko at dramatikong integridad ng interpretasyon.

Ang isa sa mga tugatog ng pagsasagawa ng sining ni Rachmaninov ay ang interpretasyon ng G-minor symphony ni Mozart. Sumulat ang kritikong si Wolfing: “Ano ang ibig sabihin ng maraming nakasulat at nakalimbag na symphony bago ang pagtatanghal ni Rachmaninov ng g-moll symphony ni Mozart! … Binago at ipinakita ng Russian artistic genius sa pangalawang pagkakataon ang artistikong katangian ng may-akda ng symphony na ito. Maaari nating pag-usapan hindi lamang ang tungkol sa Mozart ni Pushkin, kundi pati na rin ang tungkol sa Mozart ni Rachmaninov…”

Kasabay nito, marami kaming nakikitang romantikong musika sa mga programa ni Rachmaninov – halimbawa, ang Fantastic Symphony ni Berlioz, ang mga symphony nina Mendelssohn at Franck, ang Oberon overture ni Weber at mga fragment mula sa mga opera ni Wagner, tula ni Liszt at Grieg's Lyric Suite... At sa tabi nito isang kahanga-hangang pagganap ng mga modernong may-akda - mga symphonic na tula ni R. Strauss, mga gawa ng Impresyonista: Debussy, Ravel, Roger-Ducasse ... At siyempre, si Rachmaninov ay isang hindi maunahang interpreter ng kanyang sariling mga symphonic na komposisyon. Ang kilalang musikologo ng Sobyet na si V. Yakovlev, na nakarinig kay Rachmaninov nang higit sa isang beses, ay naggunita: "Hindi lamang ang publiko at mga kritiko, ang mga may karanasang miyembro ng orkestra, mga propesor, mga artista ay kinilala ang kanyang pamumuno bilang pinakamataas na punto sa sining na ito ... Ang kanyang mga pamamaraan ng trabaho ay hindi gaanong nabawasan sa isang palabas, ngunit sa hiwalay na mga pangungusap, nangangahulugan ng mga paliwanag, madalas na siya ay kumanta o sa isang anyo o iba pang ipinaliwanag kung ano ang dati niyang isinasaalang-alang. Ang bawat isa na naroroon sa kanyang mga konsyerto ay naaalala ang malalawak, katangiang mga kilos ng buong kamay, hindi lamang nagmumula sa brush; kung minsan ang mga kilos niyang ito ay itinuturing na sobra-sobra ng mga miyembro ng orkestra, ngunit pamilyar ang mga ito sa kanya at naiintindihan nila. Walang artificiality sa paggalaw, poses, walang epekto, walang pagguhit ng kamay. Nagkaroon ng walang hanggan na pagnanasa, na nauna sa pag-iisip, pagsusuri, pag-unawa at pananaw sa istilo ng tagapalabas.

Idagdag natin na si Rachmaninoff ang konduktor ay isa ring hindi maunahang ensemble player; Ang mga soloista sa kanyang mga konsyerto ay mga artista tulad ng Taneyev, Scriabin, Siloti, Hoffmann, Casals, at sa mga pagtatanghal ng opera Chaliapin, Nezhdanova, Sobinov ...

Pagkatapos ng 1913, tumanggi si Rachmaninoff na gumanap ng mga gawa ng ibang mga may-akda at nagsagawa lamang ng kanyang sariling mga komposisyon. Noong 1915 lamang siya lumihis mula sa panuntunang ito sa pamamagitan ng pagsasagawa ng isang konsiyerto sa memorya ng Scriabin. Gayunpaman, kahit na sa ibang pagkakataon ang kanyang reputasyon bilang isang konduktor ay hindi pangkaraniwang mataas sa buong mundo. Sapat na sabihin na kaagad pagkatapos na dumating sa Estados Unidos noong 1918, inalok siya ng pamumuno ng pinakamalaking orkestra sa bansa - sa Boston at Cincinnati. Ngunit sa oras na iyon ay hindi na siya makapag-ukol ng oras sa pagsasagawa, pinilit na magsagawa ng matinding aktibidad ng konsiyerto bilang isang pianista.

Noong taglagas lamang ng 1939, nang ang isang siklo ng mga konsyerto mula sa mga gawa ni Rachmaninov ay inayos sa New York, sumang-ayon ang kompositor na magsagawa ng isa sa kanila. Ang Philadelphia Orchestra pagkatapos ay nagtanghal ng Third Symphony and the Bells. Inulit niya ang parehong programa noong 1941 sa Chicago, at pagkaraan ng isang taon, itinuro niya ang pagganap ng "Isle of the Dead" at "Symphonic Dances" sa Egan Arbor. Sumulat ang kritiko na si O. Daune: “Pinatunayan ni Rakhmaninov na siya ay may parehong kakayahan at kontrol sa pagganap, musika at malikhaing kapangyarihan, na nangunguna sa orkestra, na ipinapakita niya kapag tumutugtog ng piano. Ang karakter at istilo ng kanyang paglalaro, pati na rin ang kanyang pagsasagawa, ay tumatak sa kalmado at kumpiyansa. Ito ay ang parehong kumpletong kawalan ng pagpapakitang-tao, ang parehong pakiramdam ng dignidad at halatang pagpigil, ang parehong kahanga-hangang makapangyarihang puwersa. Ang mga pag-record ng The Island of the Dead, Vocalise at ang Third Symphony na ginawa noong panahong iyon ay nagpapanatili para sa amin ng katibayan ng pagsasagawa ng sining ng makikinang na musikero na Ruso.

L. Grigoriev, J. Platek