Witold Lutosławski |

Witold Lutosławski

Si Witold Lutosławski ay nabuhay ng isang mahaba at may kaganapang malikhaing buhay; hanggang sa kanyang mga advanced na taon, napanatili niya ang pinakamataas na hinihingi sa kanyang sarili at ang kakayahang i-update at iba-iba ang estilo ng pagsulat, nang hindi inuulit ang kanyang mga nakaraang natuklasan. Pagkatapos ng kamatayan ng kompositor, ang kanyang musika ay patuloy na aktibong ginaganap at naitala, na nagpapatunay sa reputasyon ni Lutosławski bilang pangunahing – na may buong paggalang kina Karol Szymanowski at Krzysztof Penderecki – ang pambansang klasikong Polish pagkatapos ng Chopin. Bagaman ang lugar na tinitirhan ni Lutosławski ay nanatili sa Warsaw hanggang sa katapusan ng kanyang mga araw, higit pa siya kay Chopin na isang cosmopolitan, isang mamamayan ng mundo.

Noong 1930s, nag-aral si Lutosławski sa Warsaw Conservatory, kung saan ang kanyang guro ng komposisyon ay isang mag-aaral ng NA Rimsky-Korsakov, Witold Malishevsky (1873–1939). Naantala ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig ang matagumpay na pianistic at composing career ni Lutosławski. Sa mga taon ng pananakop ng Nazi sa Poland, napilitan ang musikero na limitahan ang kanyang mga pampublikong aktibidad sa pagtugtog ng piano sa mga cafe ng Warsaw, minsan sa isang duet kasama ang isa pang kilalang kompositor na si Andrzej Panufnik (1914-1991). Ang anyo ng paggawa ng musika ay may utang sa hitsura nito sa trabaho, na naging isa sa pinakasikat hindi lamang sa pamana ng Lutoslawsky, kundi pati na rin sa buong mundo na panitikan para sa duet ng piano - Mga Pagkakaiba-iba sa Tema ng Paganini (ang tema para sa mga pagkakaiba-iba na ito - pati na rin para sa maraming iba pang mga opus ng iba't ibang mga kompositor "sa isang tema ng Paganini" - ay ang simula ng sikat na ika-24 na caprice ng Paganini para sa solo violin). Pagkaraan ng tatlo at kalahating dekada, isinulat ni Lutosławski ang Variations para sa Piano at Orchestra, isang bersyon na kilala rin ng marami.

Matapos ang pagtatapos ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig, ang Silangang Europa ay nasa ilalim ng protektorat ng Stalinist USSR, at para sa mga kompositor na natagpuan ang kanilang sarili sa likod ng Iron Curtain, nagsimula ang isang panahon ng paghihiwalay mula sa mga nangungunang uso sa musika sa mundo. Ang pinaka-radikal na mga punto ng sanggunian para kay Lutoslawsky at sa kanyang mga kasamahan ay ang direksyon ng alamat sa gawain ni Bela Bartok at interwar French neoclassicism, ang pinakamalaking kinatawan kung saan ay sina Albert Roussel (Laging lubos na pinahahalagahan ni Lutoslavsky ang kompositor na ito) at Igor Stravinsky ng panahon sa pagitan ng Septet para sa Winds and the Symphony sa C major. Kahit na sa mga kondisyon ng kawalan ng kalayaan, sanhi ng pangangailangang sundin ang mga dogma ng sosyalistang realismo, ang kompositor ay nakagawa ng maraming sariwa, orihinal na mga gawa (Little Suite para sa chamber orchestra, 1950; Silesian Triptych para sa soprano at orchestra sa mga katutubong salita , 1951; Bukoliki) para sa piano, 1952). Ang mga taluktok ng maagang istilo ni Lutosławski ay ang First Symphony (1947) at ang Concerto for Orchestra (1954). Kung ang symphony ay higit na nakatuon sa neoclassicism nina Roussel at Stravinsky (noong 1948 ay hinatulan ito bilang "formalist", at ang pagganap nito ay ipinagbawal sa Poland sa loob ng ilang taon), kung gayon ang koneksyon sa katutubong musika ay malinaw na ipinahayag sa Concerto: mga pamamaraan ng nagtatrabaho sa katutubong intonasyon, malinaw na nakapagpapaalaala sa istilo ni Bartók ay mahusay na inilapat dito sa Polish na materyal. Ang parehong mga marka ay nagpakita ng mga tampok na binuo sa karagdagang gawain ng Lutoslawski: virtuosic orchestration, kasaganaan ng mga kaibahan, kakulangan ng simetriko at regular na mga istraktura (hindi pantay na haba ng mga parirala, tulis-tulis na ritmo), ang prinsipyo ng pagbuo ng isang malaking anyo ayon sa modelo ng pagsasalaysay na may isang medyo neutral na paglalahad, kamangha-manghang mga twist at turn sa paglalahad ng plot, tumitinding tensyon at kamangha-manghang denouement.

Ang Thaw noong kalagitnaan ng 1950s ay nagbigay ng pagkakataon para sa mga kompositor ng Silangang Europa na subukan ang kanilang mga kamay sa mga modernong pamamaraan sa Kanluran. Si Lutoslavsky, tulad ng marami sa kanyang mga kasamahan, ay nakaranas ng panandaliang pagkahumaling sa dodecaphony - ang bunga ng kanyang interes sa mga ideya ng New Viennese ay ang Funeral Music ni Bartók para sa string orchestra (1958). Ang mas katamtaman, ngunit mas orihinal din na "Limang Kanta sa Mga Tula ni Kazimera Illakovich" para sa boses ng babae at piano (1957; makalipas ang isang taon, binago ng may-akda ang cycle na ito para sa boses ng babae na may chamber orchestra) na napetsahan mula sa parehong panahon. Ang musika ng mga kanta ay kapansin-pansin para sa malawak na paggamit ng labindalawang-tono chord, ang kulay nito ay tinutukoy ng ratio ng mga pagitan na bumubuo ng isang integral vertical. Ang ganitong uri ng mga chord, na hindi ginagamit sa isang dodecaphonic-serial na konteksto, ngunit bilang mga independiyenteng structural unit, na ang bawat isa ay pinagkalooban ng natatanging orihinal na kalidad ng tunog, ay gaganap ng mahalagang papel sa lahat ng susunod na gawain ng kompositor.

Ang isang bagong yugto sa ebolusyon ni Lutosławski ay nagsimula sa pagliko ng 1950s at 1960s kasama ang Venetian Games para sa chamber orchestra (ang medyo maliit na apat na bahaging opus na ito ay kinomisyon ng 1961 Venice Biennale). Dito unang sinubukan ni Lutoslavsky ang isang bagong paraan ng pagbuo ng isang orchestral texture, kung saan ang iba't ibang instrumental na bahagi ay hindi ganap na naka-synchronize. Ang konduktor ay hindi nakikilahok sa pagganap ng ilang mga seksyon ng trabaho - ipinapahiwatig lamang niya ang sandali ng simula ng seksyon, pagkatapos nito ang bawat musikero ay gumaganap ng kanyang bahagi sa libreng ritmo hanggang sa susunod na tanda ng konduktor. Ang iba't ibang uri ng ensemble aleatorics, na hindi nakakaapekto sa anyo ng komposisyon sa kabuuan, ay tinatawag na "aleatoric counterpoint" (paalalahanan ko kayo na ang aleatorics, mula sa Latin na alea - "dice, lot", ay karaniwang tinutukoy bilang komposisyon mga pamamaraan kung saan ang anyo o texture ng isinagawang gawain ay higit pa o hindi gaanong nahuhulaan). Sa karamihan ng mga score ng Lutosławski, simula sa Venetian Games, ang mga episode na ginanap sa mahigpit na ritmo (isang battuta, ibig sabihin, "sa ilalim ng [konduktor] wand") ay kahalili ng mga episode sa aleatoric counterpoint (ad libitum – “sa kalooban”); sa parehong oras, ang mga fragment ad libitum ay madalas na nauugnay sa static at inertia, na nagbubunga ng mga larawan ng pamamanhid, pagkawasak o kaguluhan, at mga seksyon ng battuta – na may aktibong progresibong pag-unlad.

Bagaman, ayon sa pangkalahatang konsepto ng komposisyon, ang mga gawa ni Lutoslawsky ay napaka-magkakaibang (sa bawat sunud-sunod na marka na hinahangad niyang lutasin ang mga bagong problema), ang nangingibabaw na lugar sa kanyang mature na trabaho ay inookupahan ng isang dalawang bahagi na compositional scheme, na unang sinubukan sa String Quartet. (1964): ang unang fragmentary na bahagi, na mas maliit sa volume, ay nagsisilbi ng isang detalyadong panimula sa pangalawa, puspos ng may layunin na paggalaw, na ang kasukdulan ay naabot sa ilang sandali bago matapos ang gawain. Ang mga bahagi ng String Quartet, alinsunod sa kanilang dramatikong pag-andar, ay tinatawag na "Pambungad na Kilusan" ("Pambungad na bahagi". - Ingles) at "Pangunahing Kilusan" ("Pangunahing bahagi". - Ingles). Sa mas malaking sukat, ang parehong pamamaraan ay ipinatupad sa Second Symphony (1967), kung saan ang unang kilusan ay pinamagatang “He'sitant” (“Hesitating” – French), at ang pangalawa – “Direct” (“straight” – French ). Ang "Aklat para sa Orchestra" (1968; ang "aklat" na ito ay binubuo ng tatlong maliliit na "kabanata" na pinaghihiwalay sa isa't isa sa pamamagitan ng mga maikling interlude, at isang malaki, kaganapang panghuling "kabanata"), ang Cello Concerto ay batay sa binago o kumplikadong mga bersyon ng parehong scheme. kasama ang orkestra (1970), Third Symphony (1983). Sa pinakamatagal na opus ng Lutosławski (mga 40 minuto), Preludes at Fugue para sa labintatlong solong mga string (1972), ang pag-andar ng panimulang seksyon ay ginagampanan ng isang chain ng walong prelude ng iba't ibang mga character, habang ang function ng pangunahing kilusan ay isang energetically unfolding fugue. Ang dalawang-bahaging pamamaraan, na iba-iba nang may hindi mauubos na katalinuhan, ay naging isang uri ng matrix para sa mga instrumental na “drama” ni Lutosławski na sagana sa iba't ibang mga twist at turn. Sa mga mature na gawa ng kompositor, hindi mahanap ang anumang malinaw na mga palatandaan ng "Polishness", o anumang curtsies patungo sa neo-romanticism o iba pang "neo-styles"; hindi siya kailanman gumagamit ng mga pang-istilong parunggit, lalo na ang direktang pagsipi ng musika ng ibang tao. Sa isang kahulugan, ang Lutosławski ay isang nakahiwalay na pigura. Marahil ito ang tumutukoy sa kanyang katayuan bilang isang klasiko ng ika-XNUMX na siglo at isang may prinsipyong kosmopolitan: lumikha siya ng kanyang sarili, ganap na orihinal na mundo, palakaibigan sa nakikinig, ngunit napaka hindi direktang konektado sa tradisyon at iba pang mga agos ng bagong musika.

Ang mature na harmonic na wika ng Lutoslavsky ay malalim na indibidwal at nakabatay sa filigree work na may 12-tone complexes at constructive intervals at consonances na nakahiwalay sa kanila. Simula sa Cello Concerto, ang papel na ginagampanan ng pinahabang, nagpapahayag na melodic na mga linya sa musika ni Lutosławski, sa kalaunan ay tumitindi ang mga elemento ng katawa-tawa at katatawanan dito (Novelette para sa orchestra, 1979; finale ng Double Concerto para sa oboe, harp at chamber orchestra, 1980; ikot ng kanta Songflowers and song tales” para sa soprano at orkestra, 1990). Ang harmonic at melodic na pagsulat ni Lutosławski ay hindi kasama ang mga klasikal na ugnayang tonal, ngunit nagbibigay-daan sa mga elemento ng sentralisasyon ng tonal. Ang ilan sa mga huling pangunahing opus ng Lutosławski ay nauugnay sa mga modelo ng genre ng Romantikong instrumental na musika; Kaya, sa Third Symphony, ang pinakaambisyoso sa lahat ng mga orkestra na marka ng kompositor, puno ng drama, mayaman sa mga kaibahan, ang prinsipyo ng isang monumental na one-movement na monothematic na komposisyon ay orihinal na ipinatupad, at ang Piano Concerto (1988) ay nagpapatuloy sa linya ng napakatalino na romantikong pianismo ng "grand style". Tatlong mga gawa sa ilalim ng pangkalahatang pamagat na "Chains" ay nabibilang din sa huling panahon. Sa "Chain-1" (para sa 14 na instrumento, 1983) at "Chain-3" (para sa orkestra, 1986), ang prinsipyo ng "linking" (partial overlay) ng mga maikling seksyon, na naiiba sa texture, timbre at melodic-harmonic mga katangian, ay gumaganap ng isang mahalagang papel (ang mga pasimula mula sa cycle na "Preludes at Fugue" ay magkakaugnay sa isa't isa sa katulad na paraan). Ang hindi pangkaraniwan sa mga tuntunin ng anyo ay ang Chain-2 (1985), mahalagang isang four-movement violin concerto (pagpapakilala at tatlong paggalaw na nagpapalit ayon sa tradisyonal na fast-slow-fast pattern), isang bihirang kaso nang iwan ni Lutoslawsky ang kanyang paboritong dalawang bahagi. scheme.

Ang isang espesyal na linya sa mature na gawain ng kompositor ay kinakatawan ng malalaking vocal opuses: "Tatlong Tula ni Henri Michaud" para sa koro at orkestra na isinagawa ng iba't ibang konduktor (1963), "Weaved Words" sa 4 na bahagi para sa tenor at chamber orchestra (1965). ), "Spaces of Sleep" para sa baritone at orkestra (1975) at ang nabanggit na siyam na bahaging cycle na "Songflowers and Song Tales". Ang lahat ng mga ito ay batay sa French surrealist verses (ang may-akda ng teksto ng "Weaved Words" ay si Jean-Francois Chabrin, at ang huling dalawang gawa ay isinulat sa mga salita ni Robert Desnos). Si Lutosławski mula sa kanyang kabataan ay may espesyal na simpatiya para sa wikang Pranses at kulturang Pranses, at ang kanyang masining na pananaw sa mundo ay malapit sa kalabuan at pagiging mailap ng mga kahulugang katangian ng surrealismo.

Ang musika ni Lutoslavsky ay kapansin-pansin sa kanyang konsiyerto na kinang, na may isang elemento ng birtuosidad na malinaw na ipinahayag dito. Hindi nakakagulat na ang mga natitirang artista ay kusang-loob na nakipagtulungan sa kompositor. Kabilang sa mga unang interpreter ng kanyang mga gawa ay sina Peter Pearce (Woven Words), Lasalle Quartet (String Quartet), Mstislav Rostropovich (Cello Concerto), Heinz at Ursula Holliger (Double Concerto para sa oboe at alpa na may chamber orchestra) , Dietrich Fischer-Dieskau ( “Dream Spaces”), Georg Solti (Third Symphony), Pinchas Zuckermann (Partita for violin and piano, 1984), Anne-Sophie Mutter (“Chain-2” for violin and orchestra), Krystian Zimerman (Concerto for piano and orchestra) at hindi gaanong kilala sa ating mga latitude, ngunit talagang kahanga-hangang Norwegian na mang-aawit na si Solveig Kringelborn ("Songflowers and Songtales"). Si Lutosławski mismo ay nagtataglay ng isang hindi pangkaraniwang regalo ng konduktor; ang kanyang mga kilos ay lubos na nagpapahayag at gumagana, ngunit hindi niya kailanman isinakripisyo ang kasiningan para sa katumpakan. Ang pagkakaroon ng limitado sa kanyang pagsasagawa ng repertoire sa kanyang sariling mga komposisyon, si Lutoslavsky ay gumanap at naitala kasama ang mga orkestra mula sa iba't ibang mga bansa.

Ang mayaman at patuloy na lumalagong discography ng Lutosławski ay pinangungunahan pa rin ng mga orihinal na recording. Ang pinakakinatawan sa kanila ay nakolekta sa mga dobleng album na inilabas kamakailan ng Philips at EMI. Ang halaga ng una (“The Essential Lutoslawski”—Philips Duo 464 043), sa palagay ko, ay pangunahing tinutukoy ng Double Concerto at ng “Spaces of Sleep” na may partisipasyon ng mga mag-asawang Holliger at Dietrich Fischer-Dieskau, ayon sa pagkakabanggit ; ang interpretasyon ng may-akda ng Third Symphony with the Berlin Philharmonic na lumilitaw dito, kakaiba, ay hindi umaayon sa mga inaasahan (ang mas matagumpay na pag-record ng may-akda kasama ang British Broadcasting Corporation Symphony Orchestra, sa pagkakaalam ko, ay hindi inilipat sa CD ). Ang pangalawang album na "Lutoslawski" (EMI Double Forte 573833-2) ay naglalaman lamang ng mga wastong orkestra na gawa na nilikha bago ang kalagitnaan ng 1970s at higit pa sa kalidad. Ang mahusay na Pambansang Orchestra ng Polish Radio mula sa Katowice, na nakikibahagi sa mga pag-record na ito, nang maglaon, pagkatapos ng pagkamatay ng kompositor, ay nakibahagi sa pag-record ng halos kumpletong koleksyon ng kanyang mga orkestra na gawa, na inilabas mula noong 1995 sa mga disc ng Naxos company (hanggang Disyembre 2001, pitong disc ang inilabas). Ang koleksyon na ito ay nararapat sa lahat ng papuri. Ang artistikong direktor ng orkestra, si Antoni Wit, ay nagsasagawa sa isang malinaw, dinamikong paraan, at ang mga instrumentalista at mang-aawit (karamihan sa mga Poles) na gumaganap ng mga solong bahagi sa mga konsyerto at vocal opus, kung mas mababa sa kanilang mas kilalang mga nauna, ay napakakaunti. Ang isa pang pangunahing kumpanya, ang Sony, ay naglabas sa dalawang disc (SK 66280 at SK 67189) ang Pangalawa, Ikatlo at Ikaapat (sa palagay ko, hindi gaanong matagumpay) na mga symphony, pati na rin ang Piano Concerto, Spaces of Sleep, Songflowers at Songtales "; sa recording na ito, ang Los Angeles Philharmonic Orchestra ay isinasagawa ni Esa-Pekka Salonen (ang kompositor mismo, na sa pangkalahatan ay hindi madaling kapitan ng mataas na epithets, tinawag itong conductor na "phenomenal"1), ang mga soloista ay sina Paul Crossley (piano), John Shirley -Quirk (baritone), Don Upshaw (soprano)

Pagbabalik sa mga interpretasyon ng may-akda na naitala sa mga CD ng mga kilalang kumpanya, hindi mabibigo ang isa na banggitin ang makikinang na mga pag-record ng Cello Concerto (EMI 7 49304-2), ang Piano Concerto (Deutsche Grammophon 431 664-2) at ang violin concerto " Chain- 2” (Deutsche Grammophon 445 576-2), na isinagawa kasama ang partisipasyon ng mga birtuoso kung kanino ang tatlong opus na ito ay nakatuon, iyon ay, ayon sa pagkakabanggit, sina Mstislav Rostropovich, Krystian Zimermann at Anne-Sophie Mutter. Para sa mga tagahanga na hindi pa pamilyar o medyo pamilyar sa gawa ng Lutoslawsky, ipinapayo ko sa inyo na bumaling muna sa mga recording na ito. Sa kabila ng pagiging moderno ng wikang pangmusika ng lahat ng tatlong konsyerto, madali silang pinakikinggan at may espesyal na sigasig. Isinalin ni Lutoslavsky ang pangalan ng genre na "konsiyerto" alinsunod sa orihinal na kahulugan nito, iyon ay, bilang isang uri ng kumpetisyon sa pagitan ng isang soloista at isang orkestra, na nagmumungkahi na ang soloista, sasabihin ko, sports (sa pinaka marangal sa lahat ng posibleng mga kahulugan ng ang salita) kagitingan. Hindi na kailangang sabihin, ang Rostropovich, Zimerman at Mutter ay nagpapakita ng isang tunay na kampeon na antas ng kagalingan, na sa kanyang sarili ay dapat matuwa sa sinumang walang kinikilingan na tagapakinig, kahit na ang musika ni Lutoslavsky sa una ay tila hindi karaniwan o dayuhan sa kanya. Gayunpaman, si Lutoslavsky, hindi tulad ng napakaraming mga kontemporaryong kompositor, ay palaging sinubukang tiyakin na ang nakikinig sa kumpanya ng kanyang musika ay hindi magiging isang estranghero. Ito ay nagkakahalaga ng pagsipi ng mga sumusunod na salita mula sa isang koleksyon ng kanyang pinaka-kagiliw-giliw na mga pag-uusap sa Moscow musicologist II Nikolskaya: "Ang masigasig na pagnanais para sa pagiging malapit sa ibang mga tao sa pamamagitan ng sining ay patuloy na naroroon sa akin. Ngunit hindi ko itinatakda ang aking sarili ng layunin na manalo ng maraming tagapakinig at tagasuporta hangga't maaari. Hindi ko nais na manakop, ngunit nais kong hanapin ang aking mga tagapakinig, upang mahanap ang mga nakadarama ng parehong paraan tulad ng nararamdaman ko. Paano makakamit ang layuning ito? Sa palagay ko, sa pamamagitan lamang ng pinakamataas na artistikong katapatan, katapatan ng pagpapahayag sa lahat ng antas – mula sa isang teknikal na detalye hanggang sa pinakalihim, kilalang-kilala na lalim ... Kaya, ang artistikong pagkamalikhain ay maaari ding gumanap ng tungkulin ng isang "tagasalo" ng mga kaluluwa ng tao, maging isang lunas para sa isa sa pinakamasakit na karamdaman – ang pakiramdam ng kalungkutan ” .

Levon Hakopyan