Boris Yoffe |

Boris Yoffe

Ang gawain ng kompositor, biyolinista, konduktor at guro na si Boris Yoffe ay nararapat, siyempre, espesyal na atensyon ng mga hinahangaan ng akademikong musika, ito ay kabilang sa pinakamahusay na mga halimbawa ng pag-iisip ng modernong kompositor. Ang tagumpay ni Joffe bilang isang kompositor ay maaaring hatulan kung sino ang gumaganap at nagre-record ng kanyang musika. Narito ang isang hindi kumpletong listahan ng mga kilalang performer ng musika ni Yoffe: Hilliard Ensemble, Rosamunde Quartet, Patricia Kopachinskaya, Konstantin Lifshits, Ivan Sokolov, Kolya Lessing, Reto Bieri, Augustine Wiedemann at marami pang iba. Inilabas ni Manfred Aicher sa kanyang ECM label ang CD Song of Songs ni Boris Yoffe na ginanap ng Hilliard Ensemble at ng Rosamunde Quartet. Si Wolfgang Rihm ay paulit-ulit na pinuri ang gawa ni Joffe at nagsulat ng bahagi ng teksto para sa buklet ng disc ng Song of Songs. Noong Hulyo sa taong ito, inilathala ng Wolke publishing house sa German ang isang libro ng mga artikulo at isang sanaysay ni Boris Joffe "Musical Meaning" ("Musikalischer Sinn").

Tila masasabing medyo matagumpay na kompositor si Joffe, maaaring isipin na ang kanyang musika ay madalas na naririnig at kilala ng marami. Tingnan natin ang totoong estado ng mga pangyayari. Marami bang tumutugtog ang musika ni Yoffe sa mga kontemporaryong festival ng musika? Hindi, hindi ito tunog. Bakit, susubukan kong sagutin sa ibaba. Gaano kadalas ito tumutugtog sa radyo? Oo, minsan sa Europa - lalo na ang "Awit ng mga Kanta" - ngunit halos walang mga programang ganap na nakatuon sa gawain ni Boris Yoffe (maliban sa Israel). Marami bang concert? Nangyayari at nagaganap ang mga ito sa iba't ibang bansa – sa Germany, Switzerland, France, Austria, USA, Israel, Russia – salamat sa mga musikero na naka-appreciate ng musika ni Yoffe. Gayunpaman, ang mga musikero mismo ay kailangang kumilos bilang "mga producer".

Ang musika ni Boris Yoffe ay hindi pa masyadong kilala at, marahil, patungo lamang sa katanyagan (ang isa ay dapat umasa at magsabi ng "siguro", dahil maraming mga halimbawa sa kasaysayan kung saan kahit na ang pinakamahusay na oras nito ay hindi pinahahalagahan. ng mga kontemporaryo). Ang mga musikero na masigasig na pinahahalagahan ang musika at personalidad ni Joffe - lalo na ang violinist na si Patricia Kopatchinskaya, pianist na si Konstantin Lifshitz at gitarista na si Augustin Wiedenman - ay inaangkin ang kanyang musika kasama ang kanilang sining sa mga konsyerto at pag-record, ngunit ito ay isang patak lamang sa karagatan ng libu-libong mga konsyerto.

Gusto kong subukang sagutin ang tanong kung bakit ang musika ni Boris Yoffe ay bihirang marinig sa mga kontemporaryong festival ng musika.

Ang problema ay ang gawa ni Yoffe ay hindi akma sa anumang balangkas at direksyon. Narito kinakailangang sabihin kaagad ang tungkol sa pangunahing gawain at malikhaing pagtuklas ni Boris Yoffe - ang kanyang "Book of Quartets". Mula noong kalagitnaan ng 90s, araw-araw siyang nagsusulat mula sa isang quartet piece na akma sa isang sheet ng musika na walang tempo, dynamic o agogic na mga indikasyon. Ang genre ng mga dulang ito ay maaaring tukuyin bilang "tula". Tulad ng isang tula, dapat basahin ang bawat piyesa (sa madaling salita, dapat matukoy ng musikero ang tempo, agogics, at dynamics mula sa musika), at hindi basta-bastang tinutugtog. Wala akong alam sa ganitong uri sa modernong musika (walang kwenta ang aleatoric), ngunit sa sinaunang musika ito ay palaging (sa Bach's Art of Fugue, walang kahit na mga simbolo para sa mga instrumento, hindi banggitin ang tempo at dynamics) . Higit pa rito, mahirap "i-shook" ang musika ni Yoffe sa isang hindi malabo na balangkas ng istilo. Ang ilang mga kritiko ay sumulat tungkol sa mga tradisyon nina Reger at Schoenberg (manunulat sa Ingles at librettist na si Paul Griffiths), na, siyempre, ay tila kakaiba! – naaalala ng iba si Cage at Feldman – ang huli ay lalong kapansin-pansin sa pamumuna ng Amerika (Stephen Smolyar), na nakikita ang isang bagay na malapit at personal sa Yoff. Isinulat ng isa sa mga kritiko ang sumusunod: "Ang musikang ito ay parehong tonal at atonal" - tulad ng hindi pangkaraniwang at hindi karaniwang mga sensasyon ay nararanasan ng mga tagapakinig. Ang musikang ito ay malayo sa "bagong pagiging simple" at "kahirapan" ng Pärt at Silvestrov tulad ng mula sa Lachenman o Fernyhow. Ang parehong napupunta para sa minimalism. Gayunpaman, sa musika ni Joffe makikita ang pagiging simple nito, ang pagiging bago, at maging ang isang uri ng "minimalism". Sa sandaling marinig ang musikang ito, hindi na ito malito sa iba; ito ay natatangi gaya ng personalidad, boses at mukha ng isang tao.

Ano ang wala sa musika ni Boris Yoffe? Walang pulitika, walang “topical problems”, walang dyaryo at panandalian. Walang mga ingay at masaganang triad sa loob nito. Ang ganitong musika ay nagdidikta sa format at pag-iisip nito. Uulitin ko: ang isang musikero na tumutugtog ng musika ni Joffe ay dapat na marunong magbasa ng mga tala, hindi magpatugtog ng mga ito, dahil ang ganitong musika ay nangangailangan ng pakikipagsabwatan. Ngunit ang nakikinig ay dapat ding lumahok. Ito ay lumalabas na tulad ng isang kabalintunaan: tila ang musika ay hindi pinipilit at humihinga sa normal na mga tala, ngunit dapat kang makinig sa musika lalo na maingat at hindi magambala - hindi bababa sa isang minutong quartet. Hindi ganoon kahirap: hindi mo kailangang maging isang malaking dalubhasa, hindi mo kailangang mag-isip tungkol sa isang pamamaraan o isang konsepto. Upang maunawaan at mahalin ang musika ni Boris Yoffe, dapat na makinig nang direkta at sensitibo sa musika at magpatuloy mula dito.

Inihambing ng isang tao ang musika ni Joffe sa tubig, at isa pa sa tinapay, sa kung ano ang una sa lahat na kinakailangan para sa buhay. Ngayon ay napakaraming kalabisan, napakaraming masarap, ngunit bakit nauuhaw ka, bakit parang Saint-Exupery ka sa disyerto? Ang "Book of Quartets", na naglalaman ng libu-libong "tula", ay hindi lamang ang sentro ng gawa ni Boris Yoffe, kundi pati na rin ang pinagmulan ng marami sa kanyang iba pang mga gawa - orchestral, chamber at vocal.

Dalawang opera ang magkahiwalay din: "The Story of the Rabbi and His Son" batay kay Rabbi Nachman sa Yiddish (ang sikat na makata at tagasalin na si Anri Volokhonsky ay lumahok sa pagsulat ng libretto) at "Esther Racine" batay sa orihinal na teksto ng dakilang Pranses mandudula. Parehong opera para sa ensemble ng kamara. Ang "Rabbi", na hindi pa naisagawa (maliban sa pagpapakilala), ay pinagsasama ang moderno at sinaunang mga instrumento - sa iba't ibang mga tuning. Si Esther ay isinulat para sa apat na soloista at isang maliit na baroque ensemble. Ito ay itinanghal sa Basel noong 2006 at dapat na banggitin nang hiwalay.

Ang "Esther Racina" ay isang pagpupugay (paggalang) kay Rameau, ngunit sa parehong oras ang opera ay hindi isang estilo at nakasulat sa sarili nitong makikilalang paraan. Tila walang nangyaring ganito mula noong Oedipus Rex ni Stravinsky, kung saan maihahambing si Esther. Tulad ng opera-oratorio ni Stravinsky, si Esther ay hindi limitado sa isang musikal na panahon – ito ay hindi isang impersonal na pastiche. Sa parehong mga kaso, ang mga may-akda, ang kanilang mga aesthetics at ideya ng musika ay ganap na nakikilala. Gayunpaman, dito nagsisimula ang mga pagkakaiba. Sa pangkalahatan, ang opera ni Stravinsky ay hindi gaanong isinasaalang-alang ang musika ni Stravinsky; kung ano ang mas kawili-wili sa ito ay kung ano ang mula sa kanyang pagkakaisa at ritmo kaysa sa pag-unawa sa genre ng tradisyon ng baroque. Sa halip, si Stravinsky ay gumagamit ng mga cliché, "fossil" ng mga genre at anyo sa paraang maaari silang masira at mabuo mula sa mga fragment na ito (tulad ng ginawa ni Picasso sa pagpipinta). Si Boris Yoffe ay walang sinisira, dahil para sa kanya ang mga genre at anyo ng baroque na musika ay hindi mga fossil, at ang pakikinig sa kanyang musika, maaari din tayong kumbinsido na ang tradisyon ng musika ay buhay. Hindi ba ito nagpapaalala sa iyo ng… ang himala ng muling pagkabuhay ng mga patay? Tanging, tulad ng nakikita mo, ang konsepto (at higit pa sa pakiramdam) ng isang himala ay nasa labas ng saklaw ng buhay ng modernong tao. Ang nakuhang himala sa mga tala ni Horowitz ay natagpuan na ngayon na kahalayan, at ang mga himala ng Chagall ay walang muwang na mga daub. At sa kabila ng lahat: Si Schubert ay nabubuhay sa mga sinulat ni Horowitz, at pinupuno ng liwanag ang St. Stephen's Church sa pamamagitan ng mga stained glass na bintana ng Chagall. Ang espiritu ng Hudyo at musikang Europeo ay umiiral sa kabila ng lahat ng bagay sa sining ni Joffe. Ang "Esther" ay ganap na wala ng anumang mga epekto ng isang panlabas na karakter o "makintab" na kagandahan. Tulad ng taludtod ni Racine, ang musika ay mahigpit at maganda, ngunit sa loob ng kaaya-ayang pagtitipid na ito, ang kalayaan ay ibinibigay sa isang hanay ng mga ekspresyon at karakter. Ang mga kurba ng vocal part ni Esther ay maaari lamang pag-aari ng magandang empress, ang kanyang malambot at kahanga-hangang mga balikat... Tulad ni Mandelstam: “… Ang bawat isa ay umaawit ng mga mapalad na asawang may matarik na balikat…” Kasabay nito, sa mga kurbadang ito ay naririnig natin ang sakit, panginginig, lahat ng kapangyarihan ng kaamuan, pananampalataya at pag-ibig panlilinlang, pagmamataas at poot. Hindi naman siguro sa buhay, pero at least sa sining makikita at maririnig natin. At ito ay hindi isang panlilinlang, hindi isang pagtakas mula sa katotohanan: kaamuan, pananampalataya, pag-ibig - ito ay kung ano ang tao, ang pinakamahusay na nilalaman sa atin, mga tao. Ang sinumang mahilig sa sining ay gustong makita dito ang pinakamahalaga at dalisay, at may sapat na dumi at pahayagan sa mundo. At hindi mahalaga kung ang mahalagang bagay na ito ay tinatawag na kaamuan, o lakas, o maaaring pareho nang sabay-sabay. Si Boris Yoffe, kasama ang kanyang sining, ay direktang ipinahayag ang kanyang ideya ng kagandahan sa monologo ni Esther mula sa ika-3 gawa. Hindi sinasadya na ang materyal at musikal na aesthetics ng monologo ay nagmula sa "Book of Quartets", ang pangunahing gawain ng kompositor, kung saan ginagawa lamang niya ang itinuturing niyang kinakailangan para sa kanyang sarili.

Si Boris Yoffe ay ipinanganak noong Disyembre 21, 1968 sa Leningrad sa isang pamilya ng mga inhinyero. Sinakop ng sining ang isang mahalagang lugar sa buhay ng pamilya Yoffe, at ang maliit na si Boris ay nakasali sa panitikan at musika nang maaga (sa pamamagitan ng mga pag-record). Sa edad na 9, nagsimula siyang tumugtog ng biyolin sa kanyang sarili, nag-aaral sa isang paaralan ng musika, sa edad na 11 ay binubuo niya ang kanyang unang quartet, na tumatagal ng 40 minuto, na ang musika ay nagulat sa mga tagapakinig sa kahulugan nito. Matapos ang ika-8 baitang, pumasok si Boris Yoffe sa paaralan ng musika sa klase ng violin (ped. Zaitsev). Sa parehong oras, isang mahalagang pagpupulong para kay Joffe ang naganap: nagsimula siyang kumuha ng mga pribadong aralin sa teorya mula kay Adam Stratievsky. Dinala ni Stratievsky ang batang musikero sa isang bagong antas ng pag-unawa sa musika at tinuruan siya ng maraming praktikal na bagay. Si Joffe mismo ay handa para sa pulong na ito sa pamamagitan ng kanyang napakalaking musikalidad (isang sensitibong ganap na tainga, memorya, at, higit sa lahat, isang hindi mapawi na pagmamahal sa musika, pag-iisip gamit ang musika).

Pagkatapos ay nagkaroon ng serbisyo sa hukbo ng Sobyet at paglipat sa Israel noong 1990. Sa Tel Aviv, pumasok si Boris Yoffe sa Music Academy. Rubin at ipinagpatuloy ang kanyang pag-aaral kay A. Stratievsky. Noong 1995, isinulat ang mga unang piraso ng Book of Quartets. Ang kanilang aesthetic ay tinukoy sa isang maikling piraso para sa string trio, na isinulat habang nasa hukbo pa rin. Pagkalipas ng ilang taon, naitala ang unang disc na may quartets. Noong 1997, lumipat si Boris Joffe sa Karlsruhe kasama ang kanyang asawa at unang anak na babae. Doon siya nag-aral kay Wolfgang Rihm, dalawang opera ang isinulat doon at apat pang disc ang inilabas. Nakatira at nagtatrabaho si Joffe sa Karlsruhe hanggang ngayon.