Anatoly Ivanovich Orfenov |

Anatoly Orfenov

Ang Russian tenor na si Anatoly Ivanovich Orfenov ay ipinanganak noong 1908 sa pamilya ng isang pari sa nayon ng Sushki, lalawigan ng Ryazan, hindi kalayuan sa bayan ng Kasimov, ang sinaunang ari-arian ng mga prinsipe ng Tatar. Ang pamilya ay may walong anak. Lahat ay kumanta. Ngunit si Anatoly ay nag-iisa, sa kabila ng lahat ng mga paghihirap, na naging isang propesyonal na mang-aawit. “We lived with kerosene lamps,” the singer recalled, “wala kaming entertainment, minsan lang sa isang taon, tuwing Pasko, may mga amateur na pagtatanghal. Mayroon kaming gramophone na sinimulan namin noong mga pista opisyal, at nakinig ako sa mga talaan ni Sobinov, si Sobinov ang paborito kong artista, gusto kong matuto mula sa kanya, gusto kong tularan siya. Naisip kaya ng binata na sa loob lamang ng ilang taon ay mapalad siyang makita si Sobinov, na makakasama niya sa kanyang mga unang bahagi ng opera.

Ang ama ng pamilya ay namatay noong 1920, at sa ilalim ng bagong rehimen, ang mga anak ng isang klerigo ay hindi umaasa sa mas mataas na edukasyon.

Noong 1928, dumating si Orfenov sa Moscow, at sa tulong ng Diyos, nakapasok siya sa dalawang teknikal na paaralan nang sabay-sabay - pedagogical at panggabing musika (ngayon ang Ippolitov-Ivanov Academy). Nag-aral siya ng mga vocal sa klase ng mahuhusay na guro na si Alexander Akimovich Pogorelsky, isang tagasunod ng Italian bel canto school (Pogorelsky ay isang mag-aaral ni Camillo Everardi), at si Anatoly Orfenov ay sapat na sa stock na ito ng propesyonal na kaalaman para sa natitirang bahagi ng kanyang buhay. Ang pagbuo ng batang mang-aawit ay naganap sa panahon ng masinsinang pag-renew ng yugto ng opera, nang ang kilusan ng studio ay naging laganap, na sumasalungat sa semi-opisyal na direksyong pang-akademiko ng mga sinehan ng estado. Gayunpaman, sa mga bituka ng parehong Bolshoi at Mariinsky mayroong isang implicit remelting ng lumang tradisyon. Ang mga makabagong paghahayag ng unang henerasyon ng mga tenor ng Sobyet, na pinamumunuan nina Kozlovsky at Lemeshev, ay radikal na nagbago ng nilalaman ng papel na "lyric tenor", habang sa St. Petersburg, ginawa sa amin ni Pechkovsky na maunawaan ang pariralang "dramatic tenor" sa isang bagong paraan. Si Orfenov, na pumasok sa kanyang malikhaing buhay, mula sa pinakaunang mga hakbang ay pinamamahalaang hindi mawala sa mga naturang pangalan, dahil ang aming bayani ay may isang independiyenteng personal na kumplikado, isang indibidwal na palette ng nagpapahayag na paraan, kaya "isang tao na may di-pangkalahatang pagpapahayag".

Una, noong 1933, pinamamahalaang niyang makapasok sa koro ng Opera Theater-Studio sa ilalim ng direksyon ni KS Stanislavsky (ang studio ay matatagpuan sa bahay ni Stanislavsky sa Leontievsky Lane, kalaunan ay lumipat sa Bolshaya Dmitrovka sa dating lugar ng operetta). Ang pamilya ay napakarelihiyoso, ang aking lola ay tumutol sa anumang sekular na buhay, at si Anatoly ay nagtago mula sa kanyang ina sa loob ng mahabang panahon na siya ay nagtatrabaho sa teatro. Nang iulat niya ito, nagulat siya: "Bakit sa koro?" Ang dakilang repormador ng entablado ng Russia na si Stanislavsky at ang dakilang tenor ng lupain ng Russia na si Sobinov, na hindi na kumanta at naging vocal consultant sa Studio, ay napansin ang isang matangkad at guwapong binata mula sa koro, hindi lamang nagbigay-pansin sa boses na ito, kundi pati na rin sa kasipagan at kahinhinan ng may-ari nito. Kaya't si Orfenov ay naging Lensky sa sikat na pagganap ng Stanislavsky; noong Abril 1935, ang master mismo ang nagpakilala sa kanya sa pagtatanghal, bukod sa iba pang mga bagong performer. (Ang pinaka-stellar na sandali ng artistikong tadhana ay patuloy na maiugnay sa imahe ni Lensky - ang pasinaya sa Sangay ng Bolshoi Theater, at pagkatapos ay sa pangunahing yugto ng Bolshoi). Sumulat si Leonid Vitalievich kay Konstantin Sergeevich: "Inutusan ko si Orfenov, na may magandang boses, na agarang ihanda si Lensky, maliban kay Ernesto mula sa Don Pasquale. At kalaunan: "Ibinigay niya sa akin si Orfen Lensky dito, at napakahusay." Si Stanislavsky ay nagtalaga ng maraming oras at atensyon sa debutant, na pinatunayan ng mga transcript ng mga pag-eensayo at ang mga memoir ng artist mismo: "Nakipag-usap sa akin si Konstantin Sergeevich nang maraming oras. Tungkol Saan? Tungkol sa aking mga unang hakbang sa entablado, tungkol sa aking kagalingan sa ganito o ganoong tungkulin, tungkol sa mga gawain at pisikal na pagkilos na tiyak na dinala niya sa marka ng tungkulin, tungkol sa pagpapakawala ng mga kalamnan, tungkol sa etika ng aktor sa buhay at sa entablado. Ito ay isang mahusay na gawaing pang-edukasyon, at nagpapasalamat ako sa aking guro para dito nang buong puso.”

Ang pakikipagtulungan sa pinakamalaking masters ng Russian art sa wakas ay nabuo ang artistikong personalidad ng artist. Mabilis na kinuha ni Orfenov ang isang nangungunang posisyon sa tropa ng Stanislavsky Opera House. Nabighani ang mga manonood sa pagiging natural, sinseridad at pagiging simple ng kanyang pag-uugali sa entablado. Siya ay hindi kailanman isang "matamis na sound-coder", ang tunog ay hindi kailanman nagsilbing katapusan sa sarili nito para sa mang-aawit. Palaging nagmula si Orfenov sa musika at ang salitang ikinasal dito, sa unyon na ito ay hinanap niya ang mga dramatikong buhol ng kanyang mga tungkulin. Sa loob ng maraming taon, inalagaan ni Stanislavsky ang ideya ng pagtatanghal ng Verdi's Rigoletto, at noong 1937-38. mayroon silang walong ensayo. Gayunpaman, para sa isang bilang ng mga kadahilanan (kabilang ang, marahil, ang mga isinulat ni Bulgakov sa isang nakakagulat na alegorikal na anyo sa The Theatre Novel), ang trabaho sa paggawa ay nasuspinde, at ang pagtatanghal ay inilabas pagkatapos ng pagkamatay ni Stanislavsky sa ilalim ng direksyon ni Meyerhold. , ang pangunahing direktor ng teatro noong panahong iyon. Kung gaano kapana-panabik ang gawain sa "Rigoletto" ay maaaring hatulan mula sa mga memoir ni Anatoly Orfenov "Mga Unang Hakbang", na inilathala sa journal na "Soviet Music" (1963, No. 1).

Nagsumikap na ipakita sa entablado ang "buhay ng espiritu ng tao" ... Higit na mahalaga para sa kanya na ipakita ang pakikibaka ng "nahihiya at ininsulto" - sina Gilda at Rigoletto, kaysa sorpresahin ang mga manonood ng isang dosenang magagandang top notes ng ang mga mang-aawit at ang karilagan ng tanawin ... Nag-alok siya ng dalawang pagpipilian para sa imahe ng Duke. Si Odin ay isang voluptuous lecher na panlabas na kahawig ni Francis I, na inilalarawan ni V. Hugo sa drama na The King Amuses mismo. Ang isa ay isang guwapo, kaakit-akit na binata, parehong madamdamin tungkol sa Countess Ceprano, ang simpleng Gilda, at Maddalena.

Sa unang larawan, kapag ang kurtina ay nakataas, ang Duke ay nakaupo sa itaas na veranda ng kastilyo sa mesa, sa makasagisag na pagpapahayag ni Konstantin Sergeevich, "nalinya" sa mga kababaihan ... Ano ang maaaring maging mas mahirap para sa isang batang mang-aawit na ay walang karanasan sa entablado, kung paano tumayo sa gitna ng entablado at kantahin ang tinatawag na "aria na may guwantes," iyon ay, ang balad ng Duke? Sa Stanislavsky's, ang Duke ay kumanta ng isang ballad tulad ng isang awit ng pag-inom. Binigyan ako ni Konstantin Sergeevich ng isang buong serye ng mga pisikal na gawain, o, marahil, mas mahusay na sabihin, mga pisikal na aksyon: paglalakad sa paligid ng mesa, pag-clink ng mga baso sa mga kababaihan. Hiniling niya na magkaroon ako ng oras para makipagpalitan ng tingin sa bawat isa sa kanila sa ballad. Sa pamamagitan nito, pinrotektahan niya ang artist mula sa "mga voids" sa papel. Walang oras upang isipin ang tungkol sa "tunog", tungkol sa publiko.

Ang isa pang pagbabago ni Stanislavsky sa unang pagkilos ay ang eksena ng paghagupit ni Duke Rigoletto gamit ang isang latigo, pagkatapos niyang "insulto" si Count Ceprano ... Ang eksenang ito ay hindi naging maganda para sa akin, ang paghagupit ay naging "opera", iyon ay, ito mahirap paniwalaan, at sa ensayo ay marami pa akong nahulog sa kanya.

Sa pangalawang aksyon sa panahon ng duet, si Gilda ay nagtatago sa likod ng bintana ng bahay ng kanyang ama, at ang gawain na itinakda ni Stanislavsky para sa Duke ay akitin siya palabas doon, o kahit papaano ay tumingin siya sa labas ng bintana. Ang Duke ay may isang palumpon ng mga bulaklak na nakatago sa ilalim ng kanyang balabal. Isang bulaklak sa isang pagkakataon, binigay niya ito kay Gilda sa pamamagitan ng bintana. (Ang sikat na litrato sa tabi ng bintana ay kasama sa lahat ng mga talaan ng opera - A.Kh.). Sa ikatlong yugto, nais ni Stanislavsky na ipakita ang Duke bilang isang tao ng sandali at kalooban. Nang sabihin ng mga courtier sa Duke na "ang babae ay nasa iyong palasyo" (ang produksyon ay nasa isang pagsasalin ng Ruso na naiiba sa karaniwang tinatanggap - A.Kh.), siya ay ganap na nagbago, kumanta siya ng isa pang aria, halos hindi gumanap. sa mga sinehan. Ang aria na ito ay napakahirap, at kahit na walang mga tala na mas mataas kaysa sa pangalawang oktaba dito, ito ay napaka-tense sa tessitura.

Kasama si Stanislavsky, na walang sawang lumaban sa operatic vampuca, gumanap din si Orfenov sa mga bahagi ng Lykov sa The Tsar's Bride, the Holy Fool sa Boris Godunov, Almaviva sa The Barber of Seville, at Bakhshi sa Lev Stepanov's Darvaz Gorge. At hindi siya aalis sa teatro kung hindi namatay si Stanislavsky. Matapos ang pagkamatay ni Konstantin Sergeevich, nagsimula ang isang pagsama-sama sa Nemirovich-Danchenko Theatre (ito ay dalawang ganap na magkakaibang mga sinehan, at ang kabalintunaan ng kapalaran ay konektado sila). Sa panahong ito na "naguguluhan", si Orfenov, na isang karapat-dapat na artista ng RSFSR, ay nakibahagi sa ilan sa mga paggawa ng kapanahunan ng Nemirovich, kumanta ng Paris sa "Beautiful Elena" (ang pagtatanghal na ito, sa kabutihang-palad, ay naitala sa radyo noong 1948 ), ngunit sa espiritu pa rin siya ay isang tunay na Stanislav. Samakatuwid, ang kanyang paglipat noong 1942 mula sa Stanislavsky at Nemirovich-Danchenko Theatre hanggang sa Bolshoi ay paunang natukoy ng kapalaran mismo. Bagaman si Sergei Yakovlevich Lemeshev sa kanyang aklat na "The Way to Art" ay nagpapahayag ng punto ng pananaw na ang mga natitirang mang-aawit (tulad ni Pechkovsky at kanyang sarili) ay umalis kay Stanislavsky dahil sa isang pakiramdam ng higpit at sa pag-asa na mapabuti ang mga kasanayan sa boses sa mas malawak na mga puwang. Sa kaso ni Orfenov, tila, hindi ito ganap na totoo.

Ang malikhaing kawalang-kasiyahan noong unang bahagi ng 40s ay pinilit siyang "pawiin ang kanyang gutom" "sa gilid", at sa panahon ng 1940/41 ay masigasig na nakipagtulungan si Orfenov sa State Opera Ensemble ng USSR sa ilalim ng direksyon ni IS Kozlovsky. Ang pinaka "European" sa espiritu ng tenor ng panahon ng Sobyet ay nahuhumaling sa mga ideya ng isang pagtatanghal ng opera sa isang pagtatanghal ng konsiyerto (ngayon ang mga ideyang ito ay natagpuan ang isang napaka-epektibong sagisag sa Kanluran sa anyo ng tinatawag na semi-staged. , "semi-performance" na walang tanawin at costume, ngunit may interaksyon sa pag-arte) at bilang isang direktor, nagtanghal siya ng mga produksyon ng Werther, Orpheus, Pagliatsev, Mozart at Salieri, Arkas' Katerina at Lysenko's Natalka-Poltavka. "Nangarap kaming makahanap ng isang bagong anyo ng pagganap ng opera, na ang batayan ay magiging tunog, at hindi panoorin," naalala ni Ivan Semenovich nang maglaon. Sa mga premiere, si Kozlovsky mismo ay kumanta ng mga pangunahing bahagi, ngunit sa hinaharap kailangan niya ng tulong. Kaya pitong beses na kinanta ni Anatoly Orfenov ang charismatic na bahagi ng Werther, gayundin ang Mozart at Beppo sa Pagliacci (kailangang i-encore ang harana ni Harlequin ng 2-3 beses). Ang mga pagtatanghal ay itinanghal sa Great Hall ng Conservatory, sa House of Scientists, sa Central House of Artists at sa Campus. Naku, napakaikli lang ng pagkakaroon ng grupo.

Militar 1942. Darating ang mga Aleman. Pambobomba. Pagkabalisa. Ang pangunahing kawani ng Bolshoi Theater ay inilikas sa Kuibyshev. At sa Moscow ngayon ay naglalaro sila ng unang yugto, bukas ay naglalaro sila ng opera hanggang sa katapusan. Sa ganoong pagkabalisa, nagsimulang maimbitahan si Orfenov sa Bolshoi: una sa isang beses, ilang sandali, bilang bahagi ng tropa. Mahinhin, hinihingi ang kanyang sarili, mula sa panahon ni Stanislavsky ay nagawa niyang makita ang lahat ng pinakamahusay mula sa kanyang mga kasama sa entablado. At mayroong isang tao upang maramdaman ito - ang buong ginintuang arsenal ng mga vocal ng Ruso ay nasa maayos na pagkakasunud-sunod, pinangunahan ni Obukhova, Barsova, Maksakova, Reizen, Pirogov at Khanaev. Sa kanyang 13 taong paglilingkod sa Bolshoi, nagkaroon ng pagkakataon si Orfenov na magtrabaho kasama ang apat na punong konduktor: Samuil Samosud, Ariy Pazovsky, Nikolai Golovanov at Alexander Melik-Pashaev. Nakalulungkot, ngunit ang panahon ngayon ay hindi maaaring magyabang ng gayong kadakilaan at kadakilaan.

Kasama ang kanyang dalawang pinakamalapit na kasamahan, ang mga lyric tenor na sina Solomon Khromchenko at Pavel Chekin, kinuha ni Orfenov ang linya ng "pangalawang echelon" sa theatrical table of ranks kaagad pagkatapos Kozlovsky at Lemeshev. Ang dalawang magkatunggaling tenor na ito ay nagtamasa ng isang tunay na sumasaklaw sa lahat ng panatikong popular na pag-ibig, na may hangganan sa idolatriya. Sapat nang alalahanin ang mabangis na mga labanan sa teatro sa pagitan ng mga hukbo ng "Kazlovites" at "Lemeshists" upang isipin kung gaano kahirap ang hindi mawala at, higit pa rito, na kumuha ng isang karapat-dapat na lugar sa kontekstong ito ng tenor para sa sinumang bagong mang-aawit ng isang katulad na papel. At ang katotohanan na ang artistikong kalikasan ng Orfenov ay malapit sa espiritu sa taos-puso, "Yesenin" na simula ng sining ni Lemeshev ay hindi nangangailangan ng espesyal na katibayan, pati na rin ang katotohanan na siya ay may karangalan na pumasa sa pagsubok ng hindi maiiwasang paghahambing sa mga tenor ng idolo. Oo, ang mga premiere ay bihirang ibinigay, at ang mga pagtatanghal na may presensya ni Stalin ay itinanghal nang mas madalas. Ngunit palagi kang malugod na kumanta sa pamamagitan ng kapalit (ang talaarawan ng artist ay puno ng mga tala na "Sa halip na Kozlovsky", "Sa halip na Lemeshev. Iniulat sa alas-4 ng hapon"; si Lemeshev Orfenov ang madalas na nakaseguro). Ang mga talaarawan ni Orfenov, kung saan ang artist ay nagsulat ng mga komento tungkol sa bawat isa sa kanyang mga pagtatanghal, ay maaaring hindi malaki ang halaga ng pampanitikan, ngunit ang mga ito ay isang napakahalagang dokumento ng panahon - mayroon tayong pagkakataon na hindi lamang madama kung ano ang ibig sabihin ng maging sa "pangalawa. row" at sa parehong oras ay nakatanggap ng isang masayang kasiyahan mula sa kanyang trabaho, ngunit, pinaka-mahalaga, upang ipakita ang buhay ng Bolshoi Theatre mula 1942 hanggang 1955, hindi sa isang parada-opisyal na pananaw, ngunit mula sa punto ng view ng ordinaryong pagtatrabaho araw. Sumulat sila tungkol sa mga premiere sa Pravda at nagbigay ng Stalin Prizes para sa kanila, ngunit ito ang pangalawa o pangatlong cast na sumusuporta sa normal na paggana ng mga pagtatanghal sa post-premier period. Ito ay isang maaasahan at walang pagod na manggagawa ng Bolshoi na si Anatoly Ivanovich Orfenov.

Totoo, natanggap din niya ang kanyang Stalin Prize – para kay Vasek sa The Bartered Bride ni Smetana. Ito ay isang maalamat na pagtatanghal nina Boris Pokrovsky at Kirill Kondrashin sa pagsasalin ng Ruso ni Sergei Mikhalkov. Ang produksyon ay ginawa noong 1948 bilang parangal sa ika-30 anibersaryo ng Czechoslovak Republic, ngunit naging isa sa mga pinakamamahal na komedya ng publiko at nagtagal sa repertoire sa loob ng maraming taon. Itinuturing ng maraming nakasaksi na ang kataka-takang imahe ni Vashek ay ang pinakatuktok sa malikhaing talambuhay ng artista. "Mayroon si Vashek na dami ng karakter na nagtataksil sa tunay na malikhaing karunungan ng may-akda ng imahe sa entablado - ang aktor. Ang Vashek Orfenova ay isang banayad at matalinong ginawang imahe. Ang napaka-pisyolohikal na mga pagkukulang ng karakter (pag-uutal, katangahan) ay nakasuot sa entablado sa mga damit ng pag-ibig, katatawanan at kagandahan ng tao ”(BA Pokrovsky).

Si Orfenov ay itinuturing na isang espesyalista sa Western European repertoire, na kadalasang ginaganap sa Branch, kaya madalas siyang kumanta doon, sa gusali ng Solodovnikovsky Theatre sa Bolshaya Dmitrovka (kung saan matatagpuan ang Mamontov Opera at ang Zimin Opera sa ang pagliko ng ika-19-20 siglo, at ngayon ay gumagana na "Moscow Operetta"). Mabait at kaakit-akit, sa kabila ng kasamaan ng kanyang ugali, ang kanyang Duke sa Rigoletto. Ang magiting na Count Almaviva ay nagningning nang may pagpipino at talino sa The Barber of Seville (sa opera na ito, mahirap para sa anumang tenor, nagtakda si Orfenov ng isang uri ng personal na rekord - kinanta niya ito ng 107 beses). Ang papel ni Alfred sa La Traviata ay itinayo sa mga kaibahan: ang isang mahiyain na binata sa pag-ibig ay naging isang taong naninibugho na nabulag ng inis at galit, at sa pagtatapos ng opera ay nagpakita siya bilang isang taong lubos na mapagmahal at nagsisisi. Ang French repertoire ay kinakatawan ng komiks opera nina Faust at Aubert na Fra Diavolo (ang pamagat na bahagi sa pagtatanghal na ito ay ang huling gawa sa teatro para kay Lemeshev, tulad ng para kay Orfenov – ang liriko na papel ng amorous carabinieri Lorenzo). Kinanta niya ang Don Ottavio ni Mozart sa Don Giovanni at Jacquino ni Beethoven sa sikat na produksyon ng Fidelio kasama si Galina Vishnevskaya.

Ang gallery ng mga larawang Ruso ng Orfenov ay nararapat na binuksan ni Lensky. Ang boses ng mang-aawit, na may banayad, transparent na timbre, lambot at pagkalastiko ng tunog, ay perpektong tumugma sa imahe ng isang batang liriko na bayani. Ang kanyang Lensky ay nakikilala sa pamamagitan ng isang espesyal na kumplikado ng kahinaan, kawalan ng kapanatagan mula sa mga makamundong bagyo. Ang isa pang milestone ay ang imahe ng banal na tanga sa "Boris Godunov". Sa landmark na pagtatanghal na ito ni Baratov-Golovanov-Fyodorovsky, kumanta si Anatoly Ivanovich sa harap ni Stalin sa unang pagkakataon sa kanyang buhay noong 1947. Ang isa sa mga "hindi kapani-paniwala" na mga kaganapan ng artistikong buhay ay konektado din sa produksyon na ito - isang araw, sa panahon ng Rigoletto , sinabihan si Orfenov na sa pagtatapos ng opera dapat siyang dumating mula sa sangay sa pangunahing entablado (5 minutong lakad) at kantahin ang Banal na Fool. Sa pagtatanghal na ito noong Oktubre 9, 1968, ipinagdiwang ng koponan ng Bolshoi Theatre ang ika-60 anibersaryo ng artist at ang ika-35 anibersaryo ng kanyang malikhaing aktibidad. Si Gennady Rozhdestvensky, na nagsagawa ng gabing iyon, ay sumulat sa "duty book": "Mabuhay ang propesyonalismo!" At ang tagapalabas ng papel ni Boris, Alexander Vedernikov, ay nabanggit: Si Orfenov ay may pinakamahalagang pag-aari para sa isang artista - isang pakiramdam ng proporsyon. Ang kanyang Holy Fool ay isang simbolo ng budhi ng mga tao, tulad ng naisip ng kompositor."

Si Orfenov ay lumitaw ng 70 beses sa imahe ng Sinodal sa The Demon, isang opera na ngayon ay naging isang pambihira, at sa oras na iyon ay isa sa pinaka repertory. Ang isang seryosong tagumpay para sa artista ay ang mga partido tulad ng Indian Guest sa Sadko at Tsar Berendey sa Snegurochka. At kabaliktaran, ayon sa mang-aawit mismo, si Bayan sa "Ruslan at Lyudmila", Vladimir Igorevich sa "Prince Igor" at Gritsko sa "Sorochinsky Fair" ay hindi nag-iwan ng maliwanag na bakas (itinuring ng artist ang papel ng batang lalaki sa opera ni Mussorgsky sa una ay "nasugatan", dahil sa unang pagganap sa pagganap na ito, isang pagdurugo ang naganap sa ligament). Ang tanging karakter na Ruso na iniwan ang mang-aawit na walang malasakit ay si Lykov sa The Tsar's Bride - isinulat niya sa kanyang talaarawan: "Hindi ko gusto si Lykov." Tila, ang pakikilahok sa mga opera ng Sobyet ay hindi rin pumukaw sa sigasig ng artista, gayunpaman, halos hindi siya lumahok sa kanila sa Bolshoi, maliban sa isang araw na opera ni Kabalevsky na "Sa ilalim ng Moscow" (batang Muscovite Vasily), ang opera ng mga bata ni Krasev " Morozko” (Lolo) at ang opera ni Muradeli na “The Great Friendship”.

Kasama ang mga tao at bansa, hindi nakaligtas ang ating bayani sa alimpuyo ng kasaysayan. Noong Nobyembre 7, 1947, isang engrandeng pagganap ng opera ni Vano Muradeli na The Great Friendship ang naganap sa Bolshoi Theater, kung saan ginampanan ni Anatoly Orfenov ang melodic na bahagi ng pastol na si Dzhemal. Ang sumunod na nangyari, alam ng lahat – ang kasumpa-sumpa na utos ng Komite Sentral ng CPSU. Bakit eksakto ang ganap na hindi nakakapinsalang "kanta" na opera na ito ay nagsilbing hudyat para sa simula ng bagong pag-uusig sa mga "pormalista" na sina Shostakovich at Prokofiev ay isa pang bugtong ng dialectics. Ang diyalektika ng kapalaran ni Orfenov ay hindi gaanong nakakagulat: siya ay isang mahusay na aktibista sa lipunan, isang representante ng Regional Council of People's Deputies, at sa parehong oras, sa buong buhay niya ay sagrado niyang pinananatili ang pananampalataya sa Diyos, hayagang nagpunta sa simbahan at tumanggi na sumali sa Partido Komunista. Nakapagtataka na hindi siya nakatanim.

Pagkatapos ng kamatayan ni Stalin, isang mahusay na paglilinis ang inayos sa teatro - nagsimula ang isang artipisyal na pagbabago sa henerasyon. At si Anatoly Orfenov ay isa sa mga unang binigyan na maunawaan na oras na para sa isang seniority pension, bagaman noong 1955 ang artist ay 47 lamang. Agad siyang nag-aplay para sa pagbibitiw. Ganyan ang kanyang mahalagang ari-arian - ang agad na umalis mula sa kung saan hindi siya malugod na tinatanggap.

Ang mabungang pakikipagtulungan sa Radio ay nagsimula kay Orfenov noong 40s - ang kanyang boses ay naging nakakagulat na "radiogenic" at akma nang maayos sa recording. Hindi iyon ang pinakamaliwanag na panahon para sa bansa, kung kailan ang totalitarian na propaganda ay puspusan, kapag ang hangin ay napuno ng kanibalistikong mga pananalita ng punong akusado sa mga gawa-gawang pagsubok, ang pagsasahimpapawid ng musika ay hindi limitado sa mga martsa ng mga mahilig at mga kanta tungkol kay Stalin. , ngunit nag-promote ng matataas na classic. Tumutunog ito nang maraming oras sa isang araw, kapwa sa pagre-record at pag-broadcast mula sa mga studio at concert hall. Ang 50s ay pumasok sa kasaysayan ng Radyo bilang kasagsagan ng opera - sa mga taong ito na naitala ang ginintuang opera stock ng pondo ng radyo. Bilang karagdagan sa mga kilalang marka, maraming nakalimutan at bihirang gumanap na mga operatikong gawa ang muling isinilang, tulad ng Pan Voyevoda ni Rimsky-Korsakov, Voyevoda at Oprichnik ni Tchaikovsky. Sa mga tuntunin ng artistikong kahalagahan, ang vocal group ng Radio, kung mas mababa sa Bolshoi Theater, ay kaunti lamang. Ang mga pangalan ni Zara Dolukhanova, Natalia Rozhdestvenskaya, Deborah Pantofel-Nechetskaya, Nadezhda Kazantseva, Georgy Vinogradov, Vladimir Bunchikov ay nasa mga labi ng lahat. Ang malikhain at makataong kapaligiran sa Radyo ng mga taong iyon ay katangi-tangi. Ang pinakamataas na antas ng propesyonalismo, hindi nagkakamali na panlasa, kakayahan sa repertoire, kahusayan at katalinuhan ng mga empleyado, isang pakiramdam ng komunidad ng guild at tulong sa isa't isa ay patuloy na natutuwa pagkalipas ng maraming taon, kapag ang lahat ng ito ay nawala. Ang mga aktibidad sa Radyo, kung saan si Orfenov ay hindi lamang isang soloista, kundi pati na rin ang artistikong direktor ng isang vocal group, ay naging lubhang mabunga. Bilang karagdagan sa maraming mga pag-record ng stock, kung saan ipinakita ni Anatoly Ivanovich ang pinakamahusay na mga katangian ng kanyang boses, ipinakilala niya sa pagsasanay ang mga pampublikong palabas sa konsiyerto ng mga opera ng Radio sa Hall of Columns ng House of the Unions. Sa kasamaang-palad, ngayon ang pinakamayamang koleksyon ng mga nai-record na musika ay lumabas na wala sa lugar at sinungaling - ang panahon ng pagkonsumo ay naglagay ng ganap na magkakaibang mga priyoridad sa musika sa unahan.

Si Anatoly Orfenov ay kilala rin bilang isang performer ng kamara. Siya ay lalo na matagumpay sa Russian vocal lyrics. Ang mga pag-record ng iba't ibang taon ay sumasalamin sa likas na istilo ng watercolor ng mang-aawit at, sa parehong oras, ang kakayahang ihatid ang nakatagong drama ng subtext. Ang gawain ni Orfenov sa genre ng kamara ay nakikilala sa pamamagitan ng kultura at katangi-tanging panlasa. Mayaman ang palette ng artist ng mga nagpapahayag na paraan – mula sa halos ethereal na mezza voce at transparent na cantilena hanggang sa mga expressive culminations. Sa mga talaan ng 1947-1952. Ang istilong pagka-orihinal ng bawat kompositor ay napakatumpak na naihatid. Ang elegiac na pagpipino ng mga pag-iibigan ni Glinka ay kasabay ng taos-pusong pagiging simple ng mga pag-iibigan ni Gurilev (ang sikat na Bell, na ipinakita sa disc na ito, ay maaaring magsilbing pamantayan para sa pagganap ng chamber music ng pre-Glinka era). Sa Dargomyzhsky, lalo na nagustuhan ni Orfenov ang mga romansa na "Ano ang nasa aking pangalan para sa iyo" at "Namatay ako sa kaligayahan", na binigyang-kahulugan niya bilang mga banayad na sikolohikal na sketch. Sa mga romansa ni Rimsky-Korsakov, sinimulan ng mang-aawit ang emosyonal na simula na may malalim na intelektwal. Ang monologo ni Rachmaninov na "Sa gabi sa aking hardin" ay nagpapahayag at dramatiko. Ang malaking interes ay ang mga pag-record ng mga romansa nina Taneyev at Tcherepnin, na ang musika ay bihirang marinig sa mga konsyerto.

Ang mga liriko ng romansa ni Taneyev ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga impressionistic na mood at kulay. Nakuha ng kompositor sa kanyang mga miniature ang mga banayad na pagbabago sa shades sa mood ng lyrical hero. Ang mga saloobin at damdamin ay kinumpleto ng tunog ng hangin sa gabi ng tagsibol o isang bahagyang monotonous na ipoipo ng bola (tulad ng sa kilalang romansa batay sa mga tula ni Y. Polonsky "Mask"). Sa pagninilay-nilay sa chamber art ng Tcherepnin, ang Academician na si Boris Asafiev ay nakakuha ng pansin sa impluwensya ng Rimsky-Korsakov school at French impressionism ("gravitation patungo sa pagkuha ng mga impresyon ng kalikasan, patungo sa hangin, patungo sa pagiging makulay, patungo sa mga nuances ng liwanag at anino") . Sa mga pag-iibigan batay sa mga tula ni Tyutchev, ang mga tampok na ito ay nakikilala sa katangi-tanging kulay ng pagkakatugma at pagkakayari, sa mga magagandang detalye, lalo na sa bahagi ng piano. Ang mga pag-record ng mga pag-iibigan ng Russia na ginawa ni Orfenov kasama ang pianista na si David Gaklin ay isang mahusay na halimbawa ng paggawa ng musika ng chamber ensemble.

Noong 1950, nagsimulang magturo si Anatoly Orfenov sa Gnessin Institute. Isa siyang napaka-malasakit at maunawaing guro. Siya ay hindi kailanman nagpataw, hindi pinilit na gayahin, ngunit sa bawat oras na siya ay nagpapatuloy mula sa sariling katangian at kakayahan ng bawat mag-aaral. Kahit na wala sa kanila ang naging isang mahusay na mang-aawit at hindi gumawa ng isang karera sa mundo, ngunit gaano karaming associate professor Orfenov ang nagawang iwasto ang mga boses - madalas siyang binibigyan ng mga walang pag-asa o mga hindi kinuha sa kanilang mga klase ng iba, mas ambisyosong mga guro . Kabilang sa kanyang mga mag-aaral ay hindi lamang mga tenor, kundi pati na rin ang mga basses (tenor Yuri Speransky, na nagtrabaho sa iba't ibang mga sinehan ng USSR, ngayon ay namumuno sa departamento ng pagsasanay sa opera sa Gnessin Academy). Mayroong ilang mga boses ng babae, at kabilang sa kanila ay ang panganay na anak na babae na si Lyudmila, na kalaunan ay naging soloista ng Bolshoi Theatre Choir. Ang awtoridad ni Orfenov bilang isang guro ay naging internasyonal. Ang kanyang pangmatagalan (halos sampung taon) banyagang aktibidad sa pagtuturo ay nagsimula sa Tsina at nagpatuloy sa Cairo at Bratislava conservatories.

Noong 1963, naganap ang unang pagbabalik sa Bolshoi Theatre, kung saan si Anatoly Ivanovich ang namamahala sa opera troupe sa loob ng 6 na taon - ito ang mga taon nang unang dumating ang La Scala, at ang Bolshoi ay naglibot sa Milan, nang ang mga bituin sa hinaharap (Obraztsova, Atlantov , Nesterenko, Mazurok, Kasrashvili, Sinyavskaya, Piavko). Ayon sa mga alaala ng maraming mga artista, walang ganoong kahanga-hangang tropa. Palaging alam ni Orfenov kung paano kunin ang posisyon ng "ginintuang kahulugan" sa pagitan ng pamamahala at mga soloista, suportado ng ama ang mga mang-aawit, lalo na ang mga kabataan, na may mahusay na payo. Sa pagliko ng 60s at 70s, muling nagbago ang kapangyarihan sa Bolshoi Theater, at ang buong directorate, na pinamumunuan nina Chulaki at Anastasiev, ay umalis. Noong 1980, nang bumalik si Anatoly Ivanovich mula sa Czechoslovakia, agad siyang tinawag na Bolshoi. Noong 1985, nagretiro siya dahil sa sakit. Namatay noong 1987. Siya ay inilibing sa sementeryo ng Vagankovsky.

Nasa amin ang kanyang boses. Mayroong mga talaarawan, artikulo at libro (kabilang dito ang "malikhaing landas ni Sobinov", pati na rin ang isang koleksyon ng mga malikhaing larawan ng mga batang soloista ng Bolshoi "Kabataan, pag-asa, mga nagawa"). Ang mga maiinit na alaala ng mga kontemporaryo at kaibigan ay nananatili, na nagpapatotoo na si Anatoly Orfenov ay isang taong may Diyos sa kanyang kaluluwa.

Andrey Khripin