Claude Debussy |

Claude Debussy

Sinusubukan kong humanap ng mga bagong realidad... impresyonismo ang tawag ng mga mangmang. C. Debussy

Ang Pranses na kompositor na si C. Debussy ay madalas na tinatawag na ama ng musika ng ika-XNUMX siglo. Ipinakita niya na ang bawat tunog, chord, tonality ay maririnig sa isang bagong paraan, maaaring mabuhay ng isang mas malaya, maraming kulay na buhay, na parang tinatangkilik ang mismong tunog nito, ang unti-unti, misteryosong paglusaw sa katahimikan. Marami talagang ginagawang may kaugnayan si Debussy sa pictorial impressionism: ang self-sufficiing brilliance ng mailap, tuluy-tuloy na mga sandali, pagmamahal sa landscape, mahangin na panginginig ng espasyo. Ito ay hindi nagkataon na si Debussy ay itinuturing na pangunahing kinatawan ng impresyonismo sa musika. Gayunpaman, siya ay higit pa kaysa sa mga Impresyonistang artista, siya ay nawala mula sa mga tradisyonal na anyo, ang kanyang musika ay nakadirekta sa ating siglo na mas malalim kaysa sa pagpipinta ni C. Monet, O. Renoir o C. Pissarro.

Naniniwala si Debussy na ang musika ay tulad ng kalikasan sa pagiging natural nito, walang katapusang pagkakaiba-iba at pagkakaiba-iba ng mga anyo: "Ang musika ay eksaktong sining na pinakamalapit sa kalikasan ... Tanging mga musikero ang may kalamangan na makuha ang lahat ng tula ng gabi at araw, lupa at langit, muling lumikha kanilang kapaligiran at maindayog na ihatid ang kanilang napakalawak na pintig. Parehong ang kalikasan at musika ay nararamdaman ni Debussy bilang isang misteryo, at higit sa lahat, ang misteryo ng kapanganakan, isang hindi inaasahang, natatanging disenyo ng isang kapritsoso na laro ng pagkakataon. Samakatuwid, ang pag-aalinlangan at ironic na saloobin ng kompositor sa lahat ng uri ng teoretikal na mga cliché at mga label na may kaugnayan sa artistikong pagkamalikhain, na hindi sinasadyang nag-schematize ng buhay na katotohanan ng sining, ay mauunawaan.

Nagsimulang mag-aral ng musika si Debussy sa edad na 9 at noong 1872 ay pumasok siya sa junior department ng Paris Conservatory. Nasa mga taon ng konserbatoryo, ang hindi kinaugalian ng kanyang pag-iisip ay nagpakita mismo, na nagdulot ng mga pag-aaway sa mga guro ng pagkakaisa. Sa kabilang banda, ang baguhang musikero ay nakatanggap ng tunay na kasiyahan sa mga klase ng E. Guiraud (komposisyon) at A. Mapmontel (piano).

Noong 1881, si Debussy, bilang isang pianista ng bahay, ay sinamahan ang philanthropist na Ruso na si N. von Meck (isang mahusay na kaibigan ni P. Tchaikovsky) sa isang paglalakbay sa Europa, at pagkatapos, sa kanyang paanyaya, bumisita sa Russia nang dalawang beses (1881, 1882). Kaya nagsimula ang kakilala ni Debussy sa musikang Ruso, na lubos na nakaimpluwensya sa pagbuo ng kanyang sariling istilo. "Bibigyan tayo ng mga Ruso ng mga bagong impulses upang palayain ang ating sarili mula sa walang katotohanan na pagpilit. Sila … nagbukas ng bintana kung saan matatanaw ang kalawakan ng mga bukid. Si Debussy ay nabihag ng kinang ng mga timbre at banayad na paglalarawan, ang kaakit-akit ng musika ni N. Rimsky-Korsakov, ang pagiging bago ng mga harmonies ni A. Borodin. Tinawag niya si M. Mussorgsky na kanyang paboritong kompositor: "Walang sinuman ang tumugon sa pinakamahusay na mayroon kami, nang may higit na lambing at mas malalim. Siya ay natatangi at mananatiling natatangi salamat sa kanyang sining na walang malalayong diskarte, nang walang nalalanta na mga panuntunan. Ang flexibility ng vocal-speech intonation ng Russian innovator, kalayaan mula sa paunang itinatag, "administratibo", sa mga salita ni Debussy, ang mga form ay ipinatupad sa kanilang sariling paraan ng Pranses na kompositor, ay naging isang mahalagang tampok ng kanyang musika. "Makinig ka kay Boris. It has the whole Pelléas,” minsang sinabi ni Debussy tungkol sa pinagmulan ng musical language ng kanyang opera.

Matapos makapagtapos mula sa konserbatoryo noong 1884, lumahok si Debussy sa mga kumpetisyon para sa Grand Prize ng Roma, na nagbibigay ng karapatan sa isang apat na taong pagpapabuti sa Roma, sa Villa Medici. Sa mga taon na ginugol sa Italya (1885-87), pinag-aralan ni Debussy ang choral music ng Renaissance (G. Palestrina, O. Lasso), at ang malayong nakaraan (pati na rin ang pagka-orihinal ng musikang Ruso) ay nagdala ng isang sariwang stream, na-update. ang kanyang harmonic na pag-iisip. Ang mga symphonic na gawa na ipinadala sa Paris para sa isang ulat ("Zuleima", "Spring") ay hindi nasiyahan sa mga konserbatibong "masters of musical destinies".

Pagbalik nang mas maaga sa iskedyul sa Paris, si Debussy ay lumalapit sa bilog ng mga simbolistang makata na pinamumunuan ni S. Mallarme. Ang pagiging musikal ng simbolistang tula, ang paghahanap para sa mahiwagang koneksyon sa pagitan ng buhay ng kaluluwa at ng natural na mundo, ang kanilang pagkakawatak-watak sa isa't isa - lahat ng ito ay umaakit kay Debussy at higit na hinubog ang kanyang aesthetics. Hindi nagkataon na ang pinakaorihinal at perpekto sa mga unang gawa ng kompositor ay mga romansa sa mga salita ni P. Verdun, P. Bourget, P. Louis, at gayundin ni C. Baudelaire. Ang ilan sa kanila ("Kamangha-manghang Gabi", "Mandolin") ay isinulat sa mga taon ng pag-aaral sa konserbatoryo. Ang simbolistang tula ay nagbigay inspirasyon sa unang mature na orkestra na gawa - ang paunang "Afternoon of a Faun" (1894). Sa musical na ilustrasyon na ito ng Mallarmé's eclogue, nabuo ang kakaiba, banayad na nuanced na estilo ng orkestra ni Debussy.

Ang epekto ng simbolismo ay lubos na naramdaman sa nag-iisang opera ni Debussy na Pelléas et Mélisande (1892-1902), na isinulat sa prosa na teksto ng drama ni M. Maeterlinck. Ito ay isang kuwento ng pag-ibig, kung saan, ayon sa kompositor, ang mga karakter ay "hindi nakikipagtalo, ngunit tinitiis ang kanilang buhay at kapalaran." Si Debussy dito, kumbaga, ay malikhaing nakikipagtalo kay R. Wagner, ang may-akda ng Tristan at Isolde, kahit na gusto niyang isulat ang kanyang sariling Tristan, sa kabila ng katotohanan na sa kanyang kabataan ay labis siyang mahilig sa opera ni Wagner at alam ito sa puso. Sa halip na bukas na hilig ng musikang Wagnerian, narito ang pagpapahayag ng isang pinong laro ng tunog, puno ng mga alusyon at simbolo. “Ang musika ay umiiral para sa hindi maipahayag; Gusto kong lumabas siya sa takip-silim, kumbaga, at sa mga sandali ay bumalik sa takipsilim; upang palagi siyang maging mahinhin, "isinulat ni Debussy.

Imposibleng isipin si Debussy na walang piano music. Ang kompositor mismo ay isang mahuhusay na pianista (pati na rin isang konduktor); “Halos palagi siyang tumutugtog sa mga semitone, nang walang anumang talas, ngunit may kapuspusan at densidad ng tunog gaya ng pagtugtog ni Chopin,” ang paggunita ng Pranses na pianista na si M. Long. Ito ay mula sa hangin ni Chopin, ang spatiality ng tunog ng tela ng piano na tinanggihan ni Debussy sa kanyang mga coloristic na paghahanap. Pero may ibang source. Ang pagpigil, pagkapantay-pantay ng emosyonal na tono ng musika ni Debussy ay hindi inaasahang inilapit ito sa sinaunang pre-romantic na musika – lalo na ang mga French harpsichordist noong panahon ng Rococo (F. Couperin, JF Rameau). Ang mga sinaunang genre mula sa "Suite Bergamasco" at ang Suite para sa Piano (Prelude, Minuet, Passpier, Sarabande, Toccata) ay kumakatawan sa isang kakaiba, "impressionistic" na bersyon ng neoclassicism. Si Debussy ay hindi gumagamit ng stylization, ngunit lumilikha ng kanyang sariling imahe ng maagang musika, sa halip na isang impresyon dito kaysa sa "portrait" nito.

Ang paboritong genre ng kompositor ay isang suite ng programa (orchestral at piano), tulad ng isang serye ng magkakaibang mga pagpipinta, kung saan ang mga static na landscape ay itinatakda ng mabilis na paggalaw, kadalasang mga ritmo ng sayaw. Ganito ang mga suite para sa orkestra na "Nocturnes" (1899), "The Sea" (1905) at "Images" (1912). Para sa piano, "Mga Print", 2 notebook ng "Mga Larawan", "Children's Corner", na inialay ni Debussy sa kanyang anak na babae, ay nilikha. Sa Prints, sinubukan ng kompositor sa unang pagkakataon na masanay sa mga musikal na mundo ng iba't ibang kultura at mga tao: ang tunog na imahe ng Silangan ("Pagodas"), Spain ("Gabi sa Grenada") at isang tanawin na puno ng paggalaw, pagtugtog ng liwanag at anino na may French folk song (“Hardin sa ulan”).

Sa dalawang kuwaderno ng preludes (1910, 1913) ang buong makasagisag na mundo ng kompositor ay inihayag. Ang mga transparent na watercolor tone ng The Girl with the Flaxen Hair at The Heather ay pinaghahambing ng yaman ng sound palette sa The Terrace Haunted by Moonlight, sa prelude Aromas and Sounds in the Evening Air. Ang sinaunang alamat ay nabuhay sa epikong tunog ng Sunken Cathedral (ito ay kung saan ang impluwensya ng Mussorgsky at Borodin ay lalo na binibigkas!). At sa "Delphian Dancers" ang kompositor ay nakahanap ng isang natatanging antigong kumbinasyon ng kalubhaan ng templo at ang ritwal na may paganong sensuality. Sa pagpili ng mga modelo para sa musical incarnation, nakakamit ni Debussy ang perpektong kalayaan. Sa parehong kapitaganan, halimbawa, napasok niya ang mundo ng musikang Espanyol (The Alhambra Gate, The Interrupted Serenade) at muling nililikha (gamit ang ritmo ng cake walk) ang diwa ng American minstrel theater (General Lavin the Eccentric, The Minstrels. ).

Sa mga pasimula, ipinakita ni Debussy ang kanyang buong mundo ng musika sa isang maigsi, puro anyo, ginagawa itong pangkalahatan at nagpaalam dito sa maraming aspeto - kasama ang kanyang dating sistema ng mga visual-musical na sulat. At pagkatapos, sa huling 5 taon ng kanyang buhay, ang kanyang musika, na nagiging mas kumplikado, ay nagpapalawak ng mga horizon ng genre, ang ilang uri ng nerbiyos, pabagu-bagong kabalintunaan ay nagsisimulang madama dito. Ang pagtaas ng interes sa mga genre ng entablado. Ito ay mga ballet ("Kamma", "Mga Laro", na itinanghal ni V. Nijinsky at ang tropa ni S. Diaghilev noong 1912, at isang papet na ballet para sa mga bata na "Toy Box", 1913), musika para sa misteryo ng Italian futurist na si G d'Annunzio "Pagkamartir ni Saint Sebastian" (1911). Ang ballerina na si Ida Rubinshtein, choreographer M. Fokin, artist L. Bakst ay nakibahagi sa paggawa ng misteryo. Matapos ang paglikha ng Pelléas, paulit-ulit na sinubukan ni Debussy na magsimula ng isang bagong opera: naakit siya sa mga plot ni E. Poe (Devil in the Bell Tower, The Fall of the House of Escher), ngunit ang mga planong ito ay hindi natupad. Nagplano ang kompositor na magsulat ng 6 na sonata para sa mga ensemble ng kamara, ngunit nagawang lumikha ng 3: para sa cello at piano (1915), para sa plauta, viola at alpa (1915) at para sa byolin at piano (1917). Ang pag-edit ng mga gawa ni F. Chopin ay nag-udyok kay Debussy na sumulat ng Twelve Etudes (1915), na nakatuon sa memorya ng mahusay na kompositor. Nilikha ni Debussy ang kanyang mga huling obra noong siya ay may sakit na: noong 1915 ay sumailalim siya sa isang operasyon, pagkatapos ay nabuhay siya nang higit sa dalawang taon.

Sa ilan sa mga komposisyon ni Debussy, ang mga kaganapan ng Unang Digmaang Pandaigdig ay makikita: sa "Heroic Lullaby", sa kantang "The Nativity of Homeless Children", sa hindi natapos na "Ode to France". Ang listahan lamang ng mga pamagat ay nagpapahiwatig na sa mga nakaraang taon ay nagkaroon ng mas mataas na interes sa mga dramatikong tema at larawan. Sa kabilang banda, mas nagiging ironic ang pananaw ng kompositor sa mundo. Palaging nag-uumpisa ang katatawanan at kabalintunaan at, kumbaga, pinupunan ang lambot ng kalikasan ni Debussy, ang pagiging bukas niya sa mga impresyon. Ipinakita nila ang kanilang sarili hindi lamang sa musika, kundi pati na rin sa mga pahayag na may mahusay na layunin tungkol sa mga kompositor, sa mga liham, at sa mga kritikal na artikulo. Sa loob ng 14 na taon si Debussy ay isang propesyonal na kritiko ng musika; ang resulta ng gawaing ito ay ang aklat na “Mr. Krosh – Antidilettante” (1914).

Sa mga taon ng post-war, si Debussy, kasama ang mga mapangwasak na maninira ng romantikong aesthetics tulad ng I. Stravinsky, S. Prokofiev, P. Hindemith, ay napagtanto ng marami bilang isang kinatawan ng impresyonista kahapon. Ngunit nang maglaon, at lalo na sa ating panahon, ang napakalaking kahalagahan ng French innovator ay nagsimulang maging malinaw, na may direktang impluwensya kay Stravinsky, B. Bartok, O. Messiaen, na inaasahan ang pamamaraan ng sonor at, sa pangkalahatan, isang bagong kahulugan. ng musikal na espasyo at oras – at sa bagong dimensyong ito ay iginiit sangkatauhan bilang kakanyahan ng sining.

K. Zenkin

Buhay at malikhaing landas

Pagkabata at taon ng pag-aaral. Si Claude Achille Debussy ay ipinanganak noong Agosto 22, 1862 sa Saint-Germain, Paris. Ang kanyang mga magulang - petiburges - ay mahilig sa musika, ngunit malayo sa tunay na propesyonal na sining. Ang mga random na musical impression ng maagang pagkabata ay nakatulong ng kaunti sa artistikong pag-unlad ng hinaharap na kompositor. Ang pinaka-kapansin-pansin sa mga ito ay ang mga bihirang pagbisita sa opera. Sa edad na siyam lamang nagsimulang matutong tumugtog ng piano si Debussy. Sa pagpupumilit ng isang pianista na malapit sa kanilang pamilya, na kinilala ang pambihirang kakayahan ni Claude, ipinadala siya ng kanyang mga magulang noong 1873 sa Paris Conservatory. Noong dekada 70 at 80 ng ika-XNUMX na siglo, ang institusyong pang-edukasyon na ito ay isang tanggulan ng mga pinakakonserbatibo at karaniwang pamamaraan ng pagtuturo sa mga batang musikero. Pagkatapos ni Salvador Daniel, ang music commissar ng Paris Commune, na binaril noong mga araw ng pagkatalo nito, ang direktor ng conservatory ay ang kompositor na si Ambroise Thomas, isang taong napakalimitado sa mga usapin ng edukasyon sa musika.

Kabilang sa mga guro ng konserbatoryo ay mayroon ding mga natitirang musikero - S. Frank, L. Delibes, E. Giro. Sa abot ng kanilang makakaya, sinuportahan nila ang bawat bagong kababalaghan sa buhay musikal ng Paris, ang bawat orihinal na talento sa pagganap at pag-compose.

Ang masigasig na pag-aaral ng mga unang taon ay nagdala ng Debussy taunang mga parangal sa solfeggio. Sa mga klase ng solfeggio at accompaniment (praktikal na pagsasanay para sa piano sa pagkakaisa), sa unang pagkakataon, ang kanyang interes sa mga bagong harmonic na pagliko, iba't ibang at kumplikadong mga ritmo ay nagpakita mismo. Ang makulay at makulay na mga posibilidad ng harmonic na wika ay bumungad sa kanya.

Ang talento ng pianistic ni Debussy ay umunlad nang napakabilis. Nasa kanyang mga taon ng mag-aaral, ang kanyang paglalaro ay nakikilala sa pamamagitan ng panloob na nilalaman, emosyonalidad, subtlety ng nuance, bihirang pagkakaiba-iba at kayamanan ng sound palette. Ngunit ang pagka-orihinal ng kanyang istilo ng pagganap, na walang naka-istilong panlabas na kahusayan at katalinuhan, ay hindi nakahanap ng angkop na pagkilala sa alinman sa mga guro ng konserbatoryo o sa mga kasamahan ni Debussy. Sa unang pagkakataon, ang kanyang pianistic talent ay ginawaran ng premyo lamang noong 1877 para sa pagganap ng sonata ni Schumann.

Ang mga unang seryosong pag-aaway sa umiiral na mga pamamaraan ng pagtuturo ng konserbatoryo ay nangyari kay Debussy sa klase ng harmony. Ang independiyenteng maharmonya na pag-iisip ni Debussy ay hindi kayang tiisin ang mga tradisyunal na paghihigpit na naghari sa kurso ng pagkakaisa. Tanging ang kompositor na si E. Guiraud, kung saan pinag-aralan ni Debussy ang komposisyon, ay tunay na napuno ng mga hangarin ng kanyang mag-aaral at natagpuan ang pagkakaisa sa kanya sa masining at aesthetic na pananaw at panlasa sa musika.

Ang mga unang vocal compositions ng Debussy, na itinayo noong huling bahagi ng 70s at unang bahagi ng 80s ("Kahanga-hangang Gabi" sa mga salita ni Paul Bourget at lalo na ang "Mandolin" sa mga salita ni Paul Verlaine), ay nagsiwalat ng pagka-orihinal ng kanyang talento.

Bago pa man magtapos mula sa conservatory, si Debussy ay nagsagawa ng kanyang unang dayuhang paglalakbay sa Kanlurang Europa sa paanyaya ng philanthropist na Ruso na si NF von Meck, na sa loob ng maraming taon ay kabilang sa bilang ng mga malapit na kaibigan ni PI Tchaikovsky. Noong 1881 si Debussy ay dumating sa Russia bilang isang pianista upang makilahok sa mga konsiyerto sa tahanan ni von Meck. Ang unang paglalakbay na ito sa Russia (pagkatapos ay nagpunta siya roon nang dalawang beses - noong 1882 at 1913) ang pumukaw sa malaking interes ng kompositor sa musikang Ruso, na hindi humina hanggang sa katapusan ng kanyang buhay.

Mula noong 1883, nagsimulang lumahok si Debussy bilang isang kompositor sa mga kumpetisyon para sa Grand Prize ng Roma. Nang sumunod na taon ay ginawaran siya nito para sa cantata na The Prodigal Son. Ang gawaing ito, na sa maraming paraan ay nagtataglay pa rin ng impluwensya ng French lyric opera, ay namumukod-tangi para sa tunay na drama ng mga indibidwal na eksena (halimbawa, ang aria ni Leah). Ang pananatili ni Debussy sa Italya (1885-1887) ay naging mabunga para sa kanya: nakilala niya ang sinaunang choral na musikang Italyano noong ika-XNUMX siglo (Palestrina) at sa parehong oras sa gawain ni Wagner (lalo na, sa musikal. drama "Tristan at Isolde").

Kasabay nito, ang panahon ng pananatili ni Debussy sa Italya ay minarkahan ng isang matalim na sagupaan sa mga opisyal na artistikong bilog ng France. Ang mga ulat ng mga nagwagi bago ang akademya ay ipinakita sa anyo ng mga gawa na isinasaalang-alang sa Paris ng isang espesyal na hurado. Mga pagsusuri sa mga gawa ng kompositor – ang symphonic ode na “Zuleima”, ang symphonic suite na “Spring” at ang cantata na “The Chosen One” (nakasulat na pagdating sa Paris) – sa pagkakataong ito ay natuklasan ang isang hindi malulutas na agwat sa pagitan ng mga makabagong adhikain ni Debussy at ang pagkawalang-galaw na naghari sa pinakamalaking institusyon ng sining sa France. Ang kompositor ay inakusahan ng isang sadyang pagnanais na "gumawa ng isang bagay na kakaiba, hindi maunawaan, hindi praktikal", ng "isang pinalaking kahulugan ng kulay ng musikal", na nagpapalimot sa kanya "ang kahalagahan ng tumpak na pagguhit at anyo". Si Debussy ay inakusahan ng paggamit ng "sarado" na mga boses ng tao at ang susi ng F-sharp major, na sinasabing hindi tinatanggap sa isang symphonic na gawa. Ang tanging patas, marahil, ay ang pangungusap tungkol sa kawalan ng "flat turns at banality" sa kanyang mga gawa.

Ang lahat ng mga komposisyon na ipinadala ni Debussy sa Paris ay malayo pa rin sa mature na estilo ng kompositor, ngunit nagpakita na sila ng mga makabagong tampok, na ipinakita ang kanilang mga sarili lalo na sa makulay na harmonic na wika at orkestrasyon. Malinaw na ipinahayag ni Debussy ang kanyang pagnanais para sa pagbabago sa isang liham sa isa sa kanyang mga kaibigan sa Paris: "Hindi ko maisara ang aking musika sa masyadong tamang mga frame ... Gusto kong magtrabaho upang lumikha ng isang orihinal na gawa, at hindi mahulog sa lahat ng oras sa parehong oras. mga landas…”. Sa kanyang pagbabalik mula sa Italya sa Paris, sa wakas ay nakipaghiwalay si Debussy sa akademya.

90s. Ang unang pamumulaklak ng pagkamalikhain. Ang pagnanais na mapalapit sa mga bagong uso sa sining, ang pagnanais na palawakin ang kanilang mga koneksyon at kakilala sa mundo ng sining ay humantong kay Debussy pabalik sa huling bahagi ng dekada 80 sa salon ng isang pangunahing Pranses na makata noong huling bahagi ng ika-80 siglo at ang pinunong ideolohikal ng Symbolists - Stefan Mallarmé. Noong "Martes" nagtipon si Mallarme ng mga natitirang manunulat, makata, artista - mga kinatawan ng pinaka magkakaibang mga uso sa modernong sining ng Pransya (mga makata na sina Paul Verlaine, Pierre Louis, Henri de Regnier, artist James Whistler at iba pa). Dito nakilala ni Debussy ang mga manunulat at makata, na ang mga gawa ay naging batayan ng marami sa kanyang mga vocal na komposisyon, na nilikha noong 90-50s. Kabilang sa mga ito ay namumukod-tangi: "Mandolin", "Ariettes", "Belgian landscapes", "Watercolors", "Moonlight" sa mga salita ni Paul Verlaine, "Songs of Bilitis" sa mga salita ni Pierre Louis, "Five Poems" sa mga salita ng pinakadakilang makatang Pranses na 60— ang mga XNUMX ni Charles Baudelaire (lalo na ang "Balcony", "Evening Harmonies", "At the Fountain") at iba pa.

Kahit na ang isang simpleng listahan ng mga pamagat ng mga gawang ito ay ginagawang posible upang hatulan ang predilection ng kompositor para sa mga tekstong pampanitikan, na naglalaman ng mga pangunahing landscape motif o lyrics ng pag-ibig. Ang globo ng mala-tula na mga imaheng pangmusika ay naging paborito ni Debussy sa buong karera niya.

Ang malinaw na kagustuhan na ibinigay sa vocal music sa unang yugto ng kanyang trabaho ay ipinaliwanag sa isang malaking lawak ng pagkahilig ng kompositor para sa Symbolist na tula. Sa mga taludtod ng mga simbolistang makata, si Debussy ay naaakit ng mga paksang malapit sa kanya at mga bagong artistikong pamamaraan - ang kakayahang magsalita nang walang saysay, ang kawalan ng retorika at kalunos-lunos, ang kasaganaan ng makulay na matalinghagang paghahambing, isang bagong saloobin sa tula, kung saan ang musikal. nahuhuli ang mga kumbinasyon ng mga salita. Ang gayong panig ng simbolismo bilang ang pagnanais na ihatid ang isang estado ng madilim na pag-iisip, takot sa hindi alam, ay hindi kailanman nakuha kay Debussy.

Sa karamihan ng mga gawa ng mga taong ito, sinisikap ni Debussy na iwasan ang parehong simbolistang kawalan ng katiyakan at pagmamaliit sa pagpapahayag ng kanyang mga iniisip. Ang dahilan nito ay ang katapatan sa mga demokratikong tradisyon ng pambansang musikang Pranses, ang buo at malusog na artistikong kalikasan ng kompositor (hindi nagkataon na madalas niyang tinutukoy ang mga tula ni Verlaine, na masalimuot na pinagsama ang mga patula na tradisyon ng mga matandang masters, kasama ang ang kanilang pagnanais para sa malinaw na pag-iisip at pagiging simple ng istilo, na may likas na pagpipino sa sining ng mga kontemporaryong aristokratikong salon). Sa kanyang mga unang komposisyon ng vocal, sinisikap ni Debussy na isama ang gayong mga musikal na imahe na nagpapanatili ng koneksyon sa mga umiiral na genre ng musika - kanta, sayaw. Ngunit ang koneksyon na ito ay madalas na lumilitaw, tulad ng sa Verlaine, sa isang medyo exquisitely pinong repraksyon. Ganyan ang pagmamahalan na "Mandolin" sa mga salita ni Verlaine. Sa himig ng pag-iibigan, naririnig natin ang mga intonasyon ng mga kanta sa lunsod ng Pransya mula sa repertoire ng "chansonnier", na ginaganap nang walang accentuated accent, na parang "kumanta". Ang piano accompaniment ay naghahatid ng isang katangiang maalog, parang nabunot na tunog ng isang mandolin o gitara. Ang mga kumbinasyon ng chord ng "empty" fifths ay kahawig ng tunog ng mga bukas na string ng mga instrumentong ito:

Nasa gawaing ito, si Debussy ay gumagamit ng ilan sa mga coloristic na diskarte na tipikal ng kanyang mature na istilo sa pagkakatugma - "serye" ng hindi nalutas na mga consonance, isang orihinal na paghahambing ng mga pangunahing triad at ang kanilang mga inversion sa malayong mga key,

Ang 90s ay ang unang yugto ng malikhaing pag-unlad ni Debussy sa larangan ng hindi lamang vocal, kundi pati na rin ang piano music (“Suite Bergamas”, “Little Suite” para sa piano four hands), chamber-instrumental (string quartet) at lalo na ang symphonic music ( sa panahong ito, dalawa sa pinakamahalagang symphonic na gawa ang nilikha – ang prelude na "Afternoon of a Faun" at "Nocturnes").

Ang prelude na “Afternoon of a Faun” ay isinulat batay sa isang tula ni Stéphane Mallarmé noong 1892. Ang akda ni Mallarme ay nakaakit sa kompositor pangunahin sa pamamagitan ng maliwanag na kaakit-akit ng isang mitolohikong nilalang na nangangarap sa isang mainit na araw tungkol sa magagandang nimpa.

Sa prelude, tulad ng sa tula ni Mallarmé, walang nabuong balangkas, walang dinamikong pag-unlad ng aksyon. Sa gitna ng komposisyon ay namamalagi, sa esensya, isang melodic na imahe ng "languor", na binuo sa "gumagapang" chromatic intonations. Ginagamit ni Debussy para sa kanyang orkestra na pagkakatawang-tao halos lahat ng oras ng parehong partikular na instrumental na timbre - isang plauta sa isang mababang rehistro:

Ang buong symphonic development ng prelude ay nagmumula sa pag-iiba-iba ng texture ng presentasyon ng tema at orkestrasyon nito. Ang static na pag-unlad ay nabibigyang katwiran sa pamamagitan ng likas na katangian ng imahe mismo.

Ang komposisyon ng trabaho ay tatlong bahagi. Tanging sa isang maliit na gitnang bahagi ng prelude, kapag ang isang bagong diatonic na tema ay isinasagawa ng string group ng orkestra, ang pangkalahatang karakter ay nagiging mas matindi, nagpapahayag (ang dinamika ay umabot sa pinakamataas na sonority nito sa prelude. ff, ang tanging oras na ginagamit ang tutti ng buong orkestra). Ang reprise ay nagtatapos sa unti-unting nawawala, kumbaga, natutunaw na tema ng "languor".

Ang mga tampok ng mature na istilo ni Debussy ay lumitaw sa gawaing ito lalo na sa orkestrasyon. Ang matinding pagkakaiba-iba ng mga grupo ng orkestra at mga bahagi ng mga indibidwal na instrumento sa loob ng mga grupo ay ginagawang posible na pagsamahin at pagsamahin ang mga kulay ng orkestra sa iba't ibang paraan at nagbibigay-daan sa iyo upang makamit ang pinakamagagandang nuances. Marami sa mga nagawa ng pagsulat ng orkestra sa gawaing ito ay naging tipikal ng karamihan sa mga gawang simponiko ni Debussy.

Pagkatapos lamang ng pagtatanghal ng "Faun" noong 1894 ay nagsalita si Debussy na kompositor sa mas malawak na mga lupon ng musikal ng Paris. Ngunit ang paghihiwalay at ilang mga limitasyon ng artistikong kapaligiran kung saan kabilang si Debussy, pati na rin ang orihinal na indibidwalidad ng estilo ng kanyang mga komposisyon, ay pumigil sa musika ng kompositor na lumabas sa entablado ng konsiyerto.

Kahit na ang napakagandang symphonic na gawa ni Debussy bilang ang Nocturnes cycle, na nilikha noong 1897-1899, ay nakatagpo ng isang pinipigilang saloobin. Sa “Nocturnes” nahayag ang tumindi na pagnanais ni Debussy para sa tunay na buhay na masining na mga imahe. Sa kauna-unahang pagkakataon sa symphonic na gawa ni Debussy, isang buhay na buhay na pagpipinta ng genre (ang ikalawang bahagi ng Nocturnes – “Festivities”) at mga larawan ng kalikasan na mayaman sa mga kulay (ang unang bahagi – “Clouds”) ay nakatanggap ng matingkad na sagisag ng musika.

Noong dekada 90, nagtrabaho si Debussy sa kanyang tanging natapos na opera, ang Pelléas et Mélisande. Ang kompositor ay naghahanap ng isang balangkas na malapit sa kanya sa mahabang panahon (Siya ay nagsimula at inabandona ang trabaho sa opera na "Rodrigo at Jimena" batay sa trahedya ni Corneille na "Sid". Ang gawain ay nanatiling hindi natapos, dahil kinasusuklaman ni Debussy (sa kanyang sariling mga salita) "ang pagpapataw ng aksyon", ang dinamikong pag-unlad nito, ay nagbigay-diin sa affective na pagpapahayag ng mga damdamin, matapang na binalangkas ang mga imaheng pampanitikan ng mga bayani.) at sa wakas ay nanirahan sa drama ng Belgian simbolistang manunulat na si Maurice Maeterlinck "Pelleas et Mélisande". Napakakaunting panlabas na pagkilos sa gawaing ito, halos hindi nagbabago ang lugar at oras nito. Nakatuon ang lahat ng atensyon ng may-akda sa paglilipat ng mga banayad na sikolohikal na nuances sa mga karanasan ng mga tauhan: Golo, asawa niyang si Mélisande, kapatid ni Golo na si Pelléas6. Ang balangkas ng gawaing ito ay umaakit kay Debussy, sa kanyang mga salita, sa pamamagitan ng katotohanan na sa loob nito "ang mga karakter ay hindi nagtatalo, ngunit nagtitiis sa buhay at kapalaran." Ang kasaganaan ng subtext, mga saloobin, kumbaga, "sa sarili" ay naging posible para sa kompositor na mapagtanto ang kanyang motto: "Nagsisimula ang musika kung saan ang salita ay walang kapangyarihan."

Napanatili ni Debussy sa opera ang isa sa mga pangunahing tampok ng marami sa mga drama ni Maeterlinck – ang nakamamatay na kapahamakan ng mga karakter bago ang hindi maiiwasang nakamamatay na denouement, ang hindi paniniwala ng isang tao sa kanyang sariling kaligayahan. Sa gawaing ito ni Maeterlinck, malinaw na ipinakita ang panlipunan at aesthetic na pananaw ng isang makabuluhang bahagi ng burges na intelihente sa pagpasok ng ika-XNUMX at ika-XNUMX na siglo. Nagbigay si Romain Rolland ng napakatumpak na makasaysayang at panlipunang pagtatasa ng drama sa kanyang aklat na "Musicians of Our Days": "Ang kapaligiran kung saan nabuo ang drama ni Maeterlinck ay isang pagod na pagpapakumbaba na nagbibigay ng kalooban na mabuhay sa kapangyarihan ng Rock. Walang makakapagpabago sa ayos ng mga pangyayari. […] Walang mananagot sa kung ano ang gusto niya, sa kung ano ang mahal niya. […] Sila ay nabubuhay at namamatay nang hindi alam kung bakit. Ang fatalism na ito, na sumasalamin sa pagkapagod ng espirituwal na aristokrasya ng Europa, ay mahimalang naihatid ng musika ni Debussy, na idinagdag dito ang sarili nitong tula at senswal na kagandahan ... ". Si Debussy, sa isang tiyak na lawak, ay nagawang palambutin ang walang pag-asa na pessimistic na tono ng drama na may banayad at pinipigilang liriko, katapatan at katotohanan sa musikal na sagisag ng tunay na trahedya ng pag-ibig at paninibugho.

Ang istilong novelty ng opera ay higit sa lahat dahil sa katotohanan na ito ay isinulat sa prosa. Ang mga vocal na bahagi ng opera ni Debussy ay naglalaman ng mga banayad na kulay at nuances ng kolokyal na pagsasalita ng Pranses. Ang melodic na pag-unlad ng opera ay unti-unti (nang walang pagtalon sa mahabang pagitan), ngunit nagpapahayag ng melodious-declamatory na linya. Ang kasaganaan ng mga caesuras, pambihirang nababaluktot na ritmo at madalas na pagbabago sa pagganap ng intonasyon ay nagbibigay-daan sa kompositor na tumpak at angkop na ihatid ang kahulugan ng halos bawat pariralang tuluyan na may musika. Ang anumang makabuluhang emosyonal na pagtaas sa melodic na linya ay wala kahit na sa mga dramatikong climactic na yugto ng opera. Sa sandali ng pinakamataas na pag-igting ng pagkilos, si Debussy ay nananatiling tapat sa kanyang prinsipyo - pinakamataas na pagpigil at ang kumpletong kawalan ng panlabas na pagpapakita ng mga damdamin. Kaya, ang eksena ni Pelléas na nagpahayag ng kanyang pag-ibig kay Melisande, salungat sa lahat ng mga tradisyon ng opera, ay ginanap nang walang anumang epekto, na parang sa isang "kalahating bulong". Ang eksena ng pagkamatay ni Mélisande ay nalutas sa parehong paraan. Mayroong ilang mga eksena sa opera kung saan nagawang ihatid ni Debussy na may nakakagulat na banayad na nangangahulugang isang masalimuot at mayamang hanay ng iba't ibang kulay ng mga karanasan ng tao: ang eksenang may singsing sa tabi ng fountain sa ikalawang yugto, ang eksenang may buhok ni Mélisande sa pangatlo, ang eksena sa fountain sa ikaapat at ang eksena ng pagkamatay ni Mélisande sa ikalimang yugto.

Ang opera ay itinanghal noong Abril 30, 1902 sa Comic Opera. Sa kabila ng kahanga-hangang pagganap, ang opera ay hindi nagkaroon ng tunay na tagumpay sa malawak na madla. Ang pagpuna ay karaniwang hindi palakaibigan at pinapayagan ang sarili nitong matalas at bastos na pag-atake pagkatapos ng mga unang pagtatanghal. Iilan lamang sa mga pangunahing musikero ang nagpahalaga sa mga merito ng gawaing ito.

Pagkatapos ng pagtatanghal ng Pelléas, gumawa si Debussy ng ilang mga pagtatangka na gumawa ng mga opera na naiiba sa genre at istilo mula sa una. Ang Libretto ay isinulat para sa dalawang opera batay sa mga engkanto na nakabatay sa Edgar Allan Poe – The Death of the House of Escher at The Devil in the Bell Tower – ginawa ang mga sketch, na mismong ang kompositor ang nawasak bago siya mamatay. Gayundin, hindi natupad ang intensyon ni Debussy na lumikha ng isang opera batay sa balangkas ng trahedya ni Shakespeare na si King Lear. Dahil sa pag-abandona sa mga masining na prinsipyo ng Pelléas et Mélisande, hindi kailanman nahanap ni Debussy ang kanyang sarili sa iba pang mga genre ng opera na mas malapit sa mga tradisyon ng French classical opera at theater dramaturgy.

1900-1918 – ang rurok ng malikhaing pamumulaklak ni Debussy. Aktibidad na kritikal sa musika. Ilang sandali bago ang produksyon ng Pelléas, isang makabuluhang kaganapan ang naganap sa buhay ni Debussy - mula 1901 siya ay naging isang propesyonal na kritiko ng musika. Ang bagong aktibidad na ito para sa kanya ay nagpatuloy nang paulit-ulit noong 1901, 1903 at 1912-1914. Ang pinakamahalagang artikulo at pahayag ni Debussy ay nakolekta niya noong 1914 sa aklat na "Mr. Si Krosh ay isang anti-amateur”. Ang kritikal na aktibidad ay nag-ambag sa pagbuo ng mga aesthetic view ni Debussy, ang kanyang artistikong pamantayan. Ito ay nagpapahintulot sa amin na hatulan ang napaka-progresibong pananaw ng kompositor sa mga gawain ng sining sa artistikong pagbuo ng mga tao, sa kanyang saloobin sa klasikal at modernong sining. Kasabay nito, hindi ito walang isang panig at hindi pagkakapare-pareho sa pagtatasa ng iba't ibang mga phenomena at sa mga aesthetic na paghuhusga.

Masigasig na sinasalungat ni Debussy ang prejudice, kamangmangan at dilettantism na nangingibabaw sa kontemporaryong kritisismo. Ngunit tumututol din si Debussy sa isang eksklusibong pormal, teknikal na pagsusuri kapag sinusuri ang isang gawaing pangmusika. Ipinagtanggol niya bilang pangunahing kalidad at dignidad ng kritisismo - ang paghahatid ng "tapat, totoo at taos-pusong mga impresyon." Ang pangunahing gawain ng pagpuna ni Debussy ay ang paglaban sa "akademismo" ng mga opisyal na institusyon ng France noong panahong iyon. Naglalagay siya ng matalas at mapang-akit, higit sa lahat ay patas na mga pahayag tungkol sa Grand Opera, kung saan "ang pinakamabuting hangarin ay binasag laban sa isang malakas at hindi masisira na pader ng matigas na pormalismo na hindi nagpapahintulot sa anumang uri ng maliwanag na sinag na tumagos."

Ang kanyang mga aesthetic na prinsipyo at pananaw ay lubos na malinaw na ipinahayag sa mga artikulo at libro ni Debussy. Ang isa sa pinakamahalaga ay ang layunin ng kompositor na saloobin sa mundo sa paligid niya. Nakikita niya ang pinagmulan ng musika sa kalikasan: "Ang musika ay pinakamalapit sa kalikasan ...". "Tanging mga musikero ang may pribilehiyong yakapin ang tula ng gabi at araw, lupa at langit - nililikha ang kapaligiran at ritmo ng marilag na panginginig ng kalikasan." Ang mga salitang ito ay walang alinlangan na nagpapakita ng isang tiyak na pagkakaisa ng mga aesthetic na pananaw ng kompositor sa eksklusibong papel ng musika sa iba pang mga anyo ng sining.

Kasabay nito, sinabi ni Debussy na ang sining ay hindi dapat nakakulong sa isang makitid na bilog ng mga ideya na naa-access sa isang limitadong bilang ng mga tagapakinig: "Ang gawain ng kompositor ay hindi upang aliwin ang isang dakot ng "napaliwanagan" na mga mahilig sa musika o mga espesyalista. Nakakagulat na napapanahon ang mga pahayag ni Debussy tungkol sa pagkasira ng mga pambansang tradisyon sa sining ng Pransya sa simula ng ika-XNUMX na siglo: "Maaari lamang na ikinalulungkot ng isang tao na ang musika ng Pransya ay sumunod sa mga landas na mapanlinlang na umakay dito mula sa mga natatanging katangian ng karakter ng Pranses bilang kalinawan ng pagpapahayag. , katumpakan at katatagan ng anyo.” Kasabay nito, si Debussy ay laban sa mga pambansang limitasyon sa sining: "Ako ay lubos na pamilyar sa teorya ng libreng pagpapalitan sa sining at alam ko kung ano ang mahalagang mga resulta na naidulot nito." Ang kanyang masigasig na propaganda ng Russian musical art sa France ay ang pinakamahusay na patunay ng teoryang ito.

Ang gawain ng mga pangunahing kompositor ng Ruso - Borodin, Balakirev, at lalo na sina Mussorgsky at Rimsky-Korsakov - ay malalim na pinag-aralan ni Debussy noong dekada 90 at nagkaroon ng tiyak na impluwensya sa ilang aspeto ng kanyang istilo. Labis na humanga si Debussy sa kinang at makulay na kagandahan ng orkestra na pagsulat ni Rimsky-Korsakov. "Walang makakapaghatid ng kagandahan ng mga tema at ang nakakasilaw ng orkestra," isinulat ni Debussy tungkol sa Antar symphony ni Rimsky-Korsakov. Sa mga symphonic na gawa ni Debussy, mayroong mga diskarte sa orkestra na malapit sa Rimsky-Korsakov, lalo na, isang predilection para sa "purong" timbre, isang espesyal na katangian ng paggamit ng mga indibidwal na instrumento, atbp.

Sa mga kanta ni Mussorgsky at sa opera na si Boris Godunov, pinahahalagahan ni Debussy ang malalim na sikolohikal na kalikasan ng musika, ang kakayahang ihatid ang lahat ng kayamanan ng espirituwal na mundo ng isang tao. "Wala pang sinuman ang bumaling sa pinakamahusay sa amin, sa mas malambot at malalim na damdamin," makikita natin sa mga pahayag ng kompositor. Kasunod nito, sa isang bilang ng mga vocal compositions ni Debussy at sa opera na Pelléas et Mélisande, madarama ng isa ang impluwensya ng sobrang nagpapahayag at nababaluktot na melodic na wika ni Mussorgsky, na naghahatid ng mga banayad na lilim ng buhay na pananalita ng tao sa tulong ng melodic recitative.

Ngunit napansin lamang ni Debussy ang ilang mga aspeto ng estilo at pamamaraan ng pinakadakilang mga artista ng Russia. Siya ay dayuhan sa mga demokratiko at panlipunang mga tendensiyang akusatoryo sa gawain ni Mussorgsky. Si Debussy ay malayo sa malalim na makatao at pilosopiko na makabuluhang mga plot ng mga opera ni Rimsky-Korsakov, mula sa pare-pareho at hindi mapaghihiwalay na koneksyon sa pagitan ng mga gawa ng mga kompositor na ito at mga katutubong pinagmulan.

Ang mga tampok ng panloob na hindi pagkakapare-pareho at ilang isang panig sa kritikal na aktibidad ni Debussy ay ipinakita sa kanyang halatang pagmamaliit sa makasaysayang papel at artistikong kahalagahan ng gawain ng mga naturang kompositor gaya ng Handel, Gluck, Schubert, Schumann.

Sa kanyang mga kritikal na pahayag, minsan ay kumuha si Debussy ng mga idealistikong posisyon, na nangangatwiran na "ang musika ay isang mahiwagang matematika, na ang mga elemento ay kasangkot sa kawalang-hanggan."

Sa pagsasalita sa isang bilang ng mga artikulo bilang suporta sa ideya ng paglikha ng isang katutubong teatro, halos sabay na ipinahayag ni Debussy ang kabalintunaan na ideya na "ang mataas na sining ay ang tadhana ng espirituwal na aristokrasya lamang." Ang kumbinasyong ito ng mga demokratikong pananaw at kilalang aristokrasya ay napaka tipikal ng French artistic intelligentsia sa pagpasok ng ika-XNUMX at ika-XNUMX na siglo.

Ang 1900s ay ang pinakamataas na yugto sa malikhaing aktibidad ng kompositor. Ang mga gawang nilikha ni Debussy sa panahong ito ay nagsasalita ng mga bagong uso sa pagkamalikhain at, una sa lahat, ang pag-alis ni Debussy mula sa aesthetics ng simbolismo. Parami nang parami ang kompositor ay naaakit ng mga eksena sa genre, mga larawang pangmusika at mga larawan ng kalikasan. Kasama ng mga bagong tema at plot, lumilitaw ang mga tampok ng isang bagong istilo sa kanyang trabaho. Ang katibayan nito ay ang mga gawang piano gaya ng "An Evening in Grenada" (1902), "Gardens in the Rain" (1902), "Island of Joy" (1904). Sa mga komposisyong ito, nakahanap si Debussy ng isang malakas na koneksyon sa mga pambansang pinagmulan ng musika (sa "An Evening in Grenada" - kasama ang Spanish folklore), pinapanatili ang genre na batayan ng musika sa isang uri ng repraksyon ng sayaw. Sa kanila, higit na pinalawak ng kompositor ang saklaw ng makulay na timbre at teknikal na kakayahan ng piano. Gumagamit siya ng pinakamagagandang gradasyon ng mga dynamic na kulay sa loob ng iisang sound layer o pinagtutugma ang matatalim na dynamic na contrast. Ang ritmo sa mga komposisyong ito ay nagsisimulang gumanap ng lalong nagpapahayag na papel sa paglikha ng isang masining na imahe. Minsan ito ay nagiging flexible, libre, halos improvisational. Kasabay nito, sa mga gawa ng mga taong ito, inihayag ni Debussy ang isang bagong pagnanais para sa isang malinaw at mahigpit na ritmikong organisasyon ng kabuuan ng komposisyon sa pamamagitan ng paulit-ulit na pag-uulit ng isang maindayog na "core" sa buong trabaho o sa malaking seksyon nito (prelude in A minor, "Mga Hardin sa Ulan", "Gabi sa Grenada", kung saan ang ritmo ng habanera ay ang "core" ng buong komposisyon).

Ang mga gawa ng panahong ito ay nakikilala sa pamamagitan ng isang nakakagulat na buong dugo na pang-unawa sa buhay, matapang na binalangkas, halos nakikita sa paningin, mga imahe na nakapaloob sa isang maayos na anyo. Ang "impressionism" ng mga gawang ito ay nasa mas mataas na kahulugan ng kulay, sa paggamit ng makulay na harmonic na "glare and spots", sa banayad na paglalaro ng mga timbre. Ngunit ang pamamaraan na ito ay hindi lumalabag sa integridad ng musikal na pang-unawa ng imahe. Nagbibigay lamang ito ng mas maraming umbok.

Kabilang sa mga symphonic na gawa na nilikha ni Debussy noong 900s, ang "Sea" (1903-1905) at "Images" (1909) ay namumukod-tangi, na kinabibilangan ng sikat na "Iberia".

Ang suite na "Dagat" ay binubuo ng tatlong bahagi: "Sa dagat mula madaling araw hanggang tanghali", "Ang paglalaro ng mga alon" at "Ang pag-uusap ng hangin sa dagat". Ang mga imahe ng dagat ay palaging nakakaakit ng atensyon ng mga kompositor ng iba't ibang uso at pambansang paaralan. Maraming mga halimbawa ng mga programmatic symphonic na gawa sa mga temang "marine" ng mga kompositor sa Kanlurang Europa ay maaaring banggitin (ang overture na "Fingal's Cave" ni Mendelssohn, mga symphonic na episode mula sa "The Flying Dutchman" ni Wagner, atbp.). Ngunit ang mga larawan ng dagat ay pinaka-malinaw at ganap na natanto sa musikang Ruso, lalo na sa Rimsky-Korsakov (ang symphonic na larawang Sadko, ang opera ng parehong pangalan, ang Scheherazade suite, ang intermission sa ikalawang yugto ng opera The Tale of Tsar Saltan),

Hindi tulad ng mga orkestra na gawa ni Rimsky-Korsakov, itinakda ni Debussy sa kanyang trabaho ang hindi isang balangkas, ngunit mga nakalarawan at makulay na gawain lamang. Hinahangad niyang ihatid sa pamamagitan ng musika ang pagbabago ng mga epekto ng liwanag at mga kulay sa dagat sa iba't ibang oras ng araw, ang iba't ibang estado ng dagat - mahinahon, nabalisa at mabagyo. Sa pang-unawa ng kompositor sa mga kuwadro na gawa ng dagat, walang ganap na mga motibo na maaaring magbigay ng isang misteryo ng takip-silim sa kanilang pangkulay. Ang Debussy ay pinangungunahan ng maliwanag na sikat ng araw, mga full-blooded na kulay. Ang kompositor ay matapang na gumagamit ng parehong mga ritmo ng sayaw at malawak na epikong kaakit-akit upang maihatid ang mga imaheng pangmusika ng lunas.

Sa unang bahagi, isang larawan ng dahan-dahang tahimik na paggising ng dagat sa madaling araw, ang tamad na pag-uurong ng mga alon, ang liwanag ng mga unang sinag ng araw sa mga ito. Ang orkestra na simula ng kilusang ito ay lalo na makulay, kung saan, laban sa background ng "kaluskos" ng timpani, ang "drip" octaves ng dalawang alpa at ang "frozen" tremolo violin sa mataas na rehistro, maikling melodic na parirala mula sa oboe lumilitaw na parang liwanag ng araw sa mga alon. Ang hitsura ng isang ritmo ng sayaw ay hindi sumisira sa kagandahan ng kumpletong kapayapaan at panaginip na pagmumuni-muni.

Ang pinaka-dynamic na bahagi ng trabaho ay ang pangatlo - "Ang Pag-uusap ng Hangin sa Dagat". Mula sa hindi gumagalaw, nagyelo na larawan ng isang kalmadong dagat sa simula ng bahagi, nakapagpapaalaala sa una, isang larawan ng isang bagyo ang bumungad. Ginagamit ni Debussy ang lahat ng paraan ng musika para sa dinamiko at matinding pag-unlad - melodic-rhythmic, dynamic at lalo na orkestra.

Sa simula ng paggalaw, maririnig ang mga maikling motif na nagaganap sa anyo ng isang dialogue sa pagitan ng mga cello na may double bass at dalawang obo laban sa background ng muffled sonority ng bass drum, timpani at tom-tom. Bilang karagdagan sa unti-unting koneksyon ng mga bagong grupo ng orkestra at isang pare-parehong pagtaas sa sonority, ginagamit ni Debussy ang prinsipyo ng ritmikong pag-unlad dito: nagpapakilala ng higit pa at higit pang mga bagong ritmo ng sayaw, binababad niya ang tela ng trabaho na may nababaluktot na kumbinasyon ng ilang ritmikong mga pattern.

Ang pagtatapos ng buong komposisyon ay nakikita hindi lamang bilang isang pagsasaya ng elemento ng dagat, ngunit bilang isang masigasig na himno sa dagat, ang araw.

Karamihan sa makasagisag na istraktura ng "Dagat", ang mga prinsipyo ng orkestra, ay naghanda ng hitsura ng symphonic na piraso na "Iberia" - isa sa pinakamahalaga at orihinal na mga gawa ng Debussy. Tinatamaan nito ang pinakamalapit na koneksyon sa buhay ng mga Espanyol, ang kanilang kultura ng kanta at sayaw. Noong 900s, ilang beses na bumaling si Debussy sa mga paksang nauugnay sa Spain: "An Evening in Grenada", ang preludes na "Gate of the Alhambra" at "The Interrupted Serenade". Ngunit ang "Iberia" ay kabilang sa pinakamahusay na mga gawa ng mga kompositor na gumuhit mula sa hindi mauubos na tagsibol ng katutubong musika ng Espanyol (Glinka sa "Aragonese Jota" at "Mga Gabi sa Madrid", Rimsky-Korsakov sa "Spanish Capriccio", Bizet sa "Carmen", Ravel sa "Bolero" at isang trio, hindi banggitin ang mga Espanyol na kompositor na sina de Falla at Albeniz).

Ang "Iberia" ay binubuo ng tatlong bahagi: "Sa mga lansangan at kalsada ng Espanya", "Mga pabango ng gabi" at "Umaga ng holiday". Ang ikalawang bahagi ay nagpapakita ng mga paboritong pictorial painting ng kalikasan ni Debussy, na puno ng isang espesyal, maanghang na aroma ng Spanish night, "nakasulat" na may banayad na pictorialism ng kompositor, isang mabilis na pagbabago ng pagkutitap at nawawalang mga imahe. Ang una at ikatlong bahagi ay nagpinta ng mga larawan ng buhay ng mga tao sa Espanya. Partikular na makulay ang ikatlong bahagi, na naglalaman ng malaking bilang ng iba't ibang kanta at sayaw na mga melodies ng Espanyol, na lumikha ng isang buhay na buhay na larawan ng isang makulay na katutubong holiday sa pamamagitan ng mabilis na pagbabago sa bawat isa. Sinabi ito ng pinakadakilang kompositor na Espanyol na si de Falla tungkol sa Iberia: “Ang alingawngaw ng nayon sa anyo ng pangunahing motibo ng buong akda (“Sevillana”) ay tila kumikislap sa malinaw na hangin o sa nanginginig na liwanag. Ang nakalalasing na salamangka ng mga gabi ng Andalusian, ang kasiglahan ng maligayang pulutong, na sumasayaw sa mga tunog ng mga chord ng "gang" ng mga gitarista at bandurist ... - lahat ng ito ay nasa isang ipoipo sa hangin, na ngayon ay papalapit, pagkatapos ay urong. , at ang aming patuloy na pagpupuyat na imahinasyon ay nabubulag ng makapangyarihang mga birtud ng marubdob na nagpapahayag na musika na may mayaman nitong mga nuances.”

Ang huling dekada sa buhay ni Debussy ay nakikilala sa pamamagitan ng walang humpay na malikhain at gumaganap na aktibidad hanggang sa pagsiklab ng Unang Digmaang Pandaigdig. Ang mga paglalakbay sa konsyerto bilang isang konduktor sa Austria-Hungary ay nagdala ng katanyagan ng kompositor sa ibang bansa. Lalo siyang magiliw na tinanggap sa Russia noong 1913. Malaki ang tagumpay ng mga konsyerto sa St. Petersburg at Moscow. Ang personal na pakikipag-ugnayan ni Debussy sa maraming musikero ng Russia ay higit na nagpalakas sa kanyang attachment sa kulturang musikal ng Russia.

Ang simula ng digmaan ay naging sanhi ng pagbangon ni Debussy sa damdaming makabayan. Sa mga naka-print na pahayag, mariin niyang tinawag ang kanyang sarili: "Si Claude Debussy ay isang Pranses na musikero." Ang ilang mga gawa sa mga taong ito ay inspirasyon ng makabayang tema: "Heroic Lullaby", ang kantang "Christmas of Homeless Children"; sa suite para sa dalawang piano na "White and Black" Nais iparating ni Debussy ang kanyang mga impresyon sa mga kakila-kilabot ng imperyalistang digmaan. Ang Ode sa France at ang cantata na si Joan of Arc ay nanatiling hindi natupad.

Sa gawain ni Debussy sa mga nakaraang taon, makakahanap ang isang tao ng iba't ibang genre na hindi pa niya nakatagpo noon. Sa chamber vocal music, nakita ni Debussy ang isang affinity para sa lumang French na tula nina Francois Villon, Charles ng Orleans at iba pa. Sa mga makata na ito, nais niyang makahanap ng pagmumulan ng pag-renew ng paksa at kasabay nito ay nagbibigay pugay sa lumang sining ng Pransya na dati niyang minamahal. Sa larangan ng chamber instrumental music, si Debussy ay nag-isip ng isang cycle ng anim na sonata para sa iba't ibang instrumento. Sa kasamaang palad, tatlo lang ang nagawa niyang isulat – isang sonata para sa cello at piano (1915), isang sonata para sa plauta, alpa at byola (1915) at isang sonata para sa biyolin at piano (1916-1917). Sa mga komposisyong ito, sinusunod ni Debussy ang mga prinsipyo ng komposisyon ng suite sa halip na komposisyon ng sonata, sa gayon ay muling binubuhay ang mga tradisyon ng mga kompositor ng Pranses noong ika-XNUMX na siglo. Kasabay nito, ang mga komposisyon na ito ay nagpapatotoo sa walang humpay na paghahanap para sa mga bagong masining na pamamaraan, makulay na kumbinasyon ng kulay ng mga instrumento (sa sonata para sa plauta, alpa at viola).

Lalo na mahusay ang mga artistikong tagumpay ni Debussy sa huling dekada ng kanyang buhay sa gawaing piano: "Children's Corner" (1906-1908), "Toy Box" (1910), dalawampu't apat na prelude (1910 at 1913), "Six Antique Epigraphs" sa apat na kamay (1914), labindalawang pag-aaral (1915).

Ang piano suite na "Children's Corner" ay nakatuon sa anak ni Debussy. Ang pagnanais na ipakita ang mundo sa musika sa pamamagitan ng mga mata ng isang bata sa kanyang karaniwang mga imahe - isang mahigpit na guro, isang manika, isang maliit na pastol, isang laruang elepante - ay ginagawang malawakang ginagamit ni Debussy ang parehong pang-araw-araw na sayaw at mga genre ng kanta, at mga genre ng propesyonal na musika sa isang kakatuwa, caricatured na anyo – isang oyayi sa “The Elephant's Lullaby ”, isang himig ng pastol sa “The Little Shepherd”, isang cake-walk na sayaw na uso noong panahong iyon, sa dulang may parehong pangalan. Sa tabi nila, ang isang tipikal na pag-aaral sa "Doctor Gradus ad Parnassum" ay nagpapahintulot kay Debussy na lumikha ng imahe ng isang pedant-teacher at isang bored na estudyante sa pamamagitan ng malambot na karikatura.

Ang labindalawang etudes ni Debussy ay konektado sa kanyang pangmatagalang mga eksperimento sa larangan ng piano style, ang paghahanap ng mga bagong uri ng piano technique at paraan ng pagpapahayag. Ngunit kahit na sa mga gawaing ito, nagsusumikap siyang lutasin hindi lamang puro birtuoso, kundi pati na rin ang mga maayos na problema (ang ikasampung etude ay tinatawag na: "Para sa magkakaibang mga sonoridad"). Sa kasamaang palad, hindi lahat ng mga sketch ni Debussy ay nagawang isama ang masining na konsepto. Ang ilan sa kanila ay pinangungunahan ng isang nakabubuo na prinsipyo.

Dalawang notebook ng kanyang mga preludes para sa piano ay dapat ituring na isang karapat-dapat na konklusyon sa buong malikhaing landas ng Debussy. Dito, tulad nito, ang pinaka-katangian at tipikal na aspeto ng artistikong pananaw sa mundo, malikhaing pamamaraan at istilo ng kompositor ay puro. Ang cycle ay naglalaman ng buong hanay ng matalinghaga at patula na globo ng akda ni Debussy.

Hanggang sa mga huling araw ng kanyang buhay (namatay siya noong Marso 26, 1918 sa panahon ng pambobomba ng mga Aleman sa Paris), sa kabila ng isang malubhang sakit, hindi itinigil ni Debussy ang kanyang malikhaing paghahanap. Nakahanap siya ng mga bagong tema at plot, bumaling sa mga tradisyonal na genre, at nire-refract ang mga ito sa kakaibang paraan. Ang lahat ng mga paghahanap na ito ay hindi kailanman nabubuo sa Debussy sa mismong katapusan - "ang bago para sa kapakanan ng bago." Sa mga gawa at kritikal na pahayag ng mga nagdaang taon tungkol sa gawain ng iba pang mga kontemporaryong kompositor, walang humpay niyang tinututulan ang kakulangan ng nilalaman, mga pagkasalimuot ng anyo, sinasadyang pagiging kumplikado ng wikang musikal, katangian ng maraming kinatawan ng modernistang sining ng Kanlurang Europa noong huling bahagi ng ika-XNUMX. at unang bahagi ng ika-XNUMX siglo. Tama ang sinabi niya: “Bilang pangkalahatang tuntunin, ang anumang intensyon na gawing kumplikado ang anyo at damdamin ay nagpapakita na ang may-akda ay walang masasabi.” "Nagiging mahirap ang musika sa tuwing wala ito." Ang masigla at malikhaing pag-iisip ng kompositor ay walang sawang naghahanap ng mga koneksyon sa buhay sa pamamagitan ng mga musikal na genre na hindi napipigilan ng tuyong akademya at dekadenteng pagiging sopistikado. Ang mga adhikaing ito ay hindi nakatanggap ng tunay na pagpapatuloy mula kay Debussy dahil sa isang tiyak na ideolohikal na limitasyon ng burges na kapaligiran sa panahon ng krisis na ito, dahil sa kakitiran ng mga malikhaing interes, na katangian maging ng mga pangunahing artista tulad niya.

B. Ionin

• Piano works ni Debussy →
• Symphonic na gawa ng Debussy →
• French musical impressionism →

Mga Komposisyon:

opera – Rodrigue at Jimena (1891-92, hindi nagwakas), Pelléas at Mélisande (lyrical drama pagkatapos ng M. Maeterlinck, 1893-1902, itinanghal noong 1902, Opera Comic, Paris); ballets – Mga Laro (Jeux, lib. V. Nijinsky, 1912, post. 1913, tr Champs Elysees, Paris), Kamma (Khamma, 1912, piano score; inayos ni Ch. Kouklen, final performance 1924, Paris), Toy Box (La boîte à joujoux, ballet ng mga bata, 1913, inayos para sa 2 fp., na inayos ni A. Caplet, c. 1923); para sa mga soloista, koro at orkestra – Daniel (cantata, 1880-84), Spring (Printemps, 1882), Call (Invocation, 1883; preserved piano and vocal parts), Prodigal Son (L'enfant prodigue, lyrical scene, 1884), Diana in the forest (cantata , batay sa kabayanihang komedya ni T. de Banville, 1884-1886, hindi natapos), The Chosen One (La damoiselle élue, lyric poem, batay sa balangkas ng tula ng English poet na si DG Rossetti, French translation ni G. Sarrazin, 1887-88), Ode to France (Ode à la France, cantata, 1916-17, hindi natapos, pagkamatay ni Debussy ang mga sketch ay nakumpleto at nai-print ni MF Gaillard); para sa orkestra – The Triumph of Bacchus (divertimento, 1882), Intermezzo (1882), Spring (Printemps, symphonic suite sa 2 o'clock, 1887; muling inayos ayon sa mga tagubilin ni Debussy, French composer at conductor A. Busset, 1907) , Prelude to the Afternoon of a Faun (Prélude à l'après-midi d'un faune, batay sa eclogue ng parehong pangalan ni S. Mallarme, 1892-94), Nocturnes: Clouds, Festivities, Sirens (Nocturnes: Nuages , Fêtes; Sirènes, kasama ang koro ng kababaihan; 1897-99 ), The Sea (La mer, 3 symphonic sketches, 1903-05), Mga Larawan: Gigues (orchestration na natapos ni Caplet), Iberia, Spring Dances (Mga Larawan: Gigues, Ibéria, Rondes de printemps, 1906-12); para sa instrumento at orkestra — Suite para sa cello (Intermezzo, c. 1880-84), Fantasia para sa piano (1889-90), Rhapsody para sa saxophone (1903-05, hindi natapos, natapos ni JJ Roger-Ducas, publ. 1919), Mga Sayaw (para sa alpa na may string orchestra, 1904), First Rhapsody para sa clarinet (1909-10, orihinal na para sa clarinet at piano); kamara instrumental ensembles – piano trio (G-dur, 1880), string quartet (g-moll, op. 10, 1893), sonata para sa flute, viola at alpa (1915), sonata para sa cello at piano (d-moll, 1915), sonata para sa biyolin at piano (g-moll, 1916); para sa piano 2 na kamay – Gypsy dance (Danse bohémienne, 1880), Two arabesques (1888), Bergamas suite (1890-1905), Dreams (Rêverie), Ballad (Ballade slave), Dance (Styrian tarantella), Romantic waltz, Nocturne, Mazurka (lahat ng 6 plays – 1890), Suite (1901), Prints (1903), Island of Joy (L'isle joyeuse, 1904), Masks (Masques, 1904), Mga Larawan (Mga Larawan, 1st series, 1905; 2nd series, 1907 ), Children's Corner (Children's corner, piano suite, 1906-08), Twenty-Four Preludes (1st notebook, 1910; 2nd notebook, 1910-13), Heroic lullaby (Berceuse héroïque, 1914; orchestral edition, 1914 ), Twelve Studies (1915) at iba pa; para sa piano 4 na kamay – Divertimento and Andante cantabile (c. 1880), symphony (h-moll, 1 hour, 1880, found and published in Moscow, 1933), Little Suite (1889), Scottish March on a Folk Theme (Marche écossaise sur un thème populaire , 1891, na-transcribe din para sa symphonic orchestra ni Debussy), Six Antique Epigraphs (Six épigraphes antiques, 1914), atbp.; para sa 2 piano 4 na kamay – Lindaraja (Lindaraja, 1901), Sa puti at itim (En blanc et noir, suite ng 3 piraso, 1915); para sa plauta – Pan's flute (Syrinx, 1912); para sa isang cappella choir – Tatlong kanta ni Charles d'Orleans (1898-1908); para sa boses at piano – Mga awit at romansa (liriko ni T. de Banville, P. Bourget, A. Musset, M. Bouchor, c. 1876), Tatlong romansa (liriko ni L. de Lisle, 1880-84), Limang tula ni Baudelaire (1887 - 89), Forgotten ariettes (Ariettes oubliées, lyrics by P. Verlaine, 1886-88), Two romances (words by Bourget, 1891), Three melodies (words by Verlaine, 1891), Lyric prose (Proses lyriques, lyrics by D . , 1892-93), Mga Kanta ng Bilitis (Chansons de Bilitis, lyrics ni P. Louis, 1897), Three Songs of France (Trois chansons de France, lyrics ni C. Orleans at T. Hermite, 1904), Three ballads on ang lyrics. F. Villon (1910), Tatlong tula ni S. Mallarmé (1913), Pasko ng mga batang wala nang masisilungan (Noël des enfants qui n'ont plus de maison, lyrics ni Debussy, 1915), atbp.; musika para sa mga palabas sa teatro ng drama – King Lear (mga sketch at sketch, 1897-99), The Martyrdom of St. Sebastian (musika para sa oratorio-misteryo ng parehong pangalan ni G. D'Annunzio, 1911); transcript – gawa ni KV Gluck, R. Schumann, C. Saint-Saens, R. Wagner, E. Satie, PI Tchaikovsky (3 sayaw mula sa ballet na "Swan Lake"), atbp.