Dmitry Dmitrievich Shostakovich |
Dmitri Shostakovich
Ang D. Shostakovich ay isang klasikong musika ng ika-XNUMX siglo. Wala sa mga dakilang panginoon nito ang napakalapit na konektado sa mahirap na kapalaran ng kanyang sariling bansa, hindi maipahayag ang sumisigaw na mga kontradiksyon ng kanyang panahon nang may gayong puwersa at pagsinta, suriin ito ng isang malupit na moral na paghatol. Ito ay sa pakikipagsabwatan ng kompositor sa sakit at problema ng kanyang mga tao na ang pangunahing kahalagahan ng kanyang kontribusyon sa kasaysayan ng musika sa siglo ng mga digmaang pandaigdig at mga enggrandeng panlipunang kaguluhan ay namamalagi, na hindi pa alam ng sangkatauhan.
Si Shostakovich ay likas na isang artista ng unibersal na talento. Walang kahit isang genre kung saan hindi niya sinabi ang kanyang mabigat na salita. Nakipag-ugnayan siya sa uri ng musika na kung minsan ay mayabang na tinatrato ng mga seryosong musikero. Siya ang may-akda ng isang bilang ng mga kanta na kinuha ng masa ng mga tao, at hanggang ngayon ang kanyang makikinang na mga adaptasyon ng sikat at jazz na musika, na kung saan siya ay lalo na mahilig sa panahon ng pagbuo ng estilo - sa 20- 30s, kasiyahan. Ngunit ang pangunahing larangan ng aplikasyon ng mga malikhaing pwersa para sa kanya ay ang symphony. Hindi dahil ang ibang mga genre ng seryosong musika ay ganap na dayuhan sa kanya - pinagkalooban siya ng isang hindi maunahang talento bilang isang tunay na kompositor sa teatro, at ang trabaho sa cinematography ay nagbigay sa kanya ng pangunahing paraan ng pamumuhay. Ngunit ang bastos at hindi patas na panunumbat na ginawa noong 1936 sa editoryal ng pahayagan ng Pravda sa ilalim ng pamagat na "Muddle sa halip na musika" ay nagpapahina sa kanya na makisali sa genre ng opera sa mahabang panahon - ang mga pagtatangka na ginawa (ang opera na "Mga Manlalaro" ni N. Gogol) ay nanatiling hindi natapos, at ang mga plano ay hindi pumasa sa yugto ng pagpapatupad.
Marahil ito mismo ang naging epekto ng mga ugali ng personalidad ni Shostakovich - sa likas na katangian ay hindi siya hilig sa mga bukas na paraan ng pagpapahayag ng protesta, madali siyang sumuko sa mga matigas na ulo dahil sa kanyang espesyal na katalinuhan, delicacy at kawalan ng pagtatanggol laban sa bastos na arbitrariness. Ngunit ito ay sa buhay lamang - sa kanyang sining ay tapat siya sa kanyang malikhaing mga prinsipyo at iginiit ang mga ito sa genre kung saan naramdaman niyang ganap na malaya. Samakatuwid, ang konseptwal na symphony ay naging sentro ng mga paghahanap ni Shostakovich, kung saan maaari niyang hayagang sabihin ang katotohanan tungkol sa kanyang oras nang walang kompromiso. Gayunpaman, hindi siya tumanggi na lumahok sa mga artistikong negosyo na ipinanganak sa ilalim ng presyon ng mahigpit na mga kinakailangan para sa sining na ipinataw ng command-administrative system, tulad ng pelikula ni M. Chiaureli "The Fall of Berlin", kung saan ang walang pigil na papuri sa kadakilaan at ang karunungan ng “ama ng mga bansa” ay umabot sa sukdulang limitasyon. Ngunit ang pakikilahok sa ganitong uri ng mga monumento ng pelikula, o iba pa, kung minsan kahit na ang mga mahuhusay na gawa na binaluktot ang makasaysayang katotohanan at lumikha ng isang alamat na nakalulugod sa pamumuno sa politika, ay hindi naprotektahan ang artista mula sa malupit na paghihiganti na ginawa noong 1948. Ang nangungunang ideologo ng rehimeng Stalinist , A. Zhdanov, inulit ang magaspang na pag-atake na nilalaman sa isang lumang artikulo sa pahayagan ng Pravda at inakusahan ang kompositor, kasama ang iba pang mga masters ng musikang Sobyet noong panahong iyon, ng pagsunod sa anti-people formalism.
Kasunod nito, sa panahon ng "thaw" ng Khrushchev, ang mga naturang singil ay ibinaba at ang mga natitirang gawa ng kompositor, ang pampublikong pagganap na kung saan ay ipinagbawal, ay natagpuan ang kanilang paraan sa nakikinig. Ngunit ang drama ng personal na kapalaran ng kompositor, na nakaligtas sa isang panahon ng hindi matuwid na pag-uusig, ay nag-iwan ng isang hindi maalis na bakas sa kanyang pagkatao at tinukoy ang direksyon ng kanyang malikhaing paghahanap, na tinutugunan ang mga problemang moral ng pagkakaroon ng tao sa lupa. Ito ay at nananatiling pangunahing bagay na nagpapakilala kay Shostakovich sa mga tagalikha ng musika noong ika-XNUMX na siglo.
Ang kanyang landas sa buhay ay hindi mayaman sa mga pangyayari. Matapos makapagtapos mula sa Leningrad Conservatory na may napakatalino na pasinaya - ang kahanga-hangang First Symphony, sinimulan niya ang buhay ng isang propesyonal na kompositor, una sa lungsod sa Neva, pagkatapos ay sa panahon ng Great Patriotic War sa Moscow. Ang kanyang aktibidad bilang isang guro sa conservatory ay medyo maikli - iniwan niya ito nang labag sa kanyang kalooban. Ngunit hanggang ngayon, napanatili ng kanyang mga mag-aaral ang memorya ng mahusay na master, na gumanap ng isang mapagpasyang papel sa pagbuo ng kanilang pagkamalikhain. Nasa First Symphony (1925), ang dalawang katangian ng musika ni Shostakovich ay malinaw na nakikita. Isa sa mga ito ay makikita sa pagbuo ng isang bagong instrumental na istilo na may likas na kadalian, kadalian ng kumpetisyon ng mga instrumento ng konsiyerto. Ang isa pa ay nagpakita ng sarili sa isang patuloy na pagnanais na bigyan ang musika ng pinakamataas na kahulugan, upang ipakita ang isang malalim na konsepto ng pilosopikal na kahalagahan sa pamamagitan ng symphonic genre.
Marami sa mga gawa ng kompositor na sumunod sa isang napakatalino na simula ay sumasalamin sa hindi mapakali na kapaligiran ng panahon, kung saan ang bagong istilo ng panahon ay nabuo sa pakikibaka ng magkasalungat na mga saloobin. Kaya sa Pangalawa at Ikatlong Symphonies ("Oktubre" - 1927, "May Day" - 1929) si Shostakovich ay nagbigay pugay sa poster ng musika, malinaw na ipinakita nila ang impluwensya ng martial, propaganda art ng 20s. (Ito ay hindi nagkataon na ang kompositor ay kasama sa kanila ang mga choral fragment sa mga tula ng mga batang makata na sina A. Bezymensky at S. Kirsanov). Kasabay nito, nagpakita rin sila ng isang matingkad na theatricality, na nakakabighani sa mga produksyon ng E. Vakhtangov at Vs. Meyerhold. Ang kanilang mga pagtatanghal ang nakaimpluwensya sa istilo ng unang opera ni Shostakovich na The Nose (1928), batay sa sikat na kuwento ni Gogol. Dito nagmumula hindi lamang matalas na panunudyo, parody, na umaabot sa katawa-tawa sa paglalarawan ng mga indibidwal na karakter at mapanlinlang, mabilis na nagpapanic at mabilis na husgahan ang karamihan, kundi pati na rin ang matinding intonasyon ng "tawa sa pamamagitan ng luha", na tumutulong sa atin na makilala ang isang tao. kahit na sa isang bulgar at isang sadyang nonentity, tulad ng pangunahing Kovalev ni Gogol.
Ang estilo ni Shostakovich ay hindi lamang sumisipsip ng mga impluwensyang nagmumula sa karanasan ng kulturang pangmusika ng mundo (narito ang pinakamahalaga para sa kompositor ay sina M. Mussorgsky, P. Tchaikovsky at G. Mahler), ngunit nasisipsip din ang mga tunog ng buhay musikal noon – na sa pangkalahatan naa-access na kultura ng "magaan" na genre na nangibabaw sa isipan ng masa. Ang saloobin ng kompositor tungkol dito ay ambivalent - kung minsan ay pinalalaki niya, pinapatawa ang mga katangian ng mga naka-istilong kanta at sayaw, ngunit sa parehong oras ay nagpapalaki sa kanila, itinaas ang mga ito sa taas ng tunay na sining. Ang saloobin na ito ay lalo na binibigkas sa mga unang ballet na The Golden Age (1930) at The Bolt (1931), sa First Piano Concerto (1933), kung saan ang solong trumpeta ay naging isang karapat-dapat na karibal sa piano kasama ang orkestra, at sa kalaunan sa ang scherzo at ang finale ng Sixth symphony (1939). Ang makikinang na birtuosidad, walang habas na mga eccentric ay pinagsama sa komposisyong ito na may taos-pusong mga liriko, kamangha-manghang pagiging natural ng deployment ng "walang katapusang" melody sa unang bahagi ng symphony.
At sa wakas, hindi mabibigo ang isang tao na banggitin ang kabilang panig ng malikhaing aktibidad ng batang kompositor - nagtrabaho siya nang husto at mahirap sa sinehan, una bilang isang ilustrador para sa pagpapakita ng mga tahimik na pelikula, pagkatapos ay bilang isa sa mga tagalikha ng mga sound film ng Sobyet. Ang kanyang kanta mula sa pelikulang "Oncoming" (1932) ay nakakuha ng katanyagan sa buong bansa. Kasabay nito, ang impluwensya ng "batang muse" ay nakaapekto rin sa estilo, wika, at mga prinsipyo ng komposisyon ng kanyang mga komposisyong concerto-philharmonic.
Ang pagnanais na isama ang pinaka matinding mga salungatan ng modernong mundo kasama ang mga enggrandeng kaguluhan at mabangis na pag-aaway ng mga magkasalungat na pwersa ay lalo na makikita sa mga gawa ng kapital ng master ng panahon ng 30s. Ang isang mahalagang hakbang sa landas na ito ay ang opera Katerina Izmailova (1932), batay sa balangkas ng kwento ni N. Leskov na Lady Macbeth ng Mtsensk District. Sa imahe ng pangunahing karakter, ang isang kumplikadong panloob na pakikibaka ay inihayag sa kaluluwa ng isang kalikasan na buo at mayamang likas na kakayahan sa sarili nitong paraan - sa ilalim ng pamatok ng "nangunguna sa mga kasuklam-suklam sa buhay", sa ilalim ng kapangyarihan ng bulag, walang katwiran. pagnanasa, nakagawa siya ng malubhang krimen, na sinusundan ng malupit na paghihiganti.
Gayunpaman, nakamit ng kompositor ang pinakadakilang tagumpay sa Fifth Symphony (1937), ang pinakamahalaga at pangunahing tagumpay sa pagbuo ng Soviet symphony noong 30s. (Ang isang pagliko sa isang bagong kalidad ng estilo ay nakabalangkas sa Ikaapat na Symphony na isinulat nang mas maaga, ngunit pagkatapos ay hindi tumunog - 1936). Ang lakas ng Fifth Symphony ay nakasalalay sa katotohanan na ang mga karanasan ng kanyang liriko na bayani ay ipinahayag sa pinakamalapit na koneksyon sa buhay ng mga tao at, sa mas malawak na paraan, ng buong sangkatauhan sa bisperas ng pinakamalaking pagkabigla na naranasan ng mga tao ng mundo – ang Ikalawang Digmaang Pandaigdig. Tinukoy nito ang binibigyang-diin na drama ng musika, ang likas na pinataas na pagpapahayag nito - ang liriko na bayani ay hindi nagiging passive contemplator sa symphony na ito, hinuhusgahan niya kung ano ang nangyayari at kung ano ang darating sa pinakamataas na moral na hukuman. Sa kawalang-interes sa kapalaran ng mundo, naapektuhan din ang civic position ng artist, ang humanistic orientation ng kanyang musika. Maaari itong madama sa maraming iba pang mga gawa na kabilang sa mga genre ng chamber instrumental creativity, kung saan namumukod-tangi ang Piano Quintet (1940).
Sa panahon ng Great Patriotic War, si Shostakovich ay naging isa sa mga nangungunang ranggo ng mga artista - mga mandirigma laban sa pasismo. Ang kanyang Seventh (“Leningrad”) Symphony (1941) ay napagtanto sa buong mundo bilang isang buhay na tinig ng isang lumalaban na mga tao, na pumasok sa isang buhay-at-kamatayang pakikibaka sa ngalan ng karapatang umiral, bilang pagtatanggol sa pinakamataas na tao. mga halaga. Sa gawaing ito, tulad ng sa huling Eighth Symphony (1943), ang antagonismo ng dalawang magkasalungat na kampo ay nakahanap ng direkta, agarang pagpapahayag. Kailanman sa sining ng musika ang mga puwersa ng kasamaan ay nailarawan nang napakalinaw, hindi kailanman nalantad ang mapurol na mekanikal ng isang abalang pasistang "makinang pangwasak" na may gayong galit at pagsinta. Ngunit ang mga "militar" na symphony ng kompositor (pati na rin sa ilang iba pang mga gawa niya, halimbawa, sa Piano Trio bilang memorya ni I. Sollertinsky – 1944) ay malinaw na kinakatawan sa mga symphony ng "digmaan" ng kompositor, ang espirituwal na kagandahan at kayamanan ng panloob na mundo ng isang taong nagdurusa sa mga kaguluhan sa kanyang panahon.
Sa mga taon pagkatapos ng digmaan, ang malikhaing aktibidad ng Shostakovich ay nagbukas nang may panibagong lakas. Tulad ng dati, ang nangungunang linya ng kanyang mga masining na paghahanap ay ipinakita sa monumental symphonic canvases. Matapos ang medyo gumaan na Ninth (1945), isang uri ng intermezzo, na, gayunpaman, ay hindi walang malinaw na echo ng kamakailang natapos na digmaan, nilikha ng kompositor ang inspiradong Tenth Symphony (1953), na nagtaas ng tema ng trahedya na kapalaran ng artist, ang mataas na sukatan ng kanyang responsibilidad sa modernong mundo. Gayunpaman, ang bago ay higit sa lahat ay bunga ng mga pagsisikap ng mga nakaraang henerasyon - kaya't ang kompositor ay labis na naaakit sa mga kaganapan ng isang pagbabago sa kasaysayan ng Russia. Ang rebolusyon ng 1905, na minarkahan ng Bloody Sunday noong Enero 9, ay nabuhay sa monumental na programmatic Eleventh Symphony (1957), at ang mga tagumpay ng matagumpay na 1917 ay nagbigay inspirasyon kay Shostakovich na lumikha ng Twelfth Symphony (1961).
Ang mga pagmumuni-muni sa kahulugan ng kasaysayan, sa kahalagahan ng mga gawa ng mga bayani nito, ay makikita rin sa isang bahagi ng vocal-symphonic na tula na "The Execution of Stepan Razin" (1964), na batay sa isang fragment mula sa E. Yevtushenko's tula na "The Bratsk Hydroelectric Power Station". Ngunit ang mga kaganapan sa ating panahon, na dulot ng mga marahas na pagbabago sa buhay ng mga tao at sa kanilang pananaw sa mundo, na inihayag ng XX Congress ng CPSU, ay hindi nag-iwan ng walang malasakit sa dakilang master ng musikang Sobyet - ang kanilang buhay na hininga ay nadarama sa Ikalabintatlo. Symphony (1962), na isinulat din sa mga salita ni E. Yevtushenko. Sa Ika-labing-apat na Symphony, ang kompositor ay bumaling sa mga tula ng mga makata ng iba't ibang panahon at mga tao (FG Lorca, G. Apollinaire, W. Kuchelbecker, RM Rilke) - naakit siya sa tema ng transience ng buhay ng tao at ang kawalang-hanggan ng mga likha ng tunay na sining, bago pa man ang soberanong kamatayan. Ang parehong tema ay nabuo ang batayan para sa ideya ng isang vocal-symphonic cycle batay sa mga tula ng mahusay na artistang Italyano na si Michelangelo Buonarroti (1974). At sa wakas, sa huling, Fifteenth Symphony (1971), ang mga imahe ng pagkabata ay muling nabuhay, muling nilikha bago ang tingin ng isang manlilikha na matalino sa buhay, na nalaman ang isang tunay na di-masusukat na sukatan ng pagdurusa ng tao.
Para sa lahat ng kahalagahan ng symphony sa gawaing post-war ni Shostakovich, malayong maubos nito ang lahat ng pinakamahalagang nilikha ng kompositor sa huling tatlumpung taon ng kanyang buhay at malikhaing landas. Binigyan niya ng espesyal na pansin ang mga genre ng konsiyerto at chamber-instrumental. Gumawa siya ng 2 violin concerto (1948 at 1967), dalawang cello concerto (1959 at 1966), at ang Second Piano Concerto (1957). Ang pinakamahusay na mga gawa ng genre na ito ay naglalaman ng malalim na mga konsepto ng pilosopikal na kahalagahan, na maihahambing sa mga ipinahayag na may kahanga-hangang puwersa sa kanyang mga symphony. Ang talas ng banggaan ng espiritwal at di-espirituwal, ang pinakamataas na impulses ng henyo ng tao at ang agresibong pagsalakay ng kabastusan, sadyang primitiveness ay mahahalata sa Second Cello Concerto, kung saan ang isang simple, "kalye" na motibo ay binago nang hindi na makilala, na inilalantad ang kanyang hindi makataong diwa.
Gayunpaman, kapwa sa mga konsyerto at sa chamber music, ang virtuosity ni Shostakovich ay nahayag sa paglikha ng mga komposisyon na nagbubukas ng saklaw para sa libreng kompetisyon sa mga musikero. Dito ang pangunahing genre na nakakuha ng atensyon ng master ay ang tradisyunal na string quartet (mayroong maraming isinulat ng kompositor bilang symphony - 15). Ang mga quartet ni Shostakovich ay humanga sa iba't ibang solusyon mula sa mga multi-part cycle (Ikalabing-isang – 1966) hanggang sa mga komposisyon na may iisang paggalaw (Ikalabintatlo – 1970). Sa isang bilang ng kanyang mga gawa sa silid (sa Eighth Quartet - 1960, sa Sonata para sa Viola at Piano - 1975), ang kompositor ay bumalik sa musika ng kanyang mga nakaraang komposisyon, na binibigyan ito ng bagong tunog.
Kabilang sa mga gawa ng iba pang mga genre, maaaring banggitin ang monumental na cycle ng Preludes at Fugues para sa piano (1951), na inspirasyon ng mga pagdiriwang ng Bach sa Leipzig, ang oratorio Song of the Forests (1949), kung saan sa unang pagkakataon sa musika ng Sobyet ay itinaas ang tema ng pananagutan ng tao para sa pangangalaga ng kalikasan sa kanyang paligid. Maaari mo ring pangalanan ang Ten Poems para sa choir a cappella (1951), ang vocal cycle na "Mula sa Jewish Folk Poetry" (1948), mga cycle sa mga tula ng mga makata na si Sasha Cherny ("Satires" - 1960), Marina Tsvetaeva (1973).
Ang trabaho sa sinehan ay nagpatuloy sa mga taon pagkatapos ng digmaan - ang musika ni Shostakovich para sa mga pelikulang "The Gadfly" (batay sa nobela ni E. Voynich - 1955), pati na rin para sa mga adaptasyon ng mga trahedya ni Shakespeare na "Hamlet" (1964) at Ang "King Lear" (1971) ay naging malawak na kilala. ).
Ang Shostakovich ay may malaking epekto sa pag-unlad ng musikang Sobyet. Ito ay ipinahayag hindi gaanong sa direktang impluwensya ng estilo ng master at artistikong paraan na katangian niya, ngunit sa pagnanais para sa mataas na nilalaman ng musika, ang koneksyon nito sa mga pangunahing problema ng buhay ng tao sa lupa. Humanistic sa kakanyahan nito, tunay na masining sa anyo, ang gawa ni Shostakovich ay nanalo ng pagkilala sa buong mundo, ay naging malinaw na pagpapahayag ng bago na ibinigay ng musika ng Land of Soviets sa mundo.
M. Tarakanov
