Giuseppe Verdi (Giuseppe Verdi) |

Giuseppe Verdi

Tulad ng anumang mahusay na talento. Sinasalamin ni Verdi ang kanyang nasyonalidad at ang kanyang panahon. Siya ang bulaklak ng kanyang lupa. Siya ang tinig ng modernong Italya, hindi tamad na natutulog o walang ingat na kasiyahan sa Italya sa komiks at pseudo-seryosong mga opera nina Rossini at Donizetti, hindi ang sentimental na malambing at elegiac, umiiyak na Italya ng Bellini, ngunit ang Italya ay nagising sa kamalayan, ang Italya ay nabalisa ng pulitikal. bagyo, Italy , matapang at madamdamin sa galit. A. Serov

Walang sinuman ang makadarama ng buhay na mas mahusay kaysa kay Verdi. A. Boito

Ang Verdi ay isang klasiko ng kulturang musikal ng Italyano, isa sa mga pinakamahalagang kompositor ng ika-26 na siglo. Ang kanyang musika ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang spark ng mataas na sibil pathos na hindi kumukupas sa paglipas ng panahon, hindi mapag-aalinlanganan katumpakan sa sagisag ng mga pinaka-kumplikadong proseso na nagaganap sa kailaliman ng kaluluwa ng tao, maharlika, kagandahan at hindi mauubos na himig. Ang kompositor ng Peru ay nagmamay-ari ng XNUMX opera, espirituwal at instrumental na mga gawa, romansa. Ang pinakamahalagang bahagi ng malikhaing pamana ni Verdi ay ang mga opera, na marami sa mga ito (Rigoletto, La Traviata, Aida, Othello) ay narinig mula sa mga yugto ng mga opera house sa buong mundo sa loob ng higit sa isang daang taon. Ang mga gawa ng iba pang mga genre, maliban sa inspiradong Requiem, ay halos hindi kilala, ang mga manuskrito ng karamihan sa mga ito ay nawala.

Si Verdi, hindi tulad ng maraming mga musikero ng ika-XNUMX na siglo, ay hindi nagpahayag ng kanyang mga malikhaing prinsipyo sa mga talumpati ng programa sa press, ay hindi iniugnay ang kanyang trabaho sa pag-apruba ng mga aesthetics ng isang partikular na artistikong direksyon. Gayunpaman, ang kanyang mahaba, mahirap, hindi palaging mapusok at nakoronahan ng mga tagumpay sa malikhaing landas ay nakadirekta sa isang malalim na pinagdudusahan at may kamalayan na layunin - ang pagkamit ng musikal na realismo sa isang pagtatanghal ng opera. Buhay sa lahat ng sari-saring salungatan nito ang pangunahing tema ng akda ng kompositor. Ang saklaw ng sagisag nito ay hindi pangkaraniwang malawak - mula sa mga salungatan sa lipunan hanggang sa paghaharap ng mga damdamin sa kaluluwa ng isang tao. Kasabay nito, ang sining ni Verdi ay nagdadala ng isang pakiramdam ng espesyal na kagandahan at pagkakaisa. "Gusto ko ang lahat sa sining na maganda," sabi ng kompositor. Ang kanyang sariling musika ay naging halimbawa rin ng maganda, taos-puso at inspiradong sining.

Malinaw na batid sa kanyang mga malikhaing gawain, walang pagod si Verdi sa paghahanap ng pinakaperpektong anyo ng sagisag ng kanyang mga ideya, labis na hinihingi sa kanyang sarili, ng mga librettist at performer. Siya mismo ang madalas na pumili ng panitikan na batayan para sa libretto, tinalakay nang detalyado sa mga librettist ang buong proseso ng paglikha nito. Ang pinakamabungang pakikipagtulungan ay nag-ugnay sa kompositor sa mga librettist tulad ng T. Solera, F. Piave, A. Ghislanzoni, A. Boito. Humingi si Verdi ng dramatikong katotohanan mula sa mga mang-aawit, hindi siya pinahihintulutan ng anumang pagpapakita ng kasinungalingan sa entablado, walang kabuluhan na birtuosidad, hindi nakukulayan ng malalim na damdamin, hindi nabibigyang katwiran ng dramatikong pagkilos. “…Great talent, soul and stage flair” – ito ang mga katangiang higit sa lahat ay pinahahalagahan niya sa mga performer. Ang "makabuluhan, magalang" na pagganap ng mga opera ay tila kailangan niya; “…kapag ang mga opera ay hindi maitanghal nang buo ang kanilang integridad – sa paraang nilayon ng kompositor – mas mabuting huwag nang gawin ang mga ito.”

Nabuhay ng mahabang buhay si Verdi. Siya ay ipinanganak sa pamilya ng isang magsasaka na tagapangasiwa ng bahay-tuluyan. Ang kanyang mga guro ay ang organista ng simbahan sa nayon na si P. Baistrocchi, pagkatapos ay si F. Provezi, na nanguna sa buhay musikal sa Busseto, at ang konduktor ng teatro ng Milan na La Scala V. Lavigna. Isa nang mature na kompositor, isinulat ni Verdi: “Natutunan ko ang ilan sa pinakamagagandang obra sa ating panahon, hindi sa pag-aaral ng mga ito, kundi sa pakikinig sa mga ito sa teatro … Magsisinungaling ako kung sasabihin ko na noong kabataan ko ay hindi ako dumaan sa isang mahaba at mahigpit na pag-aaral … ang aking kamay ay sapat na malakas upang mahawakan ang tala ayon sa gusto ko, at may sapat na kumpiyansa upang makuha ang mga epekto na hinahangad ko sa halos lahat ng oras; at kung magsusulat ako ng anumang bagay na hindi ayon sa mga patakaran, ito ay dahil ang eksaktong tuntunin ay hindi nagbibigay sa akin ng kung ano ang gusto ko, at dahil hindi ko isinasaalang-alang ang lahat ng mga patakaran na pinagtibay hanggang sa araw na ito nang walang pasubali na mabuti.

Ang unang tagumpay ng batang kompositor ay nauugnay sa paggawa ng opera na Oberto sa teatro ng La Scala sa Milan noong 1839. Pagkalipas ng tatlong taon, ang opera na Nebuchadnezzar (Nabucco) ay itinanghal sa parehong teatro, na nagdala ng malawak na katanyagan sa may-akda ( 3). Ang mga unang opera ng kompositor ay lumitaw sa panahon ng rebolusyonaryong pag-aalsa sa Italya, na tinawag na panahon ng Risorgimento (Italyano – revival). Nilamon ng buong sambayanan ang pakikibaka para sa pagkakaisa at kalayaan ng Italya. Hindi makatabi si Verdi. Malalim niyang naranasan ang mga tagumpay at pagkatalo ng rebolusyonaryong kilusan, bagama't hindi niya itinuring ang kanyang sarili na isang pulitiko. Heroic-patriotikong opera noong 1841s. – “Nabucco” (40), “Lombards in the First Crusade” (1841), “Battle of Legnano” (1842) – ay isang uri ng pagtugon sa mga rebolusyonaryong kaganapan. Ang biblikal at makasaysayang mga plot ng mga opera na ito, malayo sa moderno, ay umawit ng kabayanihan, kalayaan at kalayaan, at samakatuwid ay malapit sa libu-libong mga Italyano. "Maestro ng Rebolusyong Italyano" - ito ay kung paano tinawag ng mga kontemporaryo si Verdi, na ang trabaho ay naging hindi pangkaraniwang popular.

Gayunpaman, ang mga malikhaing interes ng batang kompositor ay hindi limitado sa tema ng magiting na pakikibaka. Sa paghahanap ng mga bagong plot, ang kompositor ay bumaling sa mga klasiko ng panitikan sa mundo: V. Hugo (Ernani, 1844), W. Shakespeare (Macbeth, 1847), F. Schiller (Louise Miller, 1849). Ang pagpapalawak ng mga tema ng pagkamalikhain ay sinamahan ng paghahanap para sa mga bagong paraan ng musika, ang paglago ng kasanayan ng kompositor. Ang panahon ng pagiging malikhain ay minarkahan ng isang kahanga-hangang triad ng mga opera: Rigoletto (1851), Il trovatore (1853), La Traviata (1853). Sa gawain ni Verdi, sa kauna-unahang pagkakataon, ang isang protesta laban sa kawalan ng katarungan sa lipunan ay hayagang tunog. Ang mga bayani ng mga opera na ito, na pinagkalooban ng masigasig, marangal na damdamin, ay sumasalungat sa karaniwang tinatanggap na mga pamantayan ng moralidad. Ang pagbaling sa gayong mga balangkas ay isang napaka-bold na hakbang (isinulat ni Verdi ang tungkol sa La Traviata: "Ang balangkas ay moderno. Ang isa pa ay hindi kukuha ng balangkas na ito, marahil, dahil sa pagiging disente, dahil sa panahon, at dahil sa isang libong iba pang mga hangal na pagtatangi. … Gagawin ko ito nang buong kasiyahan).

Sa kalagitnaan ng 50s. Ang pangalan ni Verdi ay kilala sa buong mundo. Ang kompositor ay nagtapos ng mga kontrata hindi lamang sa mga sinehan ng Italyano. Noong 1854 nilikha niya ang opera na "Sicilian Vespers" para sa Parisian Grand Opera, pagkalipas ng ilang taon ay isinulat ang mga opera na "Simon Boccanegra" (1857) at Un ballo in maschera (1859, para sa mga teatro ng Italyano na San Carlo at Appolo). Noong 1861, sa pamamagitan ng utos ng direktor ng St. Petersburg Mariinsky Theater, nilikha ni Verdi ang opera na The Force of Destiny. Kaugnay ng paggawa nito, dalawang beses na naglalakbay ang kompositor sa Russia. Ang opera ay hindi isang mahusay na tagumpay, kahit na ang musika ni Verdi ay popular sa Russia.

Kabilang sa mga opera noong 60s. Ang pinakasikat ay ang opera na Don Carlos (1867) batay sa drama ng parehong pangalan ni Schiller. Ang musika ng "Don Carlos", na puspos ng malalim na sikolohiya, ay inaasahan ang mga tuktok ng operatic creativity ni Verdi - "Aida" at "Othello". Ang Aida ay isinulat noong 1870 para sa pagbubukas ng isang bagong teatro sa Cairo. Ang mga tagumpay ng lahat ng nakaraang mga opera ay organikong pinagsama dito: ang pagiging perpekto ng musika, maliwanag na kulay, at anghang ng dramaturhiya.

Kasunod ng "Aida" ay nilikha ang "Requiem" (1874), pagkatapos nito ay nagkaroon ng mahabang (mahigit 10 taon) na katahimikan na dulot ng isang krisis sa buhay publiko at musikal. Sa Italya, nagkaroon ng malawakang pagkahilig sa musika ni R. Wagner, habang ang pambansang kultura ay nasa limot. Ang kasalukuyang sitwasyon ay hindi lamang isang pakikibaka ng panlasa, iba't ibang mga aesthetic na posisyon, kung wala ang artistikong kasanayan ay hindi maiisip, at ang pag-unlad ng lahat ng sining. Ito ay isang panahon ng pagbagsak ng priyoridad ng mga pambansang artistikong tradisyon, na lalo na naranasan ng mga makabayan ng sining ng Italyano. Nangangatuwiran si Verdi tulad ng sumusunod: “Ang sining ay pag-aari ng lahat ng mga tao. Walang mas matibay na naniniwala dito kaysa sa akin. Ngunit ito ay umuunlad nang paisa-isa. At kung ang mga German ay may ibang artistikong kasanayan kaysa sa atin, ang kanilang sining ay sa panimula ay naiiba sa atin. Hindi tayo maaaring mag-compose tulad ng mga Germans…”

Sa pag-iisip tungkol sa hinaharap na kapalaran ng musikang Italyano, nararamdaman ang isang malaking responsibilidad para sa bawat susunod na hakbang, itinakda ni Verdi ang tungkol sa pagpapatupad ng konsepto ng opera na Othello (1886), na naging isang tunay na obra maestra. Ang "Othello" ay isang hindi maunahang interpretasyon ng kwentong Shakespearean sa operatic genre, isang perpektong halimbawa ng isang musikal at sikolohikal na drama, ang paglikha kung saan napunta ang kompositor sa buong buhay niya.

Ang huling gawa ni Verdi - ang comic opera na Falstaff (1892) - ay nakakagulat sa pagiging masayahin at hindi nagkakamali na husay nito; tila nagbubukas ng bagong pahina sa obra ng kompositor, na, sa kasamaang palad, ay hindi natuloy. Ang buong buhay ni Verdi ay pinaliwanagan ng isang malalim na paniniwala sa kawastuhan ng piniling landas: "Kung tungkol sa sining, mayroon akong sariling mga pag-iisip, aking sariling mga paniniwala, napakalinaw, napaka-tumpak, kung saan hindi ko magagawa, at hindi dapat, tumanggi.” Si L. Escudier, isa sa mga kontemporaryo ng kompositor, ay angkop na inilarawan siya: “Tatlo lang ang kinahihiligan ni Verdi. Ngunit naabot nila ang pinakadakilang lakas: pagmamahal sa sining, damdaming pambansa at pagkakaibigan. Ang interes sa madamdamin at makatotohanang gawain ni Verdi ay hindi humina. Para sa mga bagong henerasyon ng mga mahilig sa musika, palagi itong nananatiling isang klasikong pamantayan na pinagsasama ang kalinawan ng pag-iisip, inspirasyon ng pakiramdam at pagiging perpekto ng musika.

A. Zolotykh

• Ang malikhaing landas ni Giuseppe Verdi →
• Kultura ng musikal na Italyano sa ikalawang kalahati ng ika-XNUMX siglo →

Ang Opera ay nasa sentro ng artistikong interes ni Verdi. Sa pinakaunang yugto ng kanyang trabaho, sa Busseto, sumulat siya ng maraming mga instrumental na gawa (nawala ang kanilang mga manuskrito), ngunit hindi na siya bumalik sa genre na ito. Ang pagbubukod ay ang string quartet ng 1873, na hindi nilayon ng kompositor para sa pampublikong pagganap. Sa parehong mga taon ng kabataan, sa likas na katangian ng kanyang aktibidad bilang isang organista, si Verdi ay binubuo ng sagradong musika. Sa pagtatapos ng kanyang karera - pagkatapos ng Requiem - lumikha siya ng ilan pang mga gawa ng ganitong uri (Stabat mater, Te Deum at iba pa). Ang ilang mga romansa ay nabibilang din sa maagang panahon ng paglikha. Inilaan niya ang lahat ng kanyang lakas sa opera nang higit sa kalahating siglo, mula Oberto (1839) hanggang Falstaff (1893).

Nagsulat si Verdi ng dalawampu't anim na opera, anim sa kanila ang ibinigay niya sa isang bago, makabuluhang binagong bersyon. (Sa pamamagitan ng mga dekada, ang mga gawang ito ay inilalagay tulad ng sumusunod: huling bahagi ng 30s – 40s – 14 na opera (+1 sa bagong edisyon), 50s – 7 opera (+1 sa bagong edisyon), 60s – 2 opera (+2 sa bagong edisyon), 70s – 1 opera, 80s – 1 opera (+2 sa bagong edisyon), 90s – 1 opera.) Sa buong mahabang buhay niya, nanatili siyang tapat sa kanyang aesthetic ideals. "Maaaring hindi ako sapat na malakas upang makamit ang gusto ko, ngunit alam ko kung ano ang aking sinisikap," isinulat ni Verdi noong 1868. Ang mga salitang ito ay maaaring maglarawan sa lahat ng kanyang malikhaing aktibidad. Ngunit sa paglipas ng mga taon, ang mga artistikong mithiin ng kompositor ay naging mas kakaiba, at ang kanyang kakayahan ay naging mas perpekto, nahasa.

Sinikap ni Verdi na isama ang drama na "malakas, simple, makabuluhan." Noong 1853, sa pagsulat ng La Traviata, isinulat niya: "Nangangarap ako ng mga bagong malaki, maganda, sari-sari, matapang na mga plot, at lubhang matapang." Sa isa pang liham (sa parehong taon) mababasa natin: "Bigyan mo ako ng isang maganda, orihinal na balangkas, kawili-wili, na may magagandang sitwasyon, mga hilig - higit sa lahat ng mga hilig! ..”

Matapat at naka-embossed na mga dramatikong sitwasyon, malinaw na tinukoy na mga character - na, ayon kay Verdi, ang pangunahing bagay sa isang plot ng opera. At kung sa mga gawa ng maaga, romantikong panahon, ang pag-unlad ng mga sitwasyon ay hindi palaging nag-aambag sa pare-parehong pagsisiwalat ng mga character, pagkatapos noong 50s ay malinaw na napagtanto ng kompositor na ang pagpapalalim ng koneksyon na ito ay nagsisilbing batayan para sa paglikha ng isang napakahalagang katotohanan. musikal na drama. Iyon ang dahilan kung bakit, nang matatag na tinahak ang landas ng realismo, kinondena ni Verdi ang modernong Italian opera para sa mga monotonous, monotonous na mga plot, mga nakagawiang anyo. Dahil sa hindi sapat na lawak ng pagpapakita ng mga kontradiksyon sa buhay, hinatulan din niya ang kaniyang naunang naisulat na mga gawa: “Mayroon silang mga eksenang lubhang kawili-wili, ngunit walang pagkakaiba-iba. Ang mga ito ay nakakaapekto lamang sa isang panig - kahanga-hanga, kung gusto mo - ngunit palaging pareho.

Sa pang-unawa ni Verdi, hindi maiisip ang opera kung wala ang sukdulang pagpapatalas ng mga kontradiksyon sa salungatan. Ang mga dramatikong sitwasyon, sabi ng kompositor, ay dapat maglantad ng mga hilig ng tao sa kanilang katangian, indibidwal na anyo. Samakatuwid, mahigpit na tinutulan ni Verdi ang anumang gawain sa libretto. Noong 1851, nagsimulang magtrabaho sa Il trovatore, sumulat si Verdi: “Ang mas malayang Cammarano (ang librettist ng opera.— MD) ay magbibigay-kahulugan sa anyo, mas mabuti para sa akin, mas masisiyahan ako. Isang taon bago ito, na nakaisip ng isang opera batay sa balangkas ng King Lear ni Shakespeare, sinabi ni Verdi: “Hindi dapat gawing drama ang Lear sa karaniwang tinatanggap na anyo. Ito ay kinakailangan upang makahanap ng isang bagong anyo, isang mas malaki, na walang pagtatangi."

Ang balangkas para kay Verdi ay isang paraan ng epektibong pagbubunyag ng ideya ng isang akda. Ang buhay ng kompositor ay puno ng paghahanap para sa mga naturang plot. Simula kay Ernani, patuloy siyang naghahanap ng literary sources para sa kanyang mga ideya sa opera. Isang mahusay na eksperto sa panitikang Italyano (at Latin), si Verdi ay bihasa sa German, French, at English na dramaturgy. Ang kanyang mga paboritong may-akda ay sina Dante, Shakespeare, Byron, Schiller, Hugo. (Tungkol kay Shakespeare, isinulat ni Verdi noong 1865: "Siya ang paborito kong manunulat, na kilala ko mula sa pagkabata at patuloy na binabasa." Sumulat siya ng tatlong opera sa mga plot ni Shakespeare, pinangarap ang Hamlet at The Tempest, at bumalik sa trabaho sa apat na beses na King. Lear ”(noong 1847, 1849, 1856 at 1869); dalawang opera batay sa mga plot ni Byron (ang hindi natapos na plano ni Cain), Schiller – apat, Hugo – dalawa (ang plano ni Ruy Blas”).)

Ang malikhaing inisyatiba ni Verdi ay hindi limitado sa pagpili ng balangkas. Aktibong pinangangasiwaan niya ang gawain ng librettist. “Hindi ako kailanman nagsulat ng mga opera sa mga ready-made na libretto na ginawa ng isang tao sa gilid,” sabi ng kompositor, “Hindi ko lang maintindihan kung paano maipanganak ang isang screenwriter na maaaring hulaan nang eksakto kung ano ang maaari kong isama sa isang opera.” Ang malawak na sulat ni Verdi ay puno ng mga malikhaing tagubilin at payo sa kanyang mga katuwang sa panitikan. Ang mga tagubiling ito ay pangunahing nauugnay sa scenario plan ng opera. Hiniling ng kompositor ang pinakamataas na konsentrasyon ng pagbuo ng balangkas ng mapagkukunang pampanitikan, at para dito - ang pagbawas ng mga side line ng intriga, ang compression ng teksto ng drama.

Inireseta ni Verdi sa kanyang mga empleyado ang mga verbal turn na kailangan niya, ang ritmo ng mga taludtod at ang bilang ng mga salita na kailangan para sa musika. Binigyan niya ng espesyal na pansin ang mga pariralang "susi" sa teksto ng libretto, na idinisenyo upang malinaw na ibunyag ang nilalaman ng isang partikular na dramatikong sitwasyon o karakter. "Hindi mahalaga kung ito man o ang salitang iyon, kailangan ang isang parirala na magpapasigla, maging maganda," isinulat niya noong 1870 sa librettist ng Aida. Ang pagpapabuti ng libretto ng "Othello", inalis niya ang hindi kailangan, sa kanyang opinyon, mga parirala at salita, hinihingi ang ritmikong pagkakaiba-iba sa teksto, sinira ang "kinis" ng taludtod, na humahadlang sa pag-unlad ng musika, nakamit ang sukdulang pagpapahayag at pagiging maikli.

Ang mga matapang na ideya ni Verdi ay hindi palaging nakatanggap ng isang karapat-dapat na pagpapahayag mula sa kanyang mga katuwang sa panitikan. Kaya, lubos na pinahahalagahan ang libretto ng "Rigoletto", binanggit ng kompositor ang mahinang mga taludtod dito. Marami ang hindi nasiyahan sa kanya sa dramaturgy ng Il trovatore, Sicilian Vespers, Don Carlos. Hindi nakamit ang isang ganap na nakakumbinsi na senaryo at pampanitikan na sagisag ng kanyang makabagong ideya sa libretto ni King Lear, napilitan siyang iwanan ang pagkumpleto ng opera.

Sa masipag na trabaho kasama ang mga librettist, sa wakas ay pinahinog ni Verdi ang ideya ng komposisyon. Siya ay karaniwang nagsimula ng musika pagkatapos lamang bumuo ng isang kumpletong pampanitikan na teksto ng buong opera.

Sinabi ni Verdi na ang pinakamahirap na bagay para sa kanya ay "ang magsulat ng sapat na mabilis upang maipahayag ang isang ideya sa musika sa integridad kung saan ito ipinanganak sa isip." Paggunita niya: “Noong bata pa ako, madalas akong nagtatrabaho nang walang tigil mula alas kuwatro ng umaga hanggang alas-siyete ng gabi.” Kahit na sa isang advanced na edad, nang lumikha ng marka ng Falstaff, agad niyang ginamit ang mga natapos na malalaking sipi, dahil "natatakot siyang makalimutan ang ilang mga kumbinasyon ng orkestra at mga kumbinasyon ng timbre."

Kapag lumilikha ng musika, nasa isip ni Verdi ang mga posibilidad ng pagkakatawang-tao nito sa entablado. Nakakonekta hanggang sa kalagitnaan ng 50s sa iba't ibang mga sinehan, madalas niyang nilutas ang ilang mga isyu ng dramaturhiya sa musika, depende sa mga puwersang gumaganap na mayroon ang ibinigay na grupo sa pagtatapon nito. Bukod dito, interesado si Verdi hindi lamang sa mga vocal na katangian ng mga mang-aawit. Noong 1857, bago ang premiere ng "Simon Boccanegra", itinuro niya: "Ang papel ni Paolo ay napakahalaga, ito ay ganap na kinakailangan upang makahanap ng isang baritone na magiging isang mahusay na aktor." Noong 1848, na may kaugnayan sa nakaplanong paggawa ng Macbeth sa Naples, tinanggihan ni Verdi ang mang-aawit na inaalok sa kanya ni Tadolini, dahil ang kanyang mga kakayahan sa boses at entablado ay hindi umaangkop sa nilalayon na papel: "Si Tadolini ay may kahanga-hanga, malinaw, transparent, malakas na boses, at gusto ko ng boses para sa isang babae, bingi, malupit, madilim. May mala-anghel sa boses si Tadolini, at gusto ko ng mala-demonyo sa boses ng babae.

Sa pag-aaral ng kanyang mga opera, hanggang sa Falstaff, aktibong bahagi si Verdi, nakikialam sa gawain ng konduktor, lalo na binibigyang pansin ang mga mang-aawit, maingat na pinag-aralan ang mga bahagi kasama nila. Kaya, ang mang-aawit na si Barbieri-Nini, na gumanap ng papel ng Lady Macbeth sa premiere ng 1847, ay nagpatotoo na ang kompositor ay nag-ensayo ng isang duet sa kanya hanggang sa 150 beses, na nakamit ang paraan ng vocal expressiveness na kailangan niya. Nagtrabaho siya nang kasing-demand sa edad na 74 kasama ang sikat na tenor na si Francesco Tamagno, na gumanap bilang Othello.

Binigyan ng espesyal na pansin ni Verdi ang interpretasyon ng entablado ng opera. Ang kanyang sulat ay naglalaman ng maraming mahahalagang pahayag sa mga isyung ito. "Ang lahat ng puwersa ng entablado ay nagbibigay ng dramatikong pagpapahayag," ang isinulat ni Verdi, "at hindi lamang ang musikal na paghahatid ng mga cavatina, duet, finals, atbp." Kaugnay ng paggawa ng The Force of Destiny noong 1869, nagreklamo siya tungkol sa kritiko, na sumulat lamang tungkol sa vocal side ng performer: sabi nila…”. Nang mapansin ang musikal ng mga gumaganap, binigyang-diin ng kompositor: “Opera—intindihin mo ako nang tama—iyon ay, dulang pangmusika sa entablado, ay ibinigay nang napakakaraniwan. Ito ay laban dito inaalis ang musika sa entablado at nagprotesta si Verdi: nakikilahok sa pag-aaral at pagtatanghal ng kanyang mga gawa, hiniling niya ang katotohanan ng damdamin at pagkilos kapwa sa pag-awit at sa paggalaw sa entablado. Nagtalo si Verdi na sa ilalim lamang ng kondisyon ng dramatikong pagkakaisa ng lahat ng paraan ng pagpapahayag sa entablado ng musika ay maaaring makumpleto ang isang pagtatanghal ng opera.

Kaya, simula sa pagpili ng isang balangkas sa masipag na trabaho kasama ang librettist, kapag lumilikha ng musika, sa panahon ng sagisag ng entablado nito - sa lahat ng yugto ng pagtatrabaho sa isang opera, mula sa paglilihi hanggang sa pagtatanghal, ang panginoon ng master ay nagpapakita mismo, na may kumpiyansa na humantong sa Italyano. sining na katutubong sa kanya sa taas. pagiging totoo.

* * *

Ang operatic ideals ni Verdi ay nabuo bilang resulta ng maraming taon ng malikhaing gawain, mahusay na praktikal na gawain, at patuloy na paghahanap. Alam na alam niya ang kalagayan ng kontemporaryong teatro sa musika sa Europa. Sa paggugol ng maraming oras sa ibang bansa, nakilala ni Verdi ang pinakamahusay na mga tropa sa Europa - mula sa St. Petersburg hanggang Paris, Vienna, London, Madrid. Pamilyar siya sa mga opera ng mga pinakadakilang kontemporaryong kompositor. (Marahil ay narinig ni Verdi ang mga opera ni Glinka sa St. Petersburg. Sa personal na aklatan ng kompositor ng Italyano ay mayroong clavier ng "The Stone Guest" ni Dargomyzhsky.). Sinuri sila ni Verdi na may parehong antas ng pagiging kritikal kung saan niya nilapitan ang kanyang sariling gawain. At madalas na hindi niya gaanong na-assimilate ang mga artistikong tagumpay ng iba pang mga pambansang kultura, ngunit pinoproseso ang mga ito sa kanyang sariling paraan, na nagtagumpay sa kanilang impluwensya.

Ganito niya tinatrato ang mga tradisyon sa musika at entablado ng teatro ng Pransya: kilala niya ang mga ito, kung dahil lamang sa tatlo sa kanyang mga gawa ("Sicilian Vespers", "Don Carlos", ang pangalawang edisyon ng "Macbeth") ay isinulat. para sa entablado ng Paris. Ganoon din ang kanyang saloobin kay Wagner, na ang mga opera, karamihan sa gitnang panahon, ay alam niya, at ang ilan sa kanila ay lubos na pinahahalagahan (Lohengrin, Valkyrie), ngunit malikhaing nakipagtalo si Verdi kina Meyerbeer at Wagner. Hindi niya minamaliit ang kanilang kahalagahan para sa pag-unlad ng kulturang musikal na Pranses o Aleman, ngunit tinanggihan ang posibilidad ng pang-alipin na panggagaya sa kanila. Sumulat si Verdi: “Kung ang mga Aleman, na nagmula sa Bach, ay nakarating kay Wagner, kung gayon sila ay kumikilos na parang mga tunay na Aleman. Ngunit kami, ang mga inapo ng Palestrina, na ginagaya si Wagner, ay gumagawa ng isang krimen sa musika, na lumilikha ng hindi kailangan at kahit na nakakapinsalang sining. "Iba ang pakiramdam namin," dagdag niya.

Ang tanong tungkol sa impluwensya ni Wagner ay lalong talamak sa Italya mula noong 60s; maraming batang kompositor ang sumuko sa kanya (Ang pinaka-masigasig na tagahanga ni Wagner sa Italya ay ang estudyante ni Liszt, ang kompositor J. Sgambatti, ang konduktor G. Martucci, A. Boito (sa simula ng kanyang malikhaing karera, bago makilala si Verdi) at iba pa.). Mapait na sinabi ni Verdi: “Lahat tayo — mga kompositor, mga kritiko, ang publiko — ay ginawa ang lahat na posible upang talikuran ang ating nasyonalidad sa musika. Narito kami sa isang tahimik na daungan ... isa pang hakbang, at tayo ay magiging Aleman dito, tulad ng sa lahat ng iba pa. Mahirap at masakit para sa kanya na marinig mula sa mga labi ng mga kabataan at ilang mga kritiko ang mga salita na ang kanyang mga dating opera ay lipas na, ay hindi nakakatugon sa mga modernong pangangailangan, at ang mga kasalukuyan, simula kay Aida, ay sumusunod sa yapak ni Wagner. "Napakalaking karangalan, pagkatapos ng apatnapung taong malikhaing karera, na maging isang wannabe!" Galit na bulalas ni Verdi.

Ngunit hindi niya tinanggihan ang halaga ng mga masining na pananakop ni Wagner. Ang Aleman na kompositor ay nagpaisip sa kanya tungkol sa maraming bagay, at higit sa lahat tungkol sa papel ng orkestra sa opera, na minaliit ng mga kompositor ng Italyano noong unang kalahati ng ika-XNUMX na siglo (kabilang si Verdi mismo sa isang maagang yugto ng kanyang trabaho), tungkol sa pagtaas ng kahalagahan ng pagkakaisa (at ang mahalagang paraan ng pagpapahayag ng musikal na ito ay pinabayaan ng mga may-akda ng Italian opera) at, sa wakas, tungkol sa pagbuo ng mga prinsipyo ng end-to-end na pag-unlad upang madaig ang paghihiwalay ng mga anyo ng istraktura ng numero.

Gayunpaman, para sa lahat ng mga tanong na ito, ang pinakamahalaga para sa musikal na dramaturhiya ng opera ng ikalawang kalahati ng siglo, natagpuan ni Verdi. Russia at ilang bansa sa Asya. mga solusyon maliban kay Wagner. Bilang karagdagan, binalangkas niya ang mga ito bago pa niya makilala ang mga gawa ng makikinang na kompositor ng Aleman. Halimbawa, ang paggamit ng "timbre dramaturgy" sa eksena ng pagpapakita ng mga espiritu sa "Macbeth" o sa paglalarawan ng isang nagbabantang bagyo sa "Rigoletto", ang paggamit ng mga divisi string sa isang mataas na rehistro sa pagpapakilala sa huling gawa ng "La Traviata" o trombones sa Miserere ng "Il Trovatore" - ito ay matapang, ang mga indibidwal na paraan ng instrumentasyon ay matatagpuan anuman ang Wagner. At kung pinag-uusapan natin ang impluwensya ng sinuman sa orkestra ng Verdi, dapat nating isipin si Berlioz, na lubos niyang pinahahalagahan at kung kanino siya ay nasa palakaibigang termino mula sa simula ng 60s.

Naging independyente rin si Verdi sa kanyang paghahanap ng pagsasanib ng mga prinsipyo ng song-ariose (bel canto) at declamatory (parlante). Gumawa siya ng kanyang sariling espesyal na "halo-halong paraan" (stilo misto), na nagsilbing batayan para sa kanya upang lumikha ng mga malayang anyo ng monologo o diyalogong mga eksena. Ang aria ni Rigoletto na "Courtesans, fiend of vice" o ang espiritwal na tunggalian sa pagitan nina Germont at Violetta ay isinulat din bago makilala ang mga opera ni Wagner. Siyempre, ang pamilyar sa kanila ay nakatulong kay Verdi na matapang na bumuo ng mga bagong prinsipyo ng dramaturgy, na partikular na nakaapekto sa kanyang harmonic na wika, na naging mas kumplikado at nababaluktot. Ngunit may mga pangunahing pagkakaiba sa pagitan ng mga malikhaing prinsipyo ng Wagner at Verdi. Malinaw silang nakikita sa kanilang saloobin sa papel ng elemento ng boses sa opera.

Sa lahat ng atensyon na ibinigay ni Verdi sa orkestra sa kanyang mga huling komposisyon, kinilala niya ang vocal at melodic factor bilang nangunguna. Kaya, tungkol sa mga unang opera ni Puccini, isinulat ni Verdi noong 1892: "Sa palagay ko ang prinsipyo ng symphonic ang nananaig dito. Ito mismo ay hindi masama, ngunit dapat mag-ingat: ang opera ay isang opera, at ang isang symphony ay isang symphony.

“Boses at himig,” sabi ni Verdi, “para sa akin ay palaging magiging pinakamahalagang bagay.” Masigasig niyang ipinagtanggol ang posisyong ito, sa paniniwalang ang mga tipikal na pambansang katangian ng musikang Italyano ay makikita rito. Sa kanyang proyekto para sa reporma ng pampublikong edukasyon, na ipinakita sa gobyerno noong 1861, itinaguyod ni Verdi ang organisasyon ng mga libreng paaralan sa pag-awit sa gabi, para sa bawat posibleng pagpapasigla ng vocal music sa bahay. Pagkalipas ng sampung taon, umapela siya sa mga batang kompositor na pag-aralan ang klasikal na panitikang tinig ng Italyano, kabilang ang mga gawa ng Palestrina. Sa asimilasyon ng mga kakaibang kultura ng pag-awit ng mga tao, nakita ni Verdi ang susi sa matagumpay na pag-unlad ng mga pambansang tradisyon ng sining ng musikal. Gayunpaman, ang nilalaman na kanyang namuhunan sa mga konsepto ng "melody" at "melodiousness" ay nagbago.

Sa mga taon ng pagiging malikhain, mahigpit niyang tinutulan ang mga nag-interpret ng mga konseptong ito nang isang panig. Noong 1871, isinulat ni Verdi: “Ang isa ay hindi maaaring maging isang melodista lamang sa musika! Mayroong higit pa sa himig, kaysa sa pagkakaisa – sa katunayan – mismong musika! .. “. O sa isang liham mula noong 1882: “Ang himig, pagkakaisa, pagbigkas, madamdaming pag-awit, mga epekto ng orkestra at mga kulay ay walang iba kundi paraan. Gumawa ng magandang musika gamit ang mga tool na ito!..” Sa init ng kontrobersya, nagpahayag pa si Verdi ng mga paghatol na tila kabalintunaan sa kanyang bibig: “Ang mga himig ay hindi ginawa mula sa mga kaliskis, trills o groupetto … Mayroong, halimbawa, mga melodies sa bard koro (mula sa Bellini's Norma.— MD), ang panalangin ni Moses (mula sa opera ng parehong pangalan ni Rossini.— MD), atbp., ngunit wala sila sa mga cavatina ng The Barber of Seville, The Thieving Magpie, Semiramis, atbp. — Ano ito? "Kung ano ang gusto mo, hindi lang melodies" (mula sa isang liham ng 1875.)

Ano ang naging sanhi ng matinding pag-atake laban sa mga operatic melodies ni Rossini sa pamamagitan ng isang pare-parehong tagasuporta at matatag na propagandista ng mga pambansang tradisyon ng musikal ng Italya, na si Verdi? Iba pang mga gawain na iniharap ng bagong nilalaman ng kanyang mga opera. Sa pag-awit, gusto niyang marinig ang "isang kumbinasyon ng luma na may bagong pagbigkas", at sa opera - isang malalim at multifaceted na pagkakakilanlan ng mga indibidwal na tampok ng mga partikular na larawan at mga dramatikong sitwasyon. Ito ang kanyang pinagsusumikapan, ang pag-update ng intonational structure ng Italian music.

Ngunit sa diskarte ni Wagner at Verdi sa mga problema ng operatic dramaturgy, bilang karagdagan sa pambansa pagkakaiba, iba pa estilo masining na direksyon. Nagsimula bilang isang romantiko, si Verdi ay lumitaw bilang ang pinakadakilang master ng makatotohanang opera, habang si Wagner ay at nanatiling isang romantikong, bagaman sa kanyang mga gawa ng iba't ibang mga panahon ng creative ang mga tampok ng realismo ay lumitaw sa isang mas malaki o mas maliit na lawak. Sa huli, tinutukoy nito ang pagkakaiba sa mga ideya na nagpasigla sa kanila, ang mga tema, mga imahe, na nagpilit kay Verdi na salungatin ang " ni Wagner.musikal na drama"ang iyong pag-unawa"dula sa entablado ng musika'.

* * *

Hindi lahat ng mga kontemporaryo ay naunawaan ang kadakilaan ng mga malikhaing gawa ni Verdi. Gayunpaman, mali na paniwalaan na ang karamihan sa mga musikero ng Italyano sa ikalawang kalahati ng ika-1834 na siglo ay nasa ilalim ng impluwensya ni Wagner. Verdi ay nagkaroon ng kanyang mga tagasuporta at kaalyado sa pakikibaka para sa pambansang operatic ideals. Ang kanyang mas matandang kontemporaryong Saverio Mercadante ay nagpatuloy din sa pagtatrabaho, bilang isang tagasunod ni Verdi, si Amilcare Ponchielli (1886-1874, ang pinakamahusay na opera Gioconda – 1851; siya ang guro ni Puccini) ay nakamit ang makabuluhang tagumpay. Ang isang makinang na kalawakan ng mga mang-aawit ay napabuti sa pamamagitan ng pagganap ng mga gawa ni Verdi: Francesco Tamagno (1905-1856), Mattia Battistini (1928-1873), Enrico Caruso (1921-1867) at iba pa. Ang natitirang konduktor na si Arturo Toscanini (1957-90) ay dinala sa mga gawaing ito. Sa wakas, noong 1863s, ang isang bilang ng mga batang Italyano na kompositor ay nauna, gamit ang mga tradisyon ni Verdi sa kanilang sariling paraan. Ito ay sina Pietro Mascagni (1945-1890, ang opera Rural Honor – 1858), Ruggero Leoncavallo (1919-1892, ang opera Pagliacci – 1858) at ang pinaka-talino sa kanila – Giacomo Puccini (1924-1893; ang unang makabuluhang tagumpay ay ang opera "Manon", 1896; ang pinakamahusay na mga gawa: "La Boheme" - 1900, "Tosca" - 1904, "Cio-Cio-San" - XNUMX). (Kasama nila sina Umberto Giordano, Alfredo Catalani, Francesco Cilea at iba pa.)

Ang gawain ng mga kompositor na ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang apela sa isang modernong tema, na nagpapakilala sa kanila mula kay Verdi, na pagkatapos ng La Traviata ay hindi nagbigay ng direktang sagisag ng mga modernong paksa.

Ang batayan para sa mga masining na paghahanap ng mga batang musikero ay ang kilusang pampanitikan noong dekada 80, na pinamumunuan ng manunulat na si Giovanni Varga at tinawag na "verismo" (ang ibig sabihin ng verismo ay "katotohanan", "katotohanan", "pagkakatiwalaan" sa Italyano). Sa kanilang mga gawa, pangunahing inilalarawan ng mga verista ang buhay ng nasirang uring magsasaka (lalo na ang timog ng Italya) at ang maralitang taga-lungsod, iyon ay, ang mga maralitang panlipunang mas mababang uri, na dinudurog ng progresibong kurso ng pag-unlad ng kapitalismo. Sa walang awa na pagtuligsa sa mga negatibong aspeto ng burges na lipunan, nahayag ang progresibong kahalagahan ng gawain ng mga verista. Ngunit ang pagkagumon sa "madugong" na mga plano, ang paglipat ng mariin na sensual na mga sandali, ang pagkakalantad ng physiological, bestial na mga katangian ng isang tao ay humantong sa naturalismo, sa isang maubos na paglalarawan ng katotohanan.

Sa isang tiyak na lawak, ang kontradiksyon na ito ay katangian din ng mga kompositor ng verist. Hindi makiramay si Verdi sa mga pagpapakita ng naturalismo sa kanilang mga opera. Noong 1876, isinulat niya: "Hindi masamang gayahin ang realidad, ngunit mas mahusay na lumikha ng katotohanan ... Sa pamamagitan ng pagkopya nito, maaari ka lamang gumawa ng isang larawan, hindi isang larawan." Ngunit hindi mapigilan ni Verdi na tanggapin ang pagnanais ng mga batang may-akda na manatiling tapat sa mga tuntunin ng paaralan ng opera ng Italya. Ang bagong nilalaman na kanilang hinarap ay humihingi ng iba pang paraan ng pagpapahayag at mga prinsipyo ng dramaturhiya - mas dynamic, lubos na dramatiko, kinakabahan na nasasabik, mapusok.

Gayunpaman, sa pinakamahusay na mga gawa ng mga verists, ang pagpapatuloy ng musika ng Verdi ay malinaw na nararamdaman. Ito ay lalong kapansin-pansin sa gawain ng Puccini.

Kaya, sa isang bagong yugto, sa mga kondisyon ng ibang tema at iba pang mga plot, ang mataas na makatao, demokratikong mga mithiin ng mahusay na henyo ng Italyano ay nag-iilaw sa mga landas para sa karagdagang pag-unlad ng sining ng opera ng Russia.

M. Druskin

Mga Komposisyon:

opera – Oberto, Konde ni San Bonifacio (1833-37, itinanghal noong 1839, La Scala Theatre, Milan), Hari sa loob ng isang Oras (Un giorno di regno, kalaunan ay tinawag na Imaginary Stanislaus, 1840, doon sa mga iyon), Nebuchadnezzar (Nabucco, 1841, itinanghal noong 1842, ibid), Lombard sa Unang Krusada (1842, itinanghal noong 1843, ibid; 2nd edition, sa ilalim ng pamagat na Jerusalem, 1847, Grand Opera Theater, Paris), Ernani (1844, theater La Fenice, Venice), Two Foscari (1844, teatro Argentina, Rome), Jeanne d'Arc (1845, teatro La Scala, Milan), Alzira (1845, teatro San Carlo, Naples) , Attila (1846, La Fenice Theatre, Venice), Macbeth (1847, Pergola Theatre, Florence; 2nd edition, 1865, Lyric Theatre, Paris), Robbers (1847, Haymarket Theatre, London ), The Corsair (1848, Teatro Grande, Trieste), Battle of Legnano (1849, Teatro Argentina, Rome; na may binagong libretto, pinamagatang The Siege of Harlem, 1861), Louise Miller (1849, Teatro San Carlo, Naples), Stiffelio (1850, Grande Theatre, Trieste; 2nd edition, sa ilalim ng pamagat na Garol d, 1857, Tea tro Nuovo, Rimini), Rigoletto (1851, Teatro La Fenice, Venice), Troubadour (1853, Teatro Apollo, Rome), Traviata (1853, Teatro La Fenice, Venice), Sicilian Vespers (Pranses na libretto ni E. Scribe at Ch. Duveyrier, 1854, itinanghal noong 1855, Grand Opera, Paris; 2nd edition na pinamagatang "Giovanna Guzman", Italian libretto ni E. Caimi, 1856, Milan), Simone Boccanegra (libretto ni FM Piave, 1857, Teatro La Fenice, Venice; 2nd edition, libretto na binago ni A Boito, 1881, La Scala Theater , Milan), Un ballo in maschera (1859, Apollo Theatre, Rome), The Force of Destiny (libretto ni Piave, 1862, Mariinsky Theatre, Petersburg, Italian troupe; 2nd edition, libretto na binago ni A. Ghislanzoni, 1869, Teatro alla Scala, Milan), Don Carlos (Pranses libretto nina J. Mery at C. du Locle, 1867, Grand Opera, Paris; 2nd edition, Italian libretto, binagong A. Ghislanzoni, 1884, La Scala Theatre, Milan), Aida (1870 , itinanghal noong 1871, Opera Theatre, Cairo), Otello (1886, itinanghal noong 1887, La Scala Theatre, Milan), Falstaff (1892, itinanghal noong 1893, ibid.), para sa koro at piano – Tunog, trumpeta (mga salita ni G. Mameli, 1848), Anthem of the Nations (cantata, mga salita ni A. Boito, na ginanap noong 1862, ang Covent Garden Theater, London), mga gawaing espirituwal – Requiem (para sa 4 na soloista, koro at orkestra, ginanap noong 1874, Milan), Pater Noster (teksto ni Dante, para sa 5-boses na koro, ginanap noong 1880, Milan), Ave Maria (teksto ni Dante, para sa soprano at string orchestra , na ginanap noong 1880, Milan), Four Sacred Pieces (Ave Maria, para sa 4-voice choir; Stabat Mater, para sa 4-voice choir at orchestra; Le laudi alla Vergine Maria, para sa 4-voice female choir; Te Deum, para sa choir at orkestra; 1889-97, na ginanap noong 1898, Paris); para sa boses at piano – 6 na romansa (1838), Exile (ballad para sa bass, 1839), Seduction (ballad para sa bass, 1839), Album – anim na romansa (1845), Stornell (1869), at iba pa; instrumental ensembles – string quartet (e-moll, ginanap noong 1873, Naples), atbp.